Rococó
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Un estilo de arte francés del siglo 18 y diseño de interiores, habitaciones de estilo rococó fueron diseñados como obras de arte totales con un mobiliario elegante y adornado, pequeñas esculturas, espejos ornamentales, y la arquitectura complementación tapiz, relieves y pinturas murales. Fue suplantado en gran parte por el neoclásico estilo.
La palabra rococó es visto como una combinación de la rocalla francés, o cáscara, y el barroco italiano o barroco estilo. Debido al amor rococó de curvas de concha y se centran en las artes decorativas, algunos críticos utilizaron el término despectivamente para implicar que el estilo era frívolo o simplemente de moda; Curiosamente, cuando se utilizó primero el término en Inglés en aproximadamente 1836, que era una significado coloquialismo "pasado de moda". Sin embargo, desde mediados del siglo 19, el término ha sido aceptado por historiadores del arte. Si bien aún hay cierto debate sobre la importancia histórica del estilo que el arte en general, rococó es ampliamente reconocido como un período importante en el desarrollo del arte europeo.
Desarrollo histórico
Rococó desarrollado por primera vez en las artes decorativas y diseño de interiores. Sucesión de Luis XV trajo un cambio en los artistas de la corte y la moda artística general. Hacia el final del reinado del viejo rey, ricos diseños barrocos fueron dando paso a los elementos más ligeros con más curvas y los patrones naturales. Estos elementos son evidentes en los diseños arquitectónicos de Nicolas Pineau. Durante el Régence, vida de la corte se alejó de Versalles y este cambio artístico se afianzó, por primera vez en el palacio real y luego a lo largo de la alta sociedad francesa. La delicadeza y la alegría de diseños rococó es a menudo visto como en perfecta sintonía con los excesos de El régimen de Luis XV.
Las décadas de 1730 representaron la altura del desarrollo Rococó en Francia. El estilo se había extendido más allá de la arquitectura y el mobiliario a la pintura y la escultura, ejemplificada por las obras de Antoine Watteau y François Boucher. Rococó todavía mantiene el sabor barroco para las formas complejas y patrones intrincados, pero en este punto, que había comenzado a integrar una variedad de características diversas, incluyendo el gusto por los diseños orientales y composiciones asimétricas.
El estilo rococó se extendió con artistas franceses y publicaciones grabadas. Fue recibido con facilidad en las regiones católicas de Alemania , Bohemia y Austria , donde se fusionó con las animadas tradiciones barrocas alemanas. Alemán rococó se aplicó con entusiasmo a las iglesias y palacios, sobre todo en el sur, mientras que Federico el rococó se desarrolló en el Reino de Prusia. Arquitectos menudo cubiertas sus interiores en nubes de estuco blanco esponjoso. En Italia , a finales de los estilos barrocos de Borromini y Guarini marcó la pauta para Rococó en Turín, Venecia, Nápoles y Sicilia, mientras que las artes en la Toscana y Roma se mantuvieron más aferrados al Barroco.
Rococó en Inglaterra siempre fue considerado como el "gusto francés." Los estilos arquitectónicos nunca tuvo éxito, aunque platería, porcelanas, sedas y fueron fuertemente influenciados por el estilo continental. Thomas Chippendale transformó Inglés diseño de muebles a través de su adaptación y refinamiento del estilo. William Hogarth ayudó a desarrollar una base teórica para rococó belleza. Aunque no hace referencia intencionadamente el movimiento, argumentó en su análisis de la belleza (1753) que las líneas onduladas y curvas S prominentes en rococó fueron la base de la gracia y la belleza en el arte o la naturaleza (a diferencia de la línea recta o círculo en Clasicismo). El desarrollo del rococó en Inglaterra se considera que se ha conectado con el renacimiento del interés en Arquitectura gótica temprana en el siglo 18.
El principio del fin para rococó llegó a principios de los años 1760 como figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzó a expresar su crítica a la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel lamentó el "revoltijo ridícula de conchas, dragones, cañas, palmeras y plantas" en los interiores contemporáneos . Por 1785, Rococo había pasado de moda en Francia, reemplazado por el orden y la seriedad de los artistas neoclásicos como Jacques Louis David. En Alemania, a finales del siglo 18 rococó fue riduculed como Zopf und peluca ("coleta y peluquín"), y esta fase se refiere a veces como Zopfstil. Rococó se mantuvo popular en las provincias y en Italia, hasta la segunda fase del neoclasicismo " Estilo imperio ", llegó con los gobiernos napoleónicas y barrió rococó de distancia.
Hubo un interés renovado en el estilo rococó entre 1820 y 1870. El Inglés fueron los primeros en revivir el "estilo Luis XIV", como fue mal llamado en un principio, y pagó precios inflados de segunda mano Rococó artículos de lujo que difícilmente podrían ser vendido en París. Pero los artistas prominentes como Delacroix y mecenas como Emperatriz Eugenia también redescubrió el valor de la gracia y la alegría en el arte y el diseño.
Rococó en diferentes modos artísticos
Muebles y objetos de decoración
Los temas alegres y diseños intrincados de olor rococó presentaron mejor en una escala más pequeña que la arquitectura barroca imponente y escultura. No es de extrañar, entonces, que el arte rococó francés estaba en su casa en interiores. Metalistería, figuras de porcelana, adornos y muebles especialmente subieron a la nueva preeminencia como las clases altas francesas trataron de equipar sus casas en el estilo de moda ahora.
Estilo rococó se complacía en la asimetría, un sabor que era nuevo en estilo europeo. Esta práctica de dejar elementos desequilibrada para el efecto se llama contraste.
En un diseño en toda regla rococó, como la Table d'appartement (ca. 1730), por el diseñador alemán JA Meissonnier, trabajando en París (ilustración, abajo), cualquier referencia a la forma tectónica se ha ido: incluso la parte superior losa de mármol es de forma . Delantal, piernas, camilla todos se han integrado a la perfección en un flujo de c-rollos opuestos y "rocalla". El nudo (noeud) de la camilla muestra el "contraste" asimétrica que fue una innovación rococó.
Para las pequeñas figuras de plástico de yeso , arcilla , galleta, porcelana ( Sèvres, Meissen), rococó no es adecuado; en madera, hierro y metal real, ha creado algunas obras valiosas. Sin embargo, confesionarios, púlpitos, altares, e incluso fachadas conducen cada vez más en el territorio de lo arquitectónico, lo que no se combinan fácilmente con las curvas de rococó, la luz y de la pequeña, con formas cuya dónde y por qué la investigación deflector.
Dinastías de ébenistes parisinos, algunos de ellos de origen alemán, desarrolló un estilo de superficies curvas en tres dimensiones (bombé), donde coincidían carillas ( marquetería estar temporalmente en Eclipse) o vernis martin japanning fue sin esfuerzo complementa con bronce dorado () montajes "de bronce dorado": Antoine Gaudreau, Charles Cressent, Jean-Pierre Latz, François Oeben, Bernard II van Risenbergh son los nombres destacados.
Diseñadores franceses como François de Cuvilliés, Nicholas Pineau y Bartolomeo Rastrelli exportó estilos parisinos en persona a Munich y San Petersburgo , mientras que el alemán Juste-Aurèle Meissonier encontró su carrera en París. Los espíritus rectores del rococó parisino eran un pequeño grupo de marchands-Merciers, los precursores de los decoradores modernos, dirigidos por Simon-Philippenis Poirier.
En Francia, el estilo se mantuvo un poco más reservado, ya que los adornos eran en su mayoría de madera, o, a la manera de la talla en madera, menos robusto y naturalista y menos exuberante en la mezcla de natural con formas artificiales de todo tipo (por ejemplo, motivos vegetales, representaciones de estalactitas, grutescos, máscaras, instrumentos de diversas profesiones, insignias, pinturas, piedras preciosas).
Inglés rococó tendió a ser más moderado. Diseños de muebles de Thomas Chippendale mantienen las curvas y se sienten, pero no llegó a las alturas franceses de fantasía. El exponente más exitoso de Inglés rococó fue probablemente Thomas Johnson, un tallador y muebles de diseño talentoso trabajando en Londres a mediados de la década de 1700.
Diseño Interior
Soledad Palacio en Stuttgart y Palacio chino en Oranienbaum, el Iglesia bávara de Wies y Sanssouci en Potsdam son ejemplos de cómo rococó hecho su camino en la arquitectura europea.
En esos contextos continentales donde rococó está totalmente en control, deportivas, fantástico, y las formas esculpidas se expresan con el ornamento abstracto usando flamear, frondoso o texturas de concha en barridos y florece asimétricas y curvas rotas; interiores Rococó íntimas suprimen divisiones arquitectónicas del arquitrabe, friso y cornisa por lo pintoresco, la curiosidad, y la caprichosa, expresados en materiales plásticos como la madera tallada y, sobre todo, estuco (como en el trabajo de la Wessobrunner School). Paredes, techo, muebles y obras de metal y porcelana presenta un conjunto unificado. La paleta rococó es más suave y más pálido que los ricos colores primarios y tonalidades oscuras favorecidos en los gustos barrocos.
Unos consejos anti-arquitectónicos evolucionaron rápidamente en rococó en toda regla al final de la década de 1720 y comenzaron a afectar interiores y artes decorativas en toda Europa. Las formas más ricas de Alemania rococó están en la Alemania católica (ilustración, arriba).
Yeserías rococó por inmigrantes artistas italo-suizos como Bagutti y Artari es una característica de las casas por James Gibbs, y el Franchini hermanos que trabajan en Irlanda igualaron algo que se intentó en Inglaterra.
Inaugurado en algunas habitaciones en Versalles, que se desarrolla su magnificencia en varios edificios de París (en especial el Hôtel Soubise). En Alemania, el francés y artistas alemanes ( Cuvilliés, Neumann, Knobelsdorff, etc.) efectúa el equipo digno de la Amalienburg cerca de Munich , y los castillos de Würzburg, Potsdam, Charlottenburg, Brühl, Bruchsal, Solitude ( Stuttgart ), y Schönbrunn.
En Inglaterra, una de Hogarth conjunto de pinturas que forman un cuento moral melodramático titulado Matrimonio à la Mode, grabado en 1745 's, muestra las habitaciones del desfile de una casa elegante de Londres, en la que la única rococó está en yesería del techo del salón. Palladio la arquitectura está en control. Aquí, en el Repisa Kentian, la multitud de los floreros y mandarines chinos están satíricamente representan como pequeños monstruos horribles, y el reloj de pared Rococó es un revoltijo de ramas frondosas.
Pintura
Aunque rococó se originó en las artes puramente decorativas, el estilo mostró claramente en la pintura. Estos pintores utilizan colores delicados y formas curvas, la decoración de sus lienzos con querubines y mitos de amor. El retrato fue también muy popular entre los pintores rococó. Algunos trabajos muestran una especie de malicia o impureza en el comportamiento de sus súbditos, que muestra la tendencia histórica de salir fuera de la orientación de la iglesia / estado del barroco. Paisajes eran pastoral y representan a menudo las salidas de ocio de las parejas aristocráticas.
Jean-Antoine Watteau (1684-1721) es generalmente considerado el primer gran pintor rococó. Tuvo una gran influencia en pintores posteriores, incluyendo François Boucher (1703-1770) y Jean-Honouré Fragonard (1732-1806), dos maestros del último período. Incluso Thomas Gainsborough 's (1727-1788) toque delicado y la sensibilidad reflejan el espíritu rococó.
Escultura
La escultura fue otra área que artistas rococó ramificados en. Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) es considerado uno de los mejores representantes del rococó francés. En general, este estilo se expresa mejor a través delicada escultura de porcelana en lugar de imponer estatuas de mármol. Falconet mismo era director de una famosa fábrica de porcelana en Sèvres. Los temas del amor y la alegría se reflejaron en la escultura, al igual que elementos de la naturaleza, líneas curvas y la asimetría.
El escultor Bouchardon representó Cupido dedica a tallar sus dardos de amor desde el club de Hércules; esto sirve como un excelente símbolo del rococó estilo-el semidiós se transforma en niño suave, el club hueso temblar la convierte en las flechas para el corazón mordaz, al igual que mármol se sustituye tan libremente por estuco. A este respecto, los escultores franceses, Robert le Lorrain, Michel Clodion, y Pigalle puede mencionar de pasada.
Música
La Galante estilo era el equivalente de rococó en historia de la música, también, entre el barroco y clásico, y no es fácil de definir con palabras. El estilo de música rococó desarrollado por sí misma de la música barroca, sobre todo en Francia. Puede ser caracterizado como la música íntima con formas de decoración muy refinados. Ejemplares incluyen Jean Philippe Rameau y Louis-Claude Daquin.
La pintura de Boucher (arriba) ofrece una visión de la sociedad que refleja rococó. "Cortesano" sería pretencioso en este círculo burgués superior, sin embargo, el gesto del hombre es valiente. El interior elegante pero acogedor, la intimidad decorosa informal de costumbres de la gente, los detalles curiosos y encantadores por todas partes uno se vuelve uno de los ojos, el lujo de chocolate de sorbiendo: todos son "galante".
"Mundanidad" rococó y la Iglesia Católica Romana
Una visión crítica de lo inadecuado de sus rococó en contextos eclesiásticos fue considerado por la Enciclopedia Católica:
| " | Para la iglesia de estilo rococó puede ser, en general, en comparación con la música de la iglesia mundana. Su falta de sencillez, sinceridad, y el reposo es evidente, mientras que su molesta artificialidad, de naturalidad, y la trivialidad tienen un efecto de distracción. Su suavidad y la belleza del mismo modo no se conviertan en la casa de Dios. Sin embargo, despojado de sus excrecencias más graves, puede haber sido menos molesto durante su época adecuada, ya que luego armonizado con el espíritu de la época. Como desarrollo del barroco, se descubrirá una decoración congruente para las iglesias barrocas. En general, se hace una gran diferencia si el estilo se usa con moderación en el más fino y la forma más ingeniosa de los maestros franceses, o se lleva a extremos con la consistencia de la alemana. Los artistas franceses parecen nunca haber considerado la belleza de toda la composición como el objeto principal, mientras que el alemán puso más presión sobre el vigor audaz de las líneas; por lo tanto, la falta de simetría nunca fue tan exagerado en las obras de la primera. En la iglesia de estilo rococó en ocasiones puede tener el encanto de lo bonito y pueden agradar por su ingeniosa técnica, siempre que los objetos sean pequeñas y subordinada: a credencia con vinajeras y placa, un florero, un servicio de coro, lámparas, bolígrafos, llave y cerradura, pasamanos o barandilla, no desafiar demasiado audazmente el ojo, y cumplir con todos los requisitos de la mera belleza de la forma. Rococó es de hecho realmente vacío, únicamente un juego agradable de la fantasía. En la sacristía (para prensas, etc.) y las cámaras ante es más adecuado que en la iglesia en sí, por lo menos en lo que se refiere a su empleo en lugares visibles. Los acuerdos de estilo rococó muy enfermos con la oficina solemne de la custodia, la tabernáculo, y el altar, e incluso de la púlpito. El naturalismo de ciertos belgas púlpitos, a pesar o tal vez a causa de su carácter artístico, tiene el mismo efecto que tener creaciones Rococó abiertos. El propósito de la confesional y la baptisterio también parecería exigir formas más serias. En el caso de los objetos más grandes, la escultura de formas rococó bien parece bonita, o, si se puede evitar esta hermosura, se asemeja barroco. Las fantasías de este estilo están de acuerdo enfermo con las altas y anchas paredes de la iglesia. Sin embargo, todo debe decidirse de acuerdo con el objeto y circunstancias; los puestos en la catedral de Mainz suscitar no sólo nuestra aprobación, sino también nuestra admiración, mientras que el altar privilegiado célebre de Vierzehnheiligen nos repele tanto por sus formas y su decoración de plástico. Hay ciertas cálices Rococó (como que en el monasterio de Einsiedeln), que son, por así decir, ataviado con opción gama festivo; hay otros, que son más o menos deformada debido a sus curvas o cifras abultadas. Lámparas y lámparas también pueden ser desfiguradas por shellwork molesta o quieren de todos simetría, o pueden en medio de gran decorativismo mantenerse dentro de límites razonables. La técnica de materiales y son también de importancia en rococó. Materiales tejidos, tallas en madera, y trabaja en Escayola son evidentemente menos molesto que las obras en otros materiales, cuando emplean la deportiva rococó. Hierro (especialmente en los pasamanos) y bronce pierden su frialdad y dureza, cuando está inspirado por el estilo rococó; en el caso de este último, dorado puede utilizarse con ventaja. Dorado y pintura pertenecen a los medios regulares a través del cual este estilo, en determinadas circunstancias, encanta a los ojos y la fantasía. Considerando todas las cosas, podemos decir del rococó-como estilo injustificadamente no se ha dicho del Barroco y del Renacimiento, que es muy apto para introducir un espíritu mundano en la Iglesia, incluso si pasamos por alto los accesorios de figuras, que son con frecuencia no contribuye precisamente a los sentimientos de devoción, y son incompatibles con la sobriedad y la grandeza de la arquitectura y de la gravedad de las funciones sagradas. |
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