Akira Kurosawa

Akira Kurosawa 黒澤明
Nacido	(03/23/1910) 23 de marzo 1910 Shinagawa, Tokio, Japón
Murió	06 de septiembre 1998 (06/09/1998) (88 años) Setagaya, Tokio, Japón
Ocupación	Directora, guionista, productor, editor
Años activos	1936-1993
Influenciado por	Fyodor Dostoyevsky , Máximo Gorki, John Ford, William Shakespeare , Kenji Mizoguchi
Influenciado	Sergio Leone, Federico Fellini, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, George Lucas, Steven Spielberg , Satyajit Ray, Ingmar Bergman, Andrei Tarkovsky, Robert Altman, Takeshi Kitano, Michael Cimino, Sam Peckinpah, Hayao Miyazaki, Katsuhiro Otomo, Yoshiaki Kawajiri, Clint Eastwood, Andrzej Wajda, William Friedkin, Bernardo Bertolucci, John Woo, Walter Hill, Ridley Scott
Casamiento (s)	Yōko Yaguchi (1945-1985) (su muerte)
Niños	Kazuko Kurosawa Hisao Kurosawa
Padres	Isamu Kurosawa Shima Kurosawa

Akira Kurosawa ( Japonés: 黒澤明, Hepburn: Akira Kurosawa, 23 marzo 1910 hasta 6 septiembre 1998) fue un Japonés director de cine, guionista, productor, y editor. Considerado como uno de los cineastas más importantes e influyentes de la historia del cine, Kurosawa dirigió 30 películas en una carrera que abarca 57 años.

Kurosawa entró en el Industria del cine japonés en 1936, después de un breve período como un pintor. Después de años de trabajo en numerosas películas como ayudante de dirección y guionista, que hizo su debut como director en 1943, durante la Segunda Guerra Mundial con el popular película de acción Sanshiro Sugata (aka Judo Saga). Después de la guerra, el aclamado por la crítica Ángel borracho (1948), en la que Kurosawa fundido entonces desconocido actor de Toshiro Mifune en un papel estelar, cimentó la reputación del director como uno de los jóvenes directores más importantes de Japón. Los dos hombres iban a colaborar en otras 15 películas.

Rashomon, que se estrenó en Tokio en agosto 1950, y que también protagonizó Mifune, se convirtió, el 10 de septiembre de 1951, el ganador sorpresa del León de Oro en el Festival de Cine de Venecia y fue puesto en libertad en Europa y América del Norte. El éxito comercial y de crítica de esta película abrió mercados cinematográficos occidentales por primera vez a los productos de la industria del cine japonés, que a su vez condujo a un reconocimiento internacional por otros cineastas japoneses. A lo largo de la década de 1950 y comienzos de 1960, Kurosawa dirigió una película de aproximadamente un año, incluyendo una serie de películas de gran prestigio como Ikiru (1952), Los siete samuráis (1954) y Yojimbo (1961). Después de mediados de 1960, se convirtió en mucho menos prolífico, pero su trabajo posterior, incluyendo sus últimos dos epopeyas, Kagemusha (1980) y Ran (1985) -continúa para ganar premios, incluyendo el Palme d'Or para Kagemusha, aunque más a menudo en el extranjero que en Japón.

En 1990, aceptó el premio de la Academia para Lifetime Achievement. A título póstumo, fue nombrado " Asia del Siglo "en la categoría" Arte, Literatura y Cultura "por Revista AsianWeek y CNN, citada como "uno de los [cinco] las personas que más han contribuido a la mejora de Asia en los últimos 100 años".

Vida y carrera

Infancia y juventud (1910-1935)

Kurosawa nació el 23 de marzo de 1910 en Oimachi en el Omori distrito de Tokio. Su padre Isamu, un miembro de una antigua familia samurai de la Prefectura de Akita, trabajó como director de la Educación Física del Ejército Instituto de la escuela secundaria inferior, mientras que su madre Shima vino de la familia de estar de un comerciante de Osaka . Akira fue el octavo y más joven hijo de la familia moderadamente acomodada, con dos de sus hermanos ya crecido en el momento de su nacimiento y uno fallecido, dejando Kurosawa crecer con tres hermanas y un hermano.

Además de promover el ejercicio físico, Isamu Kurosawa fue abierta a las tradiciones occidentales y considerado el teatro y el cine de tener mérito educativo. Animó a sus hijos a ver películas; joven Akira vio sus primeras películas a la edad de seis años. Una influencia formativa importante fue su maestra de escuela primaria Sr. Tachikawa, cuya progresiva prácticas educativas encendido en su joven pupila primero un amor por el dibujo y luego un interés en la educación en general. Durante este tiempo, el niño también estudió caligrafía y Manejo de la espada Kendo.

Otra gran influencia infancia fue Heigo Kurosawa, el hermano mayor de Akira por cuatro años. A raíz de la Gran terremoto de Kanto de 1923, que devastó Tokio, Heigo tomó el 13-años de edad, Akira para ver la devastación. Cuando el hermano menor quería apartar la mirada de los cadáveres humanos y cadáveres de animales esparcidos por todas partes, Heigo prohibió que lo hiciera, en vez alentar Akira a enfrentar sus miedos por confrontar directamente. Algunos comentaristas han sugerido que este incidente podría influir en la carrera artística después de Kurosawa, como el director era rara vez dudan en enfrentarse a verdades desagradables en su obra.

Heigo fue académicamente dotado, pero pronto después de no poder asegurar un lugar en Tokio del lugar la escuela secundaria, comenzó a desprenderse del resto de la familia, prefiriendo concentrarse en su interés por la literatura extranjera. A finales de 1920, se convirtió en un Heigo benshi (narrador cine mudo) para los teatros de Tokio que muestra películas extranjeras, y rápidamente se hizo un nombre por sí mismo. Akira, que en este punto planeaba convertirse en pintor, fue a vivir con él, y los dos hermanos se hicieron inseparables. A través Heigo, Akira devorado no sólo películas, sino también obras de teatro y de circo, mientras que exhiben sus pinturas y trabajar por el izquierdista Liga Artistas Proletarios. Sin embargo, nunca fue capaz de ganarse la vida con su arte, y, cuando empezó a percibir la mayor parte del movimiento proletario como "poner los ideales políticos no cumplidas directamente sobre el lienzo", perdió su entusiasmo por la pintura.

Con el aumento de la producción de cine sonoro en la década de 1930, los narradores de cine como Heigo comenzaron a perder el trabajo, y Akira regresaron con sus padres. En julio de 1933, Heigo suicidó. Kurosawa ha comentado sobre el sentido duradero de la pérdida que sentía por la muerte de su hermano y el capítulo de su autobiografía que describe escrito, casi medio siglo después de que el estado en que está evento titulado, "Una Historia I Do not Wanna Tell." Sólo cuatro meses más tarde, el hermano mayor de Kurosawa también murió, dejando a Akira, a los 23 años, el único de los hermanos que aún viven Kurosawa, junto a sus tres hermanas sobrevivientes.

Director de formación (1935-1941)

En 1935, el nuevo estudio de cine Foto Química Laboratories, conocida como PCL (que más tarde se convirtió en el gran estudio, Toho), anuncian para ayudantes de dirección. Aunque había demostrado ningún interés previo en el cine como una profesión, Kurosawa presentó el ensayo requerido, que pidió a los solicitantes para discutir las deficiencias fundamentales de las películas japonesas y encontrar la manera de superarlos. Su punto de vista medio burlona era que si las deficiencias son fundamentales, no había manera de corregirlos. El ensayo de Kurosawa le valió un llamado a tomar los exámenes de seguimiento, y director Kajiro Yamamoto, quien fue uno de los examinadores, se enamoró de Kurosawa e insistió en que el estudio lo contrate. El jugador de 25 años de edad, se unió a Kurosawa PCL en febrero de 1936.

Durante sus cinco años como ayudante de dirección, Kurosawa trabajó bajo numerosos directores, pero con mucho, la figura más importante en su desarrollo fue Kajiro Yamamoto. De sus 24 películas como AD, trabajó en 17 bajo Yamamoto, muchas de ellas comedias que ofrecen el popular actor Kenichi Enomoto, conocido como "Enoken." Yamamoto nutre el talento de Kurosawa, promoverlo directamente de asistente del director a director asistente del director después de un año. Responsabilidades de Kurosawa aumentaron, y trabajó en tareas que van desde la construcción de escenarios y desarrollo de la película a la búsqueda de localizaciones, pulido de la escritura, los ensayos, la iluminación, el doblaje, la edición y la segunda unidad de la dirección. En la última de las películas de Kurosawa como ayudante de dirección, Caballo (Uma, 1941), Kurosawa hizo cargo de la mayor parte de la producción, como Yamamoto estaba ocupado con el rodaje de otra película.

Un consejo importante Yamamoto dio Kurosawa fue que un buen director tenía que dominar la escritura de guiones. Kurosawa pronto se dio cuenta de que las potenciales ganancias de sus guiones fueron muy superiores a lo que se le pagó como ayudante de dirección. Kurosawa escribiría más tarde o co-escribir todo de sus propias películas. También con frecuencia escribió guiones para otros directores. Esta escritura de guiones fuera serviría Kurosawa como un negocio lucrativo hasta bien entrada la década de 1960, mucho después de que se hizo mundialmente famosa.

Películas en tiempos de guerra y el matrimonio (1942-1945)

En los dos años siguientes a la liberación de caballo en 1941, Kurosawa buscó una historia que podría utilizar para lanzar su carrera como director. Hacia el final de 1942, aproximadamente un año después del comienzo de la guerra de Japón con Estados Unidos, novelista Tsuneo Tomita publicó su Musashi Miyamoto inspirado judo novela, Sanshiro Sugata, los anuncios para los que intrigados Kurosawa. Compró el libro en su día de publicación, la devoró en una sola sesión, y de inmediato pidió Toho para asegurar los derechos de la película. Instinto inicial de Kurosawa resultó ser correcta ya que, dentro de unos pocos días, otros tres grandes estudios japoneses también ofrecieron comprar los derechos. Toho prevaleció y Kurosawa comenzó la preproducción de su ópera prima como director.

Disparo de Sanshiro Sugata comenzó en el lugar en Yokohama en diciembre de 1942. La producción se desarrolló sin problemas, pero conseguir la película terminada pasado la censura era un asunto completamente diferente. La censura considerado el trabajo demasiado "británico-estadounidense" (un equivalente acusación, en ese momento, a un cargo de traición a la patria), y sólo a través de la intervención del director Yasujiro Ozu, quien defendió la película, que Sanshiro Sugata finalmente fue aceptado a la venta el 25 de marzo de 1943. (Kurosawa acababa de cumplir 33.) La película se convirtió en un éxito tanto de crítica y público. Sin embargo, la oficina de censura más tarde decidir que cortar unos 18 minutos de metraje, mucha de la cual ahora se considera perdida.

El siguiente volvió al tema de los trabajadores de fábricas de guerra en El, una película más hermosa propaganda que le disparó en un estilo semi-documental a principios de 1944. Con el fin de convencer a interpretaciones realistas de sus actrices, el director tenía que vivan en una verdadera fábrica durante el rodaje, comen la comida de la fábrica y se llaman otro por sus nombres de los personajes. Usaría métodos similares con sus artistas en toda su carrera.

Durante la producción, la actriz que interpreta al líder de los trabajadores de la fábrica, Yōko Yaguchi, fue elegido por sus colegas para presentar sus demandas al director. Ella y Kurosawa estaban constantemente en desacuerdo, y fue a través de estos argumentos que los dos, paradójicamente, se convirtió en cerca. Se casaron el 21 de mayo de 1945, con Yaguchi embarazada de dos meses (ella nunca reanudó su carrera como actriz), y la pareja se mantendrían juntos hasta su muerte en 1985. Ellos tienen dos hijos: un hijo, Hisao, nacido 20 de diciembre 1945 , que serviría como productor en algunos de los últimos proyectos de su padre, y Kazuko, nacido el 29 de abril de 1954 que se convertiría en una diseñadora de vestuario.

Poco antes de su matrimonio, Kurosawa fue presionado por el estudio en contra de su voluntad para dirigir una secuela de su película de debut. El propagandístico menudo descaradamente Sanshiro Sugata Parte II, que se estrenó en mayo de 1945, se considera generalmente una de sus muy débiles imágenes.

Kurosawa decidió escribir el guión de una película que sería a la vez censor de usar y menos costoso de producir. Los hombres que caminan sobre la cola del tigre, basado en la obra de teatro Kabuki Kanjincho y protagonizada por el comediante Enoken, con quien Kurosawa había trabajado a menudo durante sus días asistente de dirección, se completó en septiembre de 1945. Por este tiempo, Japón se había rendido y la ocupación de Japón había comenzado. Los nuevos censores estadounidenses interpretan los valores supuestamente promovidas en la imagen como demasiado "feudal" y prohibieron el trabajo. (No sería liberado hasta 1952, año en otra película de Kurosawa, Ikiru, también fue lanzado.) Irónicamente, mientras que en la producción, la película ya había sido atacado salvajemente por los censores de guerra japoneses como demasiado occidental y "democrático" (que particularmente no le gustaba la porter cómico interpretado por Enoken), por lo que la película probablemente no habrían visto la luz del día, incluso si la guerra hubiera continuado más allá de su finalización.

Las primeras obras de la posguerra (1946-1950)

La guerra terminó ahora, Kurosawa, absorbiendo los ideales democráticos de la Ocupación, trató de hacer películas que permitan establecer un nuevo respeto hacia el individuo y el yo. La primera de estas películas, No Regrets para Nuestra Juventud (1946), inspirada en tanto el 1933 Takigawa incidente y la Hotsumi Ozaki caso de espionaje en tiempo de guerra, criticó el régimen anterior a la guerra de Japón por su opresión política. Atípicamente para el director, el personaje central es una mujer heroica, Yukie ( Setsuko Hara), nacido en privilegio de clase media-alta, que viene a cuestionar sus valores en un momento de crisis política. El guión original tuvo que ser ampliamente reescrito y, debido a su controvertido tema (y porque el protagonista era una mujer), el trabajo realizado dividido críticos, pero sin embargo, se las arregló para ganar la aprobación del público, que se volvieron variaciones sobre el título de la película ( "No se lamenta de ...") en una especie de posguerra eslogan.

Su siguiente película, Un domingo maravilloso estrenó en julio de 1947 con críticas variadas. Es una historia de amor relativamente sencillo y sentimental se trata de una pareja de posguerra empobrecida tratando de disfrutar, dentro de la devastación de la posguerra Tokio, su único día de descanso semanal. La película lleva la influencia de Frank Capra, DW Griffith y FW Murnau. Otra película estrenada en 1947 con la participación de Kurosawa fue el el thriller de acción y aventura, Snow Trail, dirigida por Senkichi Taniguchi del guión de Kurosawa. Esto marcó el debut de la intensa joven actor Toshiro Mifune. Fue Kurosawa quien, con su mentor Yamamoto, había intervenido para persuadir Toho firmar Mifune, durante una audición en la que el joven impresionó mucho Kurosawa, pero se las arregló para enajenar la mayoría de los otros jueces.

El ángel ebrio a menudo se considera primera gran obra del director. Aunque el guión, como todas las obras de la época de la ocupación de Kurosawa, tuvo que pasar por reescrituras forzados debido a la censura americana, Kurosawa sentí que esta era la primera película en la que él era capaz de expresarse libremente. Una historia grittily realista de un médico que trata de salvar a un gángster ( yakuza) con tuberculosis , también fue la primera película del director con Toshiro Mifune, quien procederá a jugar ya sea con carácter principal o personajes importantes en todos menos uno (Ikiru) de próximos 16 películas del director. Mientras Mifune no fue elegida como la protagonista de El ángel ebrio, su rendimiento explosivo como el gángster lo domina el drama que él cambió el enfoque del personaje del título, el médico alcohólico interpretado por Takashi Shimura, que ya había aparecido en varias películas de Kurosawa. Sin embargo, Kurosawa no quiso sofocar inmensa vitalidad del joven actor, y el carácter rebelde de Mifune electrizó al público en gran parte la forma en que Postura desafiante de Marlon Brando podría asustar a la audiencia de cine estadounidense unos años más tarde. La película se estrenó en Tokio en abril de 1948 con excelentes críticas y fue elegido por la prestigiosa Kinema Junpo encuesta de críticos como la mejor película de su año, la primera de las tres películas de Kurosawa en recibir este honor.

Kurosawa, con el productor Sojiro Motoki y colegas directores y amigos Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse y Senkichi Taniguchi, formó una nueva unidad de producción independiente llamada Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyōkai). Para el trabajo de debut de esta organización, y la primera película para Estudios Daiei, Kurosawa recurrieron a una obra de teatro contemporáneo por Kazuo Kikuta y, junto con Taniguchi, la adaptaron para la pantalla. Duelo silencioso protagonizó Toshiro Mifune como un joven médico idealista que lucha con sífilis, un intento deliberado por Kurosawa para romper el actor lejos de ser encasillado como gángsters. Lanzado en marzo de 1949, que fue un éxito de taquilla, pero en general es considerado uno de menores logros del director.

Su segunda película de 1949, también producido por la Asociación de Arte de Cine y liberado por Shintoho, era Perro perdido. El más célebre de las obras de Kurosawa de este período, es un película de detectives (quizás la primera importante de cine japonés en ese género) que explora el humor de Japón durante su dolorosa recuperación de posguerra a través de la historia de un joven detective, interpretado por Mifune, y su obsesión por su pistola, robada por un joven sin dinero que procede a utilizarlo para robar y asesinar. Adaptado de una novela inédita de Kurosawa en el estilo de un escritor favorito de los suyos, Georges Simenon, que fue la primera colaboración del director con el guionista Ryuzo Kikushima, que más tarde ayudaría a la escritura de otras ocho películas de Kurosawa. Una famosa secuencia, casi sin palabras, que dura más de ocho minutos, muestra el detective, disfrazado como un veterano de la empobrecida, vagando por las calles en busca del ladrón pistola; empleó material documental real de los barrios de Tokio devastados por la guerra tomadas por el amigo de Kurosawa, Ishiro Honda, el futuro director de Gojira (aka, Godzilla). La película se considera un precursor de la moderna procedimiento policial y compinche géneros cinematográficos policía.

Escándalo, publicado por Shochiku en abril de 1950, se inspiró en las experiencias personales del director con, y la ira hacia, japonés periodismo amarillo. La obra es una mezcla ambiciosa de drama judicial y el cine problema social sobre la libertad de expresión y la responsabilidad personal, pero incluso Kurosawa considerado el producto terminado como dramáticamente desenfocados e insatisfactoria, y casi todos los críticos están de acuerdo.

Sin embargo, sería la segunda película de Kurosawa de 1950, Rashomon, que en última instancia le ganará una nueva audiencia.

El reconocimiento internacional (1950-1958)

Después de terminar el escándalo, Kurosawa fue abordado por Estudios Daiei, que pidieron al director a hacer otra película para ellos. Kurosawa recogió un guión de un guionista joven aspirante, Shinobu Hashimoto. (Ellos finalmente escribir nueve películas juntos.) Se basaba en Relato corto experimental de Ryunosuke Akutagawa En una Grove, que narra el asesinato de un samurai y la violación de su esposa de varias diferentes y contradictorios puntos de vista. Kurosawa vio potencial en el guión, y con la ayuda de Hashimoto, pulido y lo amplió y luego lanzó a Daiei, que estaban felices de aceptar el proyecto debido a su bajo presupuesto.

Machiko Kyō y Toshiro Mifune en una escena de Rashomon (1950).

Disparo de Rashomon comenzó el 7 de julio 1950 y, después de un extenso trabajo ubicación en la selva virgen de Nara, envuelto en agosto 17. Una semana transcurrió en post-producción apresurada, obstaculizado por un incendio de estudio, y la película terminada se estrenó en el Teatro Imperial de Tokio el 25 de agosto, la expansión en todo el país el día siguiente. La película se encontró con críticas poco entusiastas, con muchos críticos desconcertados por su temática y tratamiento único, pero era sin embargo un éxito financiero moderado para Daiei.

La siguiente película de Kurosawa, por Shochiku, fue El idiota, una adaptación de la novela del escritor favorito del director, Fyodor Dostoyevsky . El cineasta volvió a poner la historia de Rusia a Hokkaido, pero es de otra manera muy fiel al original, un hecho considerado por muchos críticos como perjudiciales a la obra. Una edición de estudio con mandato acortó de corte original de Kurosawa de 265 minutos (casi cuatro horas y media) a sólo 166 minutos, por lo que la narrativa que resulta muy difícil de seguir. Se considera ampliamente hoy en día como uno de los trabajos menos exitosas del director. Opiniones contemporáneos fueron muy negativas, pero la película fue un éxito moderado en la taquilla, en gran parte debido a la popularidad de una de sus estrellas, Setsuko Hara.

Mientras tanto, a espaldas de Kurosawa, Rashomon había entrado en la prestigiosa Festival de Cine de Venecia, gracias a los esfuerzos de Giuliana Stramigioli, un representante con sede en Japón de una compañía de cine italiano, que había visto y admirado la película y convencido Daiei para enviarlo. El 10 de septiembre de 1951, Rashomon fue galardonado premio mayor del festival, el León de Oro, sorprendiendo no sólo Daiei pero el mundo del cine internacional, que en ese momento era en gran parte inconsciente de décadas de tradición cinematográfica de Japón.

Después de Daiei exhibió muy brevemente una impresión subtitulado de la película en Los Angeles, RKO compró los derechos de distribución a Rashomon en los Estados Unidos. La compañía estaba tomando un riesgo considerable. Se había sacado sólo una película subtitulada antes en el mercado americano, y la única talkie japonesa anterior lanzado comercialmente en Nueva York había sido Mikio Naruse comedia, esposa! Sé como una rosa, en 1937: un fracaso crítico y de taquilla. Sin embargo, carrera comercial Rashomon 's, ayudó en gran medida por las fuertes críticas de los críticos e incluso el columnista Ed Sullivan, fue todo un éxito. (Se ganó $ 35.000 en sus primeras tres semanas en un solo teatro de Nueva York, una casi inaudita suma en el momento.) Este éxito a su vez condujo a una moda en los Estados Unidos para las películas japonesas en toda la década de 1950, en sustitución del entusiasmo por Cine neorrealista italiano. (La película también fue lanzado, por otros distribuidores, en Francia, Alemania Occidental, Dinamarca, Suecia y Finlandia). Entre los cineastas japoneses cuyo trabajo, como consecuencia, empezó a ganar premios de festivales y lanzamiento comercial en Occidente eran Kenji Mizoguchi ( La vida de Oharu, Ugetsu, El intendente Sansho) y, algo más tarde, Yasujiro Ozu ( Cuentos de Tokio, Una tarde de otoño) -ARTISTS muy respetado en Japón, pero, antes de este período, casi totalmente desconocido en Occidente. Las generaciones posteriores de cineastas japoneses que encontrarían elogios fuera de Japón, desde Nagisa Oshima y Shohei Imamura a Juzo Itami, Takeshi Kitano y Takashi Miike-fueron capaces de pasar a través de la puerta que Kurosawa era el primero en abrir.

Su carrera impulsada por su fama internacional repentina, Kurosawa, ahora reunido con su estudio original de la película, Toho (que llegaría a producir sus siguientes 11 películas), se puso a trabajar en su próximo proyecto, Ikiru. Las estrellas de cine Takashi Shimura como un burócrata Tokio cáncer-montado, Watanabe, en una búsqueda final de sentido antes de su muerte. Para el guión, Kurosawa llevó en Hashimoto, así como escritor Hideo Oguni, quien continuaría a co-escribir 12 películas de Kurosawa. A pesar de la materia sombría de la obra, los guionistas tuvieron un enfoque satírico, que algunos han comparado con el trabajo de Brecht, tanto para el mundo burocrático de su héroe y la colonización cultural estadounidense de Japón. (Canciones pop estadounidenses ocupan un lugar destacado en la película). Debido a esta estrategia, los realizadores se acredita generalmente con salvar la imagen de la clase de sentimentalismo común a los dramas de personajes con enfermedades terminales. Ikiru abrió en octubre de 1952 con excelentes críticas, ganó Kurosawa su segundo éxito de premios y una enorme caja de la oficina de "Mejor Película" Kinema Junpo. Sigue siendo la más aclamada de todas las películas de la artista establecidos en la era moderna.

En diciembre de 1952, Kurosawa llevó a sus guionistas Ikiru, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni, para una residencia apartada cuarenta y cinco días en una posada para crear el guión de su próxima película, Los siete samuráis. La trabajo conjunto fue primero adecuada de Kurosawa película de samuráis, el género por el que se convertiría en el más famoso. La historia sencilla, sobre una pobre aldea agrícola en Periodo Sengoku Japón que contrata a un grupo de samurai para defenderla contra un inminente ataque de los bandidos, se le dio un tratamiento épico lleno, con un gran elenco (en gran parte formado por veteranos de anteriores producciones Kurosawa) y acción meticulosamente detallado, que se extiende a casi tres hora -y-a-media de tiempo de pantalla.

Tres meses los pasó en la pre-producción y un mes en los ensayos. El rodaje tuvo hasta 148 días repartidos en casi un año, interrumpido por problemas de producción y de financiación y los problemas de salud de Kurosawa. La película finalmente se abrió en abril de 1954, la mitad de un año detrás de su fecha de lanzamiento original y cerca de tres veces más de presupuesto, por lo que es en el momento en la película japonesa más cara de la historia. (Sin embargo, los estándares de Hollywood, era una producción bastante modesto presupuesto, incluso para ese momento). La película recibió la crítica y se convirtió en un gran éxito, por lo que rápidamente recuperar el dinero invertido en ella y proporcionando el estudio con un producto que podía, y lo hizo, el mercado internacional, aunque con amplias ediciones. Con el tiempo y con las versiones de vídeo de teatro y de origen de la versión sin cortes, su reputación ha crecido constantemente. Ahora es considerado por algunos comentaristas como la mejor película japonesa que se han hecho, y en 1979, una encuesta de críticos de cine japoneses también votó la mejor película japonesa jamás se ha hecho.

Kurosawa en el set de Trono de Sangre

En 1954, las pruebas nucleares en el Pacífico estaban causando las lluvias radiactivas en Japón (el único país que ha sido víctima de un bombardeo atómico), y uno en particular incidente marzo había expuesto un barco de pesca japonés lluvia radiactiva, con resultados desastrosos. Es en esta atmósfera ansiosa que la próxima película de Kurosawa, Registro de un ser vivo, fue concebido. La historia se refería a un dueño de la fábrica de edad avanzada (Toshiro Mifune) tan aterrorizados de la posibilidad de un ataque nuclear que él está decidido a pasar toda su familia extendida (tanto legales como extra-marital) a lo que él se imagina es la seguridad de una granja en Brasil . Producción fue mucho más suave que la anterior película del director, pero unos días antes de la grabación termina, de Kurosawa compositor, colaborador y amigo cercano Fumio Hayasaka falleció (de la tuberculosis) a la edad de sólo 41. La banda sonora fue terminado por el estudiante de Hayasaka, Masaru Sato, que se encendería anotar todos los próximos ocho películas de Kurosawa. Registro de un ser vivo se abrió en noviembre de 1955 con críticas variadas y la reacción del público en silencio, convirtiéndose en la primera película de Kurosawa a perder dinero durante su carrera de teatro original. Hoy en día, es considerado por muchos como uno de los mejores filmes que tratan de los efectos psicológicos de la situación de estancamiento nuclear mundial.

El próximo proyecto de Kurosawa, Trono de Sangre, un pródigo adaptación producida de William Shakespeare 's Macbeth -set, como Los siete samuráis, en la representación-Era Sengoku un ambicioso transposición del Inglés trabajar en un contexto asiático. Kurosawa instruyó a su actriz principal, Isuzu Yamada, a considerar la obra como si se tratara de una versión cinematográfica de un japonés en lugar de un clásico de la literatura europea. Apropiadamente, la actuación de los jugadores, sobre todo Yamada, se basa principalmente en las técnicas estilizadas del teatro Noh. Fue filmada en 1956 y puesto en libertad en enero de 1957 para una respuesta nacional ligeramente menos negativa que había sido el caso de la anterior película del director. En el extranjero, Trono de sangre, independientemente de las libertades que se necesita con su material de origen, rápidamente se ganó un lugar entre las adaptaciones de Shakespeare más célebres.

Otra adaptación de un clásico trabajo teatral europea siguió casi de inmediato, con la producción de Los bajos fondos, basados en una jugar Máximo Gorki, que tendrá lugar en mayo y junio de 1957. En contraste con el alcance gigantesco y barrido de Trono de Sangre, La bajos fondos se rodó en sólo dos sets confinados, mejor hacer hincapié en el carácter restringido de las vidas de los personajes. Aunque fiel a la obra, esta adaptación de material ruso a un completo japonés entorno, en este caso, el difunto Período de Edo a diferencia de su anterior El idiota, era considerado como artísticamente éxito. La película se estrenó en septiembre de 1957, recibiendo una respuesta mixta similar a la del Trono de sangre. Sin embargo, algunos críticos lo sitúan entre las obras más subestimados del director.

Tres películas consecutivas de Kurosawa después de siete samurais no habían logrado captar el público japonés en la forma en que esa película tenía. El estado de ánimo de la obra del director había ido creciendo cada vez más pesimista y oscura, con la posibilidad de la redención a través de la responsabilidad personal ahora muy cuestionado, sobre todo en el Trono de Sangre y Los bajos fondos. Reconoció esto, y deliberadamente como objetivo para una película más alegre y entretenido para su próxima producción, mientras que el cambio a la nueva formato de pantalla ancha que había ido ganando popularidad en Japón. La película resultante, La fortaleza escondida, es una acción y aventura comedia dramática sobre una princesa medieval, su leal general y dos campesinos que todos tenemos que viajar a través de las líneas enemigas con el fin de llegar a su región de origen. Lanzado en diciembre de 1958, La Fortaleza Escondida se convirtió en un éxito de taquilla enorme en Japón y fue muy bien recibido por la crítica. Hoy en día, la película es considerado uno de los mayores esfuerzos ligeros de Kurosawa, aunque sigue siendo muy popular, sobre todo porque es una de las varias influencias principales (como Él mismo ha admitido George Lucas) sobre Lucas 'popular 1977 space opera, Guerra De Las Galaxias.

Nacimiento de una empresa y el fin de una era (1959-1965)

A partir de Rashomon, producciones de Kurosawa se habían vuelto cada vez más grande en su alcance, así que tuvimos presupuestos del director. Toho, preocupado por este desarrollo, sugirió que podría ayudar a financiar sus propias obras, por lo tanto haciendo las pérdidas potenciales del estudio más pequeño, mientras que a su vez permite a sí mismo más libertad artística como co-productor. Kurosawa estuvo de acuerdo y el Kurosawa Production Company fue fundada en abril de 1959, con la Toho como accionista mayoritario.

A pesar de ahora arriesgando su propio dinero, Kurosawa eligió una historia más directamente crítico de la empresa japonesa y las élites políticas que cualquiera de sus trabajos anteriores. Lo malo dormir bien, basada en un guión por el sobrino de Kurosawa Mike Inoue, es un drama de venganza sobre un hombre joven que sube la jerarquía de una empresa japonesa corrupto con la intención de exponer a los hombres responsables de la muerte de su padre. Su tema resultó tópico: mientras que la película estaba en la producción, se celebraron manifestaciones masivas en contra de la nueva Tratado entre Estados Unidos y Japón de Seguridad, que fue visto por muchos japoneses, particularmente los jóvenes, como una amenaza para la democracia del país, dando demasiado poder a las corporaciones y los políticos. La película se estrenó en septiembre de 1960 a la crítica y un éxito de taquilla modesto. La secuencia de apertura de 25 minutos, que representa a una recepción de boda corporativa interrumpido por los reporteros y la policía (que arrestan a un ejecutivo por corrupción), es ampliamente considerado como uno de balón parado más hábilmente ejecutadas de Kurosawa, pero el resto de la película es a menudo percibida como decepcionante en comparación. La película también ha sido criticado por emplear el héroe Kurosawan convencional para combatir un mal social que no puede ser resuelto a través de las acciones de los individuos, sin embargo valientes o astutos.

Yojimbo (El Guardaespaldas), segunda película de Kurosawa Production, se centra en un samurai sin señor, Sanjuro, que da un paseo en una ciudad del siglo 19 gobernado por dos facciones opuestas violentos y les provoca a destruirse mutuamente. El director utilizó este trabajo para jugar con muchas convenciones del género, en particular la occidental, mientras que al mismo tiempo ofrece un sin precedentes (para la pantalla japonesa) una presentación gráfica de la violencia. Algunos comentaristas han visto el carácter Sanjuro en esta película como una figura de fantasía que mágicamente invierte el triunfo histórico de la clase comerciante corrupto sobre la clase samurai. Con Tatsuya Nakadai en su primer papel principal en una película de Kurosawa, y con la fotografía innovadora por Kazuo Miyagawa ( que disparó Rashomon ) y Takao Saito, la película se estrenó en abril de 1961 y fue un inmenso éxito en la taquilla, ganando más que cualquier anterior película de Kurosawa. La reacción crítica fue igualmente positivo, y la película resultó ser una influencia importante en su género en Japón, marcando el comienzo de una nueva era de las películas de samuráis violentos, conocidos como "películas crueles" ( zankoku Eiga ). La película y su tono cómico oscuramente también fueron ampliamente imitadas en el extranjero. de Sergio Leone un puñado de dólares era una nueva versión virtual de (no autorizada) escena por escena.

Tras el éxito de Yojimbo , Kurosawa se encontraba bajo la presión de Toho para crear una secuela. Kurosawa dirigió a un guión que había escrito antes de Yojimbo , volver a trabajar para incluir el héroe de su película anterior. Sanjuro fue la primera de las tres películas de Kurosawa a adaptarse de la obra del escritor Shūgorō Yamamoto (las otras serían Barba Roja y Dodeskaden ). Es más ligero en el tono cada vez más a una película de época convencional que Yojimbo , aunque su historia de una lucha por el poder dentro de un clan samurai es retratado con matices muy cómicas. La película se estrenó el 1 de enero de 1962, superando rápidamente Yojimbo " éxito de taquilla s y obteniendo críticas positivas.

Kurosawa había instruido por su parte Toho comprar los derechos cinematográficos de King Ransom , una novela sobre un secuestro escrito por el autor y guionista Evan Hunter, bajo su seudónimo de Ed McBain, como una de sus series de libros Comisaría 87a crimen. El director de la intención de crear un secuestro trabajo condenar, al que considera uno de los peores crímenes. La película de suspenso, titulada Alta y Baja , recibió un disparo durante la segunda mitad de 1962 y lanzado en marzo de 1963. Se rompió récord de taquilla de Kurosawa (la tercera película en una fila para hacerlo), se convirtió en la más taquillera película japonesa del año , y ganó buenas críticas. Sin embargo, su triunfo fue un tanto empañada cuando, irónicamente, la película fue culpado por una ola de secuestros que se produjo en Japón en esta época (él mismo recibió amenazas de secuestro dirigidas a su joven hija, Kazuko). Alta y Baja es considerado por muchos comentaristas para estar entre las obras más fuertes del director.

Barba Roja también marcó el punto medio, por orden cronológico, en la carrera del artista. Durante sus veintitrés nueve años anteriores en la industria del cine (que incluye sus cinco años como asistente de dirección), que había dirigido veintitrés películas, mientras que durante los veinte restantes y ocho años; para muchas y complejas razones, él completaría sólo siete Más. Además, por razones nunca se explicaron adecuadamente, Barba Roja sería su última película protagonizada por Toshiro Mifune. Yu Fujiki, un actor que trabajó en La bajos fondos , observó, con respecto a la cercanía de los dos hombres en el conjunto, "el corazón del Sr. Kurosawa estaba en el cuerpo del señor Mifune." Donald Richie ha descrito la relación entre ellos como un único "simbiosis". Prácticamente todos los críticos coinciden en que el período más fuerte de la carrera de Kurosawa era la existente entre 1950 y 1965-bookended por Rashomon y Barba Roja -y que no es una coincidencia que esta fase se corresponde casi exactamente a la hora que él y Mifune trabajaron juntos.

Hollywood desvío (1966-1968)

Al contrato de exclusividad de Kurosawa con Toho llegó a su fin en 1966, el 56-años de edad, director estaba contemplando seriamente el cambio. Observando el estado problemático de la industria cinematográfica nacional, y que ya ha recibido decenas de ofertas desde el extranjero, la idea de trabajar fuera de Japón apeló a él como nunca antes.

Para su primer proyecto extranjera, Kurosawa eligió una historia basada en un artículo de la revista Life. La Embassy Pictures thriller de acción, que se filmó en Inglés y llamó simplemente Runaway Train , que habría sido su primera vez en color. Pero la barrera del idioma resultó ser un problema importante, y la versión en Inglés del guión ni siquiera fue terminada por el rodaje tiempo iba a comenzar en el otoño de 1966. El rodaje, que requirió la nieve, fue trasladado hasta el otoño de 1967, y luego cancelada en 1968. Casi veinte años más tarde, otro extranjero que trabaja en Hollywood, Andrei Konchalovsky, finalmente haría Runaway Train , aunque a partir de un guión totalmente diferente de Kurosawa.

El director por su parte había involucrarse en un proyecto de Hollywood mucho más ambicioso. Tora! Tora! Tora! , producido por vigésima Producción Century Fox y Kurosawa, sería una representación del ataque japonés a Pearl Harbour tanto de la americana y la japonesa puntos de vista, con Kurosawa helming el medio japonés y un cineasta de habla Inglés dirigir la media estadounidense. Pasó varios meses trabajando en el guión con Ryuzo Kikushima y Hideo Oguni, pero muy pronto el proyecto comenzó a desmoronarse. El director elegido para filmar las secuencias estadounidenses resultó no ser el prestigioso cineasta Inglés David Lean, ya que los productores habían llevado Kurosawa de creer, pero el experto efectos especiales y mucho menos célebre, Richard Fleischer. El presupuesto también se redujo, y el tiempo de pantalla asignado para el segmento japonés ahora sería no más de 90 minutos, un problema importante, teniendo en cuenta que el guión de Kurosawa corrió más de cuatro horas. Tras numerosas revisiones, un guión de corte más o menos concluido fue acordado en mayo de 1968. El rodaje comenzó a principios de diciembre, pero Kurosawa duraría sólo un poco más de tres semanas como director. Luchó para trabajar con un equipo desconocido y las exigencias de una producción de Hollywood, mientras que sus métodos de trabajo perplejos a sus productores estadounidenses, que en última instancia concluyó que el director debe ser un enfermo mental. En la víspera de Navidad 1968, los estadounidenses anunciaron que Kurosawa había salido de la producción debido a la "fatiga", despedirlo con eficacia. (Fue sustituido en última instancia, para las secuencias de japoneses de la película, con dos directores, Kinji Fukasaku y Toshio Masuda.)

Tora! Tora! Tora! , finalmente puesto en libertad a las críticas poco entusiastas en septiembre de 1970, fue, como Donald Richie dijo, una "tragedia casi sin paliativos" en la carrera de Kurosawa. Había pasado años de su vida en un proyecto logístico de pesadilla a la que en última instancia no contribuyó un pie de película rodada por sí mismo. (Se había retirado su nombre de los créditos, aunque el guión utilizado para la media japonesa seguía siendo para él y sus co-autores ".) Él se alejó de su antiguo colaborador, escritor Ryuzo Kikushima, y nunca trabajó con él de nuevo. El proyecto había expuesto inadvertidamente la corrupción en su propia compañía de producción (una situación que recuerda de su propia película, The Bad Sleep Well ). Su cordura había sido puesta en duda. Lo peor de todo, la industria y el cine japonés quizás el hombre a sí mismo, comenzó a sospechar que no volvería a hacer otra película.

Una década más difíciles (1969-1977)

A principios de 1973, el estudio Soviética Mosfilm acercó al cineasta a preguntar si estaría interesado en trabajar con ellos. Kurosawa propuso una adaptación del explorador ruso obra autobiográfica de Vladimir Arsenyev Dersu Uzala . El libro, sobre un cazador de Goldi que vive en armonía con la naturaleza hasta destruida por el avance de la civilización, era uno que había querido hacer desde 1930. En diciembre de 1973, el 63-años de edad, Kurosawa se dirigió a la Unión Soviética con cuatro de sus colaboradores más cercanos, a partir de una estancia de año y medio en el país. Disparo comenzó en mayo de 1974 en Siberia, con la filmación en condiciones naturales muy duras resultando muy difícil y exigente. La imagen envuelta en abril de 1975, con un fondo Kurosawa agotado y nostalgia de volver a Japón y su familia en junio. Dersu Uzala tuvo su estreno mundial en Japón el 2 de agosto de 1975, y le fue bien en la taquilla. Mientras que la recepción crítica en Japón fue silenciado, la película fue mejor revisó el extranjero, ganando el Premio de Oro en el noveno Festival Internacional de Cine de Moscú, así como un premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera. Hoy en día, los críticos siguen divididos sobre la película: algunos lo ven como un ejemplo de la supuesta decadencia artística de Kurosawa, mientras que otros cuentan que entre sus mejores obras.

Aunque las propuestas de proyectos de televisión se presentaron a él, que no tenía interés en trabajar fuera del mundo del cine. Sin embargo, el director bebedor estaba de acuerdo para aparecer en una serie de anuncios de televisión para el whisky Suntory, que se emitió en 1976. Si bien por temor a que él nunca podría ser capaz de hacer otra película, el director, sin embargo, continuó trabajando en varios proyectos, escribir guiones y crear ilustraciones detalladas, con la intención de dejar atrás un registro visual de sus planes en caso de que nunca sería capaz de filmar sus historias.

Dos epopeyas (1978-1986)

En 1977, el director estadounidense George Lucas había lanzado Star Wars , un exitoso film de ciencia ficción de la influencia de Kurosawa La fortaleza escondida , entre otras obras. Lucas, al igual que muchos otros directores Nuevo Hollywood, venerado Kurosawa y lo considera un modelo a seguir, y se sorprendió al descubrir que el cineasta japonés no pudo asegurar el financiamiento para cualquier nuevo trabajo. Los dos se conocieron en San Francisco en julio de 1978 para discutir el proyecto Kurosawa considera más viable financieramente: Kagemusha , la épica historia de un ladrón contratado como el doble de un señor japonés medieval de un gran clan. Lucas, cautivado por el guión e ilustraciones de Kurosawa, aprovechó su influencia sobre la 20th Century Fox para coaccionar el estudio que había disparado Kurosawa sólo diez años antes de producir Kagemusha , entonces reclutó compañero fan Francis Ford Coppola como co-productor.

La producción comenzó el mes de abril siguiente, con Kurosawa de muy buen humor. Disparo duró desde junio de 1979 hasta marzo de 1980 y estuvo plagado de problemas, no menos importante de los cuales fue el despido del actor plomo original, Shintaro Katsu-creador de la muy popular personaje debido Zatoichi a un incidente en el que el actor insistió, en contra de deseos del director, en grabar en vídeo su propia actuación. (Fue sustituido por Tatsuya Nakadai, en la primera de sus dos papeles principales consecutivos en una película de Kurosawa.) La película se completó sólo unas semanas de retraso y abrió en Tokio en abril de 1980. Rápidamente se convirtió en un gran éxito en Japón. La película también fue un éxito de crítica y taquilla en el extranjero, ganar la codiciada Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes 1980 en mayo, aunque algunos críticos, entonces y ahora, han criticado la película por su supuesta frialdad. Kurosawa pasó gran parte del resto del año en Europa y América promoviendo Kagemusha , la recogida de premios y reconocimientos, y exhibir como arte los dibujos que había hecho para servir como storyboards para la película.

El éxito internacional de Kagemusha permitió Kurosawa para continuar con su próximo proyecto, Ran , otro épico en una línea similar. El guión, basado en parte en William Shakespeare 's Rey Lear , representa una despiadada sanguinario daimyo (señor de la guerra), interpretado por Tatsuya Nakadai, quien, después tontamente desterrando su único hijo leal, entrega su reino a sus otros dos hijos, que entonces traicionó él, hundiendo así todo el reino en guerra. Como los estudios japoneses todavía se sentían cautelosos acerca de la producción de otra película que se ubicaría entre los más caros jamás se ha hecho en el país, fue de nuevo necesitaba ayuda internacional. Esta vez se trataba del fabricante francés Serge Silberman, quien había producido películas finales de Luis Buñuel. El rodaje no comenzó hasta diciembre de 1983 y duró más de un año.

En enero de 1985, la producción de Ran fue detenido como de 64 años de edad, esposa de Kurosawa Yōko cayó enfermo. Murió el 1 de febrero Kurosawa regresó para terminar su película y Ran se estrenó en el Festival de Cine de Tokio el 31 de mayo, con una amplia liberación al día siguiente. La película fue un éxito financiero moderada en Japón, pero una más grande en el extranjero y, como había hecho con Kagemusha , Kurosawa se embarcó en un viaje a Europa y América, donde asistió a estrenos de la película en septiembre y octubre.

Ran ganado varios premios en Japón, pero no fue tan honrado allí como muchas de las mejores películas del director de los años 1950 y 1960 había sido. El mundo del cine se sorprendió, sin embargo, cuando Japón pasó sobre la película a favor de otro como su entrada oficial para competir por una nominación al Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera. Tanto el productor y Kurosawa mismo atribuyen esto a un malentendido: debido a las reglas arcanas de la Academia, nadie estaba seguro de si Ran calificado como un japonés película, un francés de cine (debido a su financiación), o ambos, por lo que no se presentó en todos. En respuesta a lo que, al menos, que parecía ser un desaire flagrante por sus propios compatriotas, el director Sidney Lumet dirigió una campaña exitosa para tener Kurosawa recibió una nominación al Oscar a la mejor dirección de ese año ( Sydney Pollack en última instancia, ganó el premio a la dirección de Memorias de África) . Ran ' diseñador de vestuario s, Emi Wada, sólo ganó Oscar de la película.

Kagemusha y Ran , sobre todo este último, a menudo son considerados entre las mejores obras de Kurosawa. Después de Ran ' s liberación, Kurosawa apuntaría a ella como su mejor película, un gran cambio de actitud para el director que, cuando se le preguntó cuál de sus obras fue su mejor, siempre había respondido previamente "mi siguiente."

Trabajos finales y últimos años (1987-1998)

Para su próxima película, Kurosawa eligió un tema muy diferente a cualquier que él nunca había filmado antes. Mientras que algunos de sus cuadros anteriores (por ejemplo, Drunken Ángel y Kagemusha ) había incluido secuencias de sueños breves, Dreams era basarse enteramente de propios sueños del director. Cabe destacar que por primera vez en más de cuarenta años, Kurosawa, para este proyecto muy personal, escribió el guión solo. Aunque su presupuesto estimado fue menor que las películas inmediatamente anterior, estudios japoneses todavía estaban dispuestos a respaldar una de sus producciones, por lo Kurosawa recurrieron a otro famoso fan estadounidense, Steven Spielberg , quien convenció a la Warner Bros. para comprar los derechos internacionales de la completado película. Esto hizo que fuera más fácil para el hijo de Kurosawa, Hisao, como co-productor y pronto-a-ser jefe de Producción Kurosawa, para negociar un préstamo en Japón que cubriría los costos de producción de la película. El rodaje tuvo más de ocho meses en completarse, y los sueños se estrenó en Cannes en mayo de 1990 un educado pero silenciado recepción, similar a la reacción de la imagen generaría en otras partes del mundo.

Kurosawa ahora se convirtió en una historia más convencional con Rapsodia en agosto la primera película de -el director totalmente producido en Japón desde Dodeskaden más de veinte años antes-que exploró las cicatrices del bombardeo nuclear que destruyó Nagasaki al final de la Segunda Guerra Mundial. Fue adaptada de una novela Kiyoko Murata, pero las referencias de la película a los bombardeos de Nagasaki provino del director y no del libro. Esta fue su única película para incluir un papel para una estrella de cine estadounidense Richard Gere, quien interpreta un pequeño papel como el sobrino de la heroína ancianos. El rodaje tuvo lugar a principios de 1991, con la apertura de cine el 25 de mayo de ese año a una reacción crítica en gran parte negativa, especialmente en los Estados Unidos, donde el director fue acusado de promulgar ingenuamente los sentimientos anti-estadounidenses.

Kurosawa no perdió el tiempo de pasar a su siguiente proyecto: Madadayo o Not Yet . Sobre la base de ensayos autobiográficos de Hyakken Uchida, la película sigue la vida de un profesor japonés de alemán a través de la Segunda Guerra Mundial y más allá. La narración se centra en las celebraciones de cumpleaños anuales con sus antiguos alumnos, durante el cual el protagonista declara su falta de disposición a morir por el momento, un tema que se estaba volviendo cada vez más relevante para los 81 años de edad, el creador de la película. La filmación comenzó en febrero de 1992 y se envolvió a finales de septiembre. Su estreno el 17 de abril de 1993, fue recibido por una reacción aún más decepcionado que había sido el caso de sus dos obras anteriores.

Kurosawa, sin embargo siguió trabajando. Escribió los guiones originales La Mar está mirando en 1993 y después de la lluvia en el año 1995. Mientras que poner los toques finales en la última obra en 1995, Kurosawa resbaló y se rompió la base de su columna vertebral. Tras el accidente, que usaría una silla de ruedas por el resto de su vida, poniendo fin a las esperanzas de él dirigiendo otra película. Se-película nunca se cumplió su deseo a morir desde hace mucho tiempo en el set durante la filmación de.

Muerte y obras póstumas

Después de su accidente en 1995, la salud de Kurosawa comenzó a deteriorarse. Mientras su mente permaneció fuerte y animado, su cuerpo estaba dando, y durante el último medio año de su vida, el director se limitó en gran medida a la cama, escuchar música y ver la televisión en casa. El 6 de septiembre de 1998, Kurosawa murió de un derrame cerebral en Setagaya, Tokio, a la edad de 88.

Tras la muerte de Kurosawa, se han producido varias obras póstumas basados ​​en sus guiones unfilmed. Después de la lluvia, dirigida porTakashi Koizumi, fue lanzado en 1998, yel mar le está mirando, dirigida porKei Kumai, estrenada en 2002. Un script creado por el Yonki no Kai (el "Club de los Cuatro Caballeros") (Kurosawa, Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi, y Kon Ichikawa), en la época en queDodeskadense hizo, finalmente, fue filmado y puesto en libertad (en 2000), comoDora-Heita, por el único superviviente miembro del club, Kon Ichikawa fundador.

Trabajar métodos, el estilo y los temas

Métodos de trabajo

Todas las fuentes biográficas, así como los propios comentarios de la cineasta, confirman que Kurosawa era un director completamente "con manos", apasionadamente involucrado en todos los aspectos del proceso de filmación. Como un entrevistador resume, "él (co) escribe sus guiones, supervisa el diseño, ensaya los actores, establece todos los tiros y luego hace la edición." Su participación activa se extendía desde el concepto inicial hasta la edición y la puntuación del producto final.

Guión

Kurosawa hizo hincapié una y otra vez que el guión fue el fundamento absoluto de una película de éxito y que, a pesar de un director mediocre a veces puede hacer una película pasable cabo de un buen guión, incluso un excelente director nunca puede hacer una buena película fuera de un mal guión . Durante el período de la posguerra, comenzó la práctica de colaborar con un grupo rotativo de cinco guionistas: Eijiro Hisaita, Ryuzo Kikushima, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni, y Masato Ide. Cualquiera que sea miembros de este grupo pasó a estar trabajando en una película en particular se reúnen alrededor de una mesa, a menudo en un centro turístico de aguas termales, donde no se distraiga con el mundo exterior. ( Los siete samuráis , por ejemplo, fue escrito de este modo.) A menudo, todos ellos (excepto Oguni, que actuaba como "árbitro") trabajaría en exactamente las mismas páginas del guión, y Kurosawa elegirían la versión mejor escrito de la diferentes proyectos de cada escena en particular. Se adoptó este método "para que cada contribuyente podría funcionar como una especie de papel de aluminio, el control de la dominación de los puntos de vista de cualquier persona."

Además de la secuencia de comandos real, Kurosawa en esta etapa a menudo produce extensas notas, increíblemente detalladas para elaborar su visión. Por ejemplo, para los siete samurais , creó seis cuadernos en los que él creó (entre muchas otras cosas) biografías detalladas de los samuráis, incluyendo lo que llevaban y comían, cómo caminaban, hablaban y se comportaban cuando saludó, e incluso cómo cada atadas a su zapatos. Para los personajes 101 campesinos en la película, creó un registro que consta de 23 familias e instruyó a los artistas que juegan estos papeles para vivir y trabajar como estas "familias" de la duración de rodaje.

Disparo

Para Ran , director de arte Yoshirō Muraki, la construcción de la "tercera castillo" set bajo la supervisión del director, creó las "piedras" de ese castillo por tener fotografías tomadas de piedras reales de un castillo famoso, entonces la pintura bloques de espuma de poliestireno para parecerse exactamente esas piedras y pegándolas al castillo "muro" a través de un proceso conocido como "apilamiento áspera piedra", que requirió meses de trabajo. Más tarde, antes de que el rodaje de la famosa escena en la que el castillo es atacado e incendiado, con el fin de evitar que las "piedras" de espuma de poliestireno de la fusión en el calor, el departamento de arte recubre la superficie con cuatro capas de cemento, y luego pintado con los colores de las antiguas piedras sobre el cemento.

Edición

Kurosawa tanto dirigió y editó la mayor parte de sus películas, que es casi el único entre los cineastas prominentes. Kurosawa menudo comentó que él dirigió una película simplemente para tener material a editar, ya que la edición de una imagen era la parte más importante y creativa interesante del proceso para él. El equipo creativo de Kurosawa cree que la habilidad del director con la edición fue su mayor talento. Hiroshi Nezu, un supervisor de producción de largo plazo en sus películas, dijo: "Entre nosotros, pensamos que es mejor director de Toho, que él es el mejor guionista de Japón, y que él es el mejor editor en el mundo. Él es el más preocupado por la calidad que fluye el que una película debe tener ... La película Kurosawa fluye sobre el corte, por así decirlo ".

Miembro de la tripulación frecuentes del director Teruyo Nogami confirma esta opinión. "La edición de Akira Kurosawa fue excepcional, la obra de un genio inimitable ... Nadie fue un partido para él." Afirmó que Kurosawa lleva en su cabeza toda la información sobre todos los tiros filmados, y si, en la sala de montaje, pidió un trozo de película y ella le entregó el equivocado, él reconocería de inmediato el error, a pesar de que había tomado notas detalladas sobre cada tiro y él no tenía. Comparó su mente a un ordenador, lo que podría hacer con segmentos editadas de la película lo que las computadoras hacen hoy.

Método habitual de Kurosawa era para editar una película al día, poco a poco, durante la producción. Esto ayudó sobre todo cuando empezó a usar varias cámaras, lo que resultó en una gran cantidad de película de montar. "Siempre editar en la noche si tenemos una buena cantidad de material de archivo en la lata. Después de ver los juncos, suelo ir a la sala de montaje y el trabajo." Debido a esta práctica de la edición a medida que avanzaba, el período de post-producción de una película de Kurosawa podría ser sorprendentemente breve: Yojimbo tuvo su estreno japonés el 20 de abril de 1961, cuatro días después de la toma concluido el 16 de abril.

El "Kurosawa-gumi"

Actores:actores principales:Takashi Shimura (21 películas);Toshiro Mifune (16 películas),Susumu Fujita (8 películas),Tatsuya Nakadai (6 películas) yMasayuki Mori (5 películas).Apoyando intérpretes(en orden alfabético):Minoru Chiaki ,Kamatari Fujiwara,Bokuzen Hidari, Fumiko Homma, Hisashi Igawa, Yunosuke Ito,Kyoko Kagawa,Daisuke Kato,Isao Kimura, Kokuten Kodo, Akitake Kono, Yoshio Kosugi, Koji Mitsui,Seiji Miyaguchi, Eiko Miyoshi,Nobuo Nakamura,Akemi Negishi,Denjiro Okochi,Noriko Sengoku, Gen Shimizu, Ichiro Sugai, Haruo Tanaka,Akira Terao,Eijiro Tono,Yoshio Tsuchiya, Kichijiro Ueda, Atsushi Watanabe,Isuzu Yamada,Tsutomu Yamazaki y Yoshitaka Zushi.

Estilo

Prácticamente todos los comentaristas han señalado, el estilo de Kurosawa negrita dinámico, que muchos han comparado con el estilo tradicional de Hollywood de la cinematografía relato, uno que hace hincapié, en palabras de uno de esos erudito ", cronológico, causales, de pensamiento histórico y lineales." Pero también ha afirmado que, desde su primera película, el director muestra una técnica muy distinta de la de estilo sin fisuras de los clásicos de Hollywood. Esta técnica implicaba una representación disruptiva de espacio en la pantalla a través de la utilización de numerosas configuraciones de cámara irrepetible, un desprecio por el eje de 180 grados tradicionales de la acción en torno al cual las escenas de Hollywood por lo general han sido construidos, y un enfoque en el que "el tiempo narrativo se convierte espacializado", con movimiento de la cámara de fluido a menudo la sustitución de edición convencional. Los siguientes son algunos aspectos idiosincrásicos de estilo del artista.

El corte axial

Este enfoque irónico de la música también se puede encontrar en Stray Dog , una película en libertad un año después de Drunken Ángel . En la escena culminante, el detective Murakami está luchando airadamente al asesino Yusa en un campo fangoso. El sonido de una pieza de Mozart se escuchó de repente, interpretada al piano por una mujer en una casa cercana. Como señala un comentarista, "En contraste con este escenario de violencia primitiva, la serenidad del Mozart es, literalmente, de otro mundo" y "el poder de este encuentro elemental se ve reforzada por la música." Tampoco fue el uso "irónico" de Kurosawa de la banda sonora se limita a la música. Un crítico observa que en siete samurais , "Durante los episodios de asesinato y el caos, los pájaros cantan en el fondo, como lo hacen en la primera escena, cuando los agricultores se lamentan de su suerte aparentemente sin esperanza."

Temas recurrentes

La relación maestro-discípulo

Muchos comentaristas han señalado la frecuente aparición en la obra de Kurosawa de la compleja relación entre un mayor y un hombre más joven, que sirven a los demás como maestro y discípulo, respectivamente. Este tema fue claramente una expresión de la experiencia de la vida del director. "Kurosawa venerado sus maestros, en particular, Kajiro Yamamoto, su mentor en Toho", según Joan Mellen. "La imagen saludable de una persona mayor instruir a los jóvenes evoca siempre en las películas de Kurosawa altos momentos de patetismo." El crítico Tadao Sato considera el carácter recurrente del "maestro" a ser un tipo de padre sustituto, cuyo papel es ser testigo del crecimiento moral de la joven protagonista y aprobar de él.

En su primera película, Sanshiro Sugata , después de que el Judo maestro Yano se convierte en el maestro del personaje del título y guía espiritual, "la narración [es] fundido en forma de una crónica estudiar las etapas de creciente dominio y la madurez del héroe." La relación maestro-alumno en las películas de la época de posguerra, como se muestra en obras como Drunken Ángel , Stray Dog , Los siete samuráis , Barba Roja y Dersu Uzala muy poca instrucción directa: supone, pero mucho aprendizaje a través de la experiencia y el ejemplo; Stephen Prince relaciona esta tendencia a la naturaleza privada y no verbal del concepto de iluminación zen.

En el momento de Kagemusha , sin embargo, de acuerdo con el príncipe, el significado de esta relación ha cambiado. Un ladrón elegido para actuar como el doble de un gran señor continúa su imitación, incluso después de la muerte de su amo: "la relación se ha convertido espectral y se genera desde el más allá con el maestro mantener una presencia fantasmal Su fin es la muerte, y no la renovación. de compromiso con los vivos que caracterizó su resultado en las películas anteriores ". Sin embargo, según el biógrafo del director, en su última película, Madadayo -que se ocupa de un profesor y su relación con todo un grupo de ex-alumnos de una visión más soleado del tema emerge. "Los estudiantes tienen una fiesta anual para su profesor, al que asistieron decenas de ex estudiantes, ahora adultos de diferentes edades ... Esta secuencia extendida ... expresa, ya que sólo puede Kurosawa, las alegrías simples de las relaciones estudiante-profesor, de parentesco , de estar vivo ".

El campeón heroico

Kurosawa es una heroica cine, una serie de dramas (en su mayoría) que se ocupan de los hechos y los destinos de los héroes más grandes que la vida. Stephen Prince ha identificado la aparición de la única protagonista Kurosawa con el período posterior a la Segunda Guerra Mundial inmediata. El objetivo de la ocupación estadounidense para reemplazar japonesa feudalismo con el individualismo coincidió con la agenda artística y social del director: "Kurosawa recibió el clima político cambió y trató de forjar su propia voz cinematográfica madura." El crítico japonés Tadao Sato está de acuerdo: "Con la derrota en la Segunda Guerra Mundial, muchos japoneses ... estaban atónitos al ver que el gobierno les había mentido y era justo ni fiable Durante este tiempo incierto Akira Kurosawa, en una serie de primera. -Tasa películas, sostenida por el pueblo su afirmación consistente de que el significado de la vida no está dictada por la nación, sino algo que cada individuo debe descubrir por sí mismo a través del sufrimiento ". El cineasta mismo comentó que, durante este período, "sentí que sin el establecimiento de sí mismo como un valor positivo no puede haber libertad y la democracia."

El primero de estos fue el héroe de la posguerra, atípica para el artista, una heroína-Yukie, interpretado por Setsuko Hara, en ningún pesar de nuestra juventud . Según Prince, su "deserción de la familia y la clase de fondo para ayudar a un pueblo pobre, su perseverancia frente a enormes obstáculos, la asunción de la responsabilidad de su propia vida y para el bienestar de los demás, y su existencial soledad .. . son esenciales para Kurosawan heroísmo y hacer de Yukie la primera coherente ... ejemplo ". Esta "soledad existencial", también se ejemplifica por el Dr. Sanada (Takashi Shimura) en Drunken Ángel : "Kurosawa insiste en que sus héroes toman su posición, solo, contra la tradición y la lucha por un mundo mejor, aunque el camino no está claro. La separación de un sistema social corruptos con el fin de aliviar el sufrimiento humano, como lo hace Sanada, es el único camino honorable ".

El viento es también un símbolo de gran alcance: "La metáfora persistente de la obra de Kurosawa es la del viento, los vientos del cambio, de la fortuna y la adversidad." "La batalla visualmente extravagante [última] [de Yojimbo ] tiene lugar en la calle principal, como enormes nubes de remolino de polvo alrededor de los combatientes ... Los vientos que agitan el polvo ... han traído armas de fuego a la ciudad junto con la cultura de Occidente, que pondrá fin a la tradición guerrera ".

También es difícil no darse cuenta de la importancia de lluvia para Kurosawa: "Lluvia en las películas de Kurosawa no es tratado con neutralidad Cuando ocurre ... nunca es una llovizna o una ligera niebla, pero siempre un aguacero frenética, una tormenta de conducción.". "La batalla final [en Seven Samurai ] es una lucha espiritual y física suprema, y se lucha en una tormenta cegadora, que permite a Kurosawa visualizar una fusión definitiva de los grupos sociales ... pero esta visión culminante de una sociedad sin clases, con la típica Kurosawan ambivalencia, se ha convertido en una visión de horror. La batalla es un vórtice de remolino de la lluvia y el barro ... La fusión definitiva de la identidad social surge como una expresión del caos infernal ".

Los ciclos de la violencia

A partir de Trono de sangre (1957), una obsesión con los ciclos históricos de inexorable salvaje violencia lo llama Stephen Prince "el countertradition al comprometida modo, heroica del cine de Kurosawa" -primer aparece. Según Donald Richie, dentro del mundo de esa película, "Causa y efecto es la única ley. La libertad no existe." y el Príncipe afirma que sus eventos "se inscriben en un ciclo de tiempo que se repite infinitamente." (Él utiliza como evidencia el hecho de que el señor de Washizu, a diferencia de la amabilidad rey Duncan de la obra de Shakespeare, había asesinado a sus propios años señor antes de tomar el poder, y es asesinado luego a su vez por Washizu (el personaje de Macbeth) por la misma razón.) "La calidad predestinada a la acción de Macbeth ... fue adaptado por Kurosawa con un énfasis afilado sobre la acción predeterminada y el aplastamiento de la libertad humana bajo las leyes del karma. "

Príncipe afirma que las últimas epopeyas de Kurosawa, Kagemusha y en particular Ran , marcan un punto de inflexión en la visión del director del mundo. En Kagemusha ", donde una vez [en el mundo de sus películas] el individuo [héroe] podría captar eventos fuertemente y la demanda que se ajusten a sus impulsos, ahora el auto es más que el epifenómeno de un proceso temporal despiadada y sangrienta, planta al polvo bajo el peso y la fuerza de la historia ". La siguiente épica, Ran , es "una crónica implacable de la lujuria de base por el poder, la traición del padre por sus hijos, y las guerras generalizadas y asesinatos". El marco histórico de la película se utiliza como "un comentario sobre lo que Kurosawa ahora percibe como la intemporalidad de los impulsos humanos hacia la violencia y la autodestrucción." "La historia ha dado paso a una percepción de la vida como una rueda de sufrimiento sin fin, siempre girando, nunca repetir", que se compara en muchos casos en el guión con el infierno. "Kurosawa ha encontrado el infierno para ser a la vez el resultado inevitable de la conducta humana y la visualización adecuada de su propia amargura y decepción."

Críticas

A pesar de la aclamación extraordinaria que la obra de Kurosawa ha recibido en Japón y en el extranjero, sus películas, así como Kurosawa como individuo, también han sido objeto de muchas críticas, muchas de ellas duras. A continuación se resumen algunas de las críticas más comunes del director, tanto las realizadas en general y los que se expresó principalmente en Japón.

En general

En la primera mitad de la década de 1950, un número de críticos que pertenecen a la nueva ola francesa defendió las películas del maestro japonés más viejo, Kenji Mizoguchi, a expensas de la obra de Kurosawa. Nueva Ola crítico-cineasta Jacques Rivette, dijo: "Se puede comparar sólo lo que es comparable y que cuyo objetivo es lo suficientemente alto ... [Mizoguchi] parece ser el único director japonés que es completamente japonesa y sin embargo es también el único que logra una verdadera universalidad, la de un individuo ". De acuerdo con estos comentaristas franceses, Mizoguchi parecía, de los dos artistas, el más auténticamente japonés. Pero al menos un estudioso película ha cuestionado la validez de esta dicotomía entre "japonesa" Mizoguchi y "occidental" Kurosawa señalando que "Mizo" había sido tan influenciada por el cine occidental y la cultura occidental en general como Kurosawa, y que esto se refleja en su obra.

Una crítica dirigida con frecuencia en películas de Kurosawa es que la preocupación del director con los temas éticos y morales le llevó a veces para crear lo que algunos comentaristas consideran el trabajo sentimental o ingenuo. Hablando de la posguerra " trozo de vida "drama Un maravilloso Domingo , por ejemplo, estudioso de cine (y el futuro político) Audie Bock afirmaron que ni siquiera destreza célebre de Kurosawa como editor podría salvar una escena en particular de bathos: "La última secuencia .. . es un insoportables doce minutos de el niño dirige a una orquesta imaginaria en un anfiteatro vacío mientras su novia apela directamente a la cámara para que el espectador a unirse. Los ángulos y longitudes focales cambio, los detalles de hojas de dispersión en el viento son intercut, pero nada hace que la escena ir más rápido ".

Existe cierta controversia sobre el grado en que las películas de Kurosawa del período de la Segunda Guerra Mundial podrían considerarse fascista propaganda . El historiador de la cultura Peter B. de alta ve el cine de Kurosawa en tiempos de guerra como parte de la tendencia propagandística de Japón en la guerra y como un ejemplo de muchas de estas convenciones en tiempos de guerra. Alta se refiere a su segunda película, The Most Beautiful , como "rendición oscuro y sombrío de las fórmulas estándar de la [frente interno] género." Otra controversia se centra en su supuesta negativa a reconocer la culpabilidad de guerra de Japón. En una de las últimas películas de Kurosawa, Rapsodia en agosto , un sobreviviente de ancianos del ataque atómico sobre Nagasaki es visitada por su mitad japonesa, sobrino mitad estadounidense, Clark ( Richard Gere), que aparece (al menos para algunos espectadores) para pedir disculpas ., como estadounidense, para la destrucción durante la guerra de la ciudad La de New York Times el crítico Vicente Canby escribió sobre esta película: "Una gran cantidad de personas en Cannes estaban indignados de que la película no hace mención de Pearl Harbor y atrocidades de Japón en China ... Si Clark puede pedir disculpas por el bombardeo de Nagasaki, ¿por qué no puede Granny disculpas por el ataque a Pearl Harbour? "

Varios críticos han reaccionado negativamente a los personajes femeninos en las películas de Kurosawa. Joan Mellen, en su examen de este tema, ha sostenido que, en el momento de Barba Roja (1965), "las mujeres de Kurosawa se han convertido no sólo irreal e incapaz de bondad, pero totalmente carente de autonomía, ya sea física, intelectual o emocional ... Mujeres en su mejor momento sólo podrán imitar a los hombres descubren verdades ". Kurosawa erudito Stephen Prince está de acuerdo con la opinión de Mellen, aunque menos censoriously: "A diferencia de un director machista como Sam Peckinpah, Kurosawa no es hostil a las mujeres, pero su falta general de interés en ellos debe considerarse como una limitación importante de su obra. "

En Japón

Robert Altman estaba tan impresionado que Kurosawa tenía su director de fotografía enRashomondisparar directamente al sol que de inmediato comenzó a incorporar esos tiros en su trabajo en televisión.