Neoclasicismo
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Neoclasicismo (del griego neos νέος, classicus América y ismos -ισμός griego) es el nombre dado a Occidental movimientos en el decorativas y las artes visuales , la literatura , el teatro , la música y la arquitectura que se inspiran en el arte "clásico" y la cultura de la antigua Grecia o Roma Antigua . El principal movimiento neoclásico coincidió con el siglo 18 Siglo de las Luces , y continuó en el siglo 19, últimamente compitiendo con el Romanticismo . En la arquitectura el estilo continuó a lo largo de los siglos 19 y 20 y en el 21.
Visión de conjunto
Neoclasicismo es un renacimiento de los estilos y espíritu de la antigüedad clásica inspirada directamente de la época clásica, que coincidió y se refleja la evolución de la filosofía y de otras áreas de la época de la Ilustración, y fue inicialmente una reacción contra los excesos de la anterior rococó estilo. Mientras que el movimiento es a menudo descrita como la contraparte opuesta del Romanticismo , esta es una gran simplificación excesiva que no tiende a ser sostenible cuando se consideran artistas o trabajos específicos, el caso de la supuesta campeón principal de la tarde Neoclasicismo, Ingres, demostrando esta especialmente bien. El renacimiento se remonta a la creación de la arqueología formal. Los escritos de Johann Joachim Winckelmann eran importantes en la conformación de este movimiento en la arquitectura y las artes visuales. Sus libros, Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en Pintura y Escultura (1750) y Geschichte der Kunst des Alterthums ("Historia del Arte Antiguo", 1764) fueron los primeros en distinguir claramente entre antiguo arte griego y romano, y definir plazos en los el arte griego, trazando una trayectoria de crecimiento hasta la madurez y luego la imitación o la decadencia que sigue teniendo influencia hasta nuestros días. Winckelmann creía que el arte debería tener como objetivo "noble sencillez y grandeza calma", y elogió el idealismo del arte griego, en el que dijo que nos encontramos: "no sólo la naturaleza en su saber, ciertas formas más bellas, pero también algo más allá de la naturaleza, ideales de su belleza, que, como un antiguo intérprete de Platón nos enseña, venido de las imágenes creadas por la mente solo ". La teoría era muy lejos de ser nuevo en el arte occidental, pero su énfasis en la estrecha copia de los modelos griegos fue: "La única manera para que lleguemos a ser grande o, si esto es posible, inimitable, es imitar a los antiguos".
Con el advenimiento de la Grand Tour, una moda de coleccionar antigüedades comenzaron que sentó las bases de muchas grandes colecciones de la difusión de un renacimiento neoclásico en toda Europa. "Neoclasicismo" en cada arte implica un canon particular de un modelo "clásico".
En Inglés, el término "neoclasicismo" se utiliza sobre todo de las artes visuales; el movimiento similar en Literatura Inglés, que comenzó mucho antes, se llama Literatura augusta, que había sido dominante durante varias décadas, y comenzaba a declinar, por el Neoclasicismo tiempo en las artes visuales se puso de moda. Aunque los términos son diferentes, la situación en la literatura francesa fue similar. En la música, el período vio el surgimiento de la música clásica, y "neoclasicismo" se utiliza de Acontecimientos del siglo 20. Sin embargo, las óperas de Christoph Willibald Gluck, representaba un enfoque específicamente neoclásico, explicado en su prefacio a la puntuación publicada de Alceste (1769), cuyo objetivo era reformar la ópera mediante la eliminación ornamentación, aumentar el papel del coro en línea con Tragedia griega, y el uso de líneas melódicas simples sin adornos.
El término "neoclásico" no fue inventado hasta la mitad del siglo 19, y en el momento en el estilo fue descrito por términos tales como "el verdadero estilo", "reformado" y "renacimiento"; lo que fue considerado como ser revivido variando considerablemente. Modelos antiguos eran ciertamente muy involucrados, pero el estilo también podrían ser considerados como un renacimiento del Renacimiento , y sobre todo en Francia como un retorno a la más austero y noble barroco de la época de Luis XIV , para los que una nostalgia considerable había desarrollado como posición militar y político dominante de Francia comenzó un serio declive. Retrato de la coronación de Ingres de Napoleón incluso tomado de la Antigüedad tardía dípticos consulares y su Renacimiento carolingio, a la desaprobación de los críticos.
Neoclasicismo fue más fuerte en la arquitectura , la escultura y la artes decorativas, donde los modelos clásicos en el mismo medio eran relativamente numerosos y accesibles; ejemplos de pintura antigua que demostraron las cualidades que los escritos de Winckelmann se ha encontrado en la escultura eran y son insuficientes. Winckelmann estaba involucrado en la difusión del conocimiento de las primeras grandes pinturas romanas que se pueden descubrir, en Pompeya y Herculano y, como la mayoría de sus contemporáneos, excepto para Gavin Hamilton, no se dejó impresionar por ellos, citando Plinio los comentarios de los más pequeños sobre la decadencia de la pintura en su período.
Neoclasicismo europeo en las artes visuales comenzó c. 1760 en contra de los entonces-dominantes del barroco y rococó estilos. Arquitectura rococó destaca la gracia, la ornamentación y la asimetría; Arquitectura neoclásica se basa en los principios de sencillez y simetría, que se consideraban virtudes de las artes de la Roma y la Grecia antigua , y se elaboraron más inmediatamente de siglo 16 Renacimiento Clasicismo . Cada "neo" - clasicismo selecciona algunos modelos entre el rango de posibles clásicos que están disponibles para ella, y hace caso omiso de los demás. Los escritores y hablantes neoclásicos, mecenas y coleccionistas, artistas y escultores de 1765-1830 rindieron homenaje a una idea de la generación de Fidias, pero los ejemplos de escultura que realmente abrazaron tenían más probabilidades de ser copias romanas de esculturas helenísticas. Ignoraron el arte griego arcaico y las obras de la Antigüedad tardía. El arte rococó de la antigua Palmira fue una revelación, a través de grabados en madera de Las Ruinas de Palmira. Incluso Grecia era todo-pero-no visitado, un remanso aproximada del Imperio Otomano, peligroso para explorar, así neoclásicos 'apreciación de la arquitectura griega fue mediado a través de dibujos y grabados, que sutilmente suavizan y regularizados, "corregido" y "restaurar" los monumentos . de Grecia, no siempre conscientemente En cuanto a la pintura, la pintura griega estaba totalmente perdido: pintores neoclásicos con imaginación revivió, en parte a través de frisos en bajorrelieve, mosaicos y pintura de cerámica y en parte a través de los ejemplos de la pintura y la decoración del alto renacimiento de Raphael 's generación, frescos de Nerón Domus Aurea, Pompeya y Herculano y mediante una renovada admiración de Nicolás Poussin. Much "neoclásico" la pintura es más clasicista en la materia que en cualquier otra cosa. Un feroz, pero a menudo muy mal informado, la disputa se extendió durante décadas sobre los méritos relativos de arte griego y romano, con Winckelmann y su compañero en general el lado ganador helenistas.
La pintura y el grabado
Es difícil recuperar la radicalidad y emocionante de la pintura neoclásica temprana para el público contemporáneo; ahora golpea incluso aquellos escritores inclinados favorablemente a ella como "insípida" y "casi totalmente carente de interés para nosotros" -algunos de Los comentarios de Kenneth Clark sobre Ambicioso Parnassus Anton Raphael Mengs 'en la Villa Albani, por el artista que su amigo Winckelmann describió como "el más grande artista de su propia, y tal vez de los últimos tiempos". Los dibujos, posteriormente se convirtieron en impresiones, de John Flaxman utiliza dibujo de líneas muy simples y figuras en su mayoría en el perfil para representar la Odisea y otros temas, y una vez que "disparó la juventud artística de Europa", pero ahora están "desatendidas", mientras que el pinturas de la historia de Angelika Kaufmann, principalmente retratista, se describe como teniendo "una suavidad untuoso y tedio" por Fritz Novotny. Frivolidad rococó y el movimiento barroco se habían despojado de distancia, pero muchos artistas luchado para poner cualquier cosa en su lugar, y en ausencia de ejemplos antiguos de la pintura de historia, excepto el Vasos griegos utilizados por Flaxman, Raphael tendían a ser utilizado como un modelo sustituto, como Winckelmann recomienda.
La obra de otros artistas, que no podían fácilmente ser descritos como aspectos insípidos, combinados de romanticismo con un estilo neoclásico en general, y forma parte de la historia de ambos movimientos. El pintor germano-danesa Asmus Jacob Carstens terminó muy pocas de las grandes obras mitológicas que planeaba, dejando en su mayoría dibujos y estudios de color que a menudo tienen éxito en acercarse a la prescripción de Winckelmann de "noble sencillez y grandeza calma". A diferencia de los esquemas no realizadas Carstens, el aguafuertes de Giovanni Battista Piranesi eran numerosos y rentable, y llevado de vuelta por los que hacen la Grand Tour a todas partes de Europa. Su tema principal era los edificios y ruinas de Roma, y fue más estimulado por la antigua que la moderna. El ambiente un tanto inquietante de muchos de sus Vedute (visitas) se convierte en dominante en su serie de 16 grabados de Carceri d'Invenzione ("Cárceles imaginarias") cuya "arquitectura ciclópea opresiva" transmite "sueños de miedo y frustración". Nació en Suiza El Johann Heinrich Füssli pasó la mayor parte de su carrera en Inglaterra, y aunque su estilo fundamental se basa en los principios neoclásicos, sus temas y el tratamiento más a menudo refleja el esfuerzo de "Gothic" Romanticismo , y trató de evocar el drama y la emoción.
Neoclasicismo en la pintura adquirió un nuevo sentido de la orientación con el sensacional éxito de Jacques-Louis David Juramento de los Horacios en el Salón de París de 1785. A pesar de su evocación de las virtudes republicanas, esto era una comisión por el gobierno real, que David insistió en la pintura en Roma. David logró combinar un estilo idealista con el drama y contundencia. La perspectiva central es perpendicular al plano del cuadro, hizo más enfática por la tenue arcada atrás, contra la cual las figuras heroicas están dispuestas como en un friso, con un toque de la iluminación artificial y puesta en escena de la ópera , y la coloración clásica de Nicolás Poussin. David se convirtió rápidamente en el líder del arte francés, y después de la Revolución Francesa se convirtió en un político con el control de gran patrocinio del gobierno en el arte. Se las arregló para conservar su influencia en el napoleónica período, convirtiendo a las obras francamente propagandísticos, pero tuvo que abandonar Francia para el exilio en Bruselas, en la Restauración borbónica.
Muchos estudiantes de David incluidos Jean Auguste Dominique Ingres, que veía a sí mismo como un clasicista lo largo de su larga carrera, a pesar de un estilo maduro que tiene una relación ambigua con la corriente principal del Neoclasicismo, y muchas diversiones más tarde en Orientalismo y el Estilo trovador que son difíciles de distinguir de los de sus contemporáneos románticos descaradamente, excepto por la primacía de sus obras siempre dan al dibujo. Expuso en el Salón de más de 60 años, a partir de 1802 en los inicios del Impresionismo , pero su estilo, una vez formado, cambió poco.
Fantasía representación de la Vía Apia; grabado por Giovanni Battista Piranesi, 1756
Angelica Kauffmann, Venus Induce a Helen a enamorarse de París, 1790
Asmus Jacob Carstens, Noche y sus hijos, el sueño y la muerte, 1794, tiza Negro sobre papel, 745 x 985 cm
Versión Ingres del Neoclasicismo, Edipo y la esfinge, 1808
Escultura
Si la pintura neoclásica sufrió de una falta de modelos antiguos, la escultura neoclásica tiende a sufrir de un exceso de ellos, aunque los ejemplos de la escultura griega real del "periodo clásico" inicio en alrededor de 500 aC eran entonces muy pocos; las obras más reconocidas fueron en su mayoría copias romanas. Los escultores neoclásicos líderes disfrutaron de grandes reputaciones en su día, pero ahora menos se considera, con la excepción de Jean-Antoine Houdon, cuyo trabajo fue principalmente retratos, muy a menudo como bustos, que no sacrifican una fuerte impresión de la personalidad del retratado al idealismo. Su estilo se volvió más clásica como continuó su larga carrera, y representa una progresión más suave desde encanto rococó a la dignidad clásica. A diferencia de algunos escultores neoclásicos él no insistió en sus modelos con un vestido romano, o estar desnudo. Retrató la mayoría de las grandes figuras de la Ilustración, y viajó a Estados Unidos para producir un estatua de George Washington, así como bustos de Thomas Jefferson , Ben Franklin y otras luminarias de la nueva república.
Antonio Canova y el danés Bertel Thorvaldsen se basa tanto en Roma, y así como retratos producido muchas figuras y grupos ambicioso de tamaño natural; ambos representaban la tendencia fuertemente idealizar en la escultura neoclásica. Canova tiene una ligereza y gracia, donde Thorvaldsen es más severo; la diferencia se ejemplifica en sus respectivos grupos de las Tres Gracias. Todo esto, y Flaxman, todavía estaban activos en la década de 1820, y el Romanticismo fue lento para impactar la escultura, donde las versiones del neoclasicismo mantuvieron el estilo dominante en la mayor parte del siglo 19.
Un neoclásico temprano en la escultura era el sueco Johan Tobias Sergel ,. John Flaxman era también, o sobre todo, un escultor, principalmente la producción de relieves severamente clásicos que son comparables en estilo a sus grabados; también diseñó y modeló cerámica neoclásicos para Josiah Wedgwood por varios años. Johann Gottfried Schadow y su hijo Rudolph, uno de los pocos escultores neoclásicos a morir joven, fueron los principales artistas alemanes, con Franz Anton Zauner en Austria. El fallecido escultor austríaco barroco Franz Xaver Messerschmidt se volvió hacia el Neoclasicismo en mitad de su carrera, poco antes de que parece haber sufrido algún tipo de crisis mental, tras lo cual se retiró al campo y se dedicó a la gran distinción "cabezas de carácter" de las cifras crudas que tiran de las expresiones faciales extremas. Como Carceri de Piranesi, éstos disfrutaron de un gran renacimiento del interés en la época de psicoanálisis en el siglo 20. El escultor neoclásico holandés Mathieu Kessels estudió con Thorvaldsen y trabajó casi exclusivamente en Roma.
Desde antes de la década de 1830 los Estados Unidos no tenían una tradición escultura propia, salvo en las áreas de lápidas, veletas y mascarones de proa, se adoptó la manera neoclásica europea allí, y fue a ondear por décadas y se ejemplifica en las esculturas de William Henry Rinehart (1825-1874), Hiram Powers, y Randolph Rogers.
Descansando Fauno, 1770, Johan Tobias Sergel
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Voltaire por Jean-Antoine Houdon de 1778, una de las varias versiones diferentes.
Le Triomphe de 1810, Jean-Pierre Cortot, de la Arco del Triunfo
Hércules y los caballos de Diomedes, Johann Gottfried Schadow, estudio para el Puerta de Brandenburgo arco triunfal
Discóbolo se preparan para lanzar, Mathieu Kessels, Chatsworth House
Una de las "cabezas" de los personajes Franz Xaver Messerschmidt
Nydia, Randolph Rogers, 1859
Arquitectura y las artes decorativas
Hay una tensión anti-rococó que se puede detectar en algunos países de Europa la arquitectura del siglo 18 antes, más vívidamente representado en la arquitectura de Palladio de Georgia Gran Bretaña e Irlanda , pero también reconocible en una vena clasicista de la arquitectura en Berlín . Es una arquitectura robusta de autocontrol, académicamente selectiva ahora de "los mejores" modelos romanos.
Neoclasicismo primero ganó influencia en Inglaterra y Francia , a través de una generación de estudiantes de arte franceses formados en Roma e influenciado por los escritos de Johann Joachim Winckelmann, que fue adoptada rápidamente por los círculos progresistas en Suecia . Al principio, la decoración clasicista se injertó en formas europeas conocidas, como en los interiores para el amante de Catalina II Conde Orlov, diseñado por un arquitecto italiano con un equipo de stuccadori italiano: sólo los medallones ovalados aislados como camafeos y la overdoors bajorrelieve insinúan del neoclasicismo; los muebles son totalmente italiano rococó.
Sin embargo, una segunda ola de estilo neoclásico, más grave, más estudiado (a través del medio de grabados) y más conscientemente arqueológico, está asociada con la altura del Imperio Napoleónico . En Francia, la primera fase del neoclasicismo se expresa en el "estilo Luis XVI", la segunda fase de los estilos que llamamos "Directorio" o Imperio. Italia se aferró a rococó hasta que los regímenes napoleónicas trajeron el nuevo clasicismo arqueológico, el cual fue adoptado como una declaración política por jóvenes, progresistas, italianos urbanos con inclinaciones republicanas.
En las artes decorativas, el neoclasicismo se ejemplifica en los muebles Imperio hecho en París, Londres, Nueva York, Berlín; en Muebles Biedermeier realizado en Austria; en Museos de Karl Friedrich Schinkel en Berlín, Sir Banco de John Soane de Inglaterra en Londres y la nueva construcción " capitolio "en Washington, DC , y en De Wedgwood bajorrelieves y "basaltos negros" jarrones. El arquitecto escocés Charles Cameron creó interiores italianizantes palaciegas para el origen alemán Catalina II la Grande de Rusia en San Petersburgo: el estilo era internacional.
Interior, neoclasicismo hizo un descubrimiento del interior clásico genuino, inspirada en los redescubrimientos en Pompeya y Herculano, que había comenzado a finales de los años 1740, pero solo se consigue una amplia audiencia en la década de 1760, con los primeros volúmenes de lujo de distribución estrictamente controlada de Le Antichità di Ercolano. Las antigüedades de Herculano mostró que incluso los interiores más clasicistas del barroco , o las salas de la mayoría de los "romanos" de William Kent se basa en basílica y templo arquitectura exterior, volvió afuera en: marcos de ventanas con frontón se convirtieron en espejos dorados, chimeneas rematadas con frentes del templo, ahora todo un aspecto muy grandilocuente y absurdo. Los nuevos interiores trataron de recrear un vocabulario auténticamente romana y genuinamente interior, empleando a más planas, motivos más claros, esculpida en bajo alivio friso similar o pintado en monotones en camaïeu ("como cameos"), medallones aislados o floreros o bustos o bucráneos u otros motivos, suspendidas en guirnaldas de laurel o de la cinta, con arabescos esbeltas contra fondos, tal vez, de "rojo pompeyano" o tonos atenuados, o los colores de piedra. El estilo en Francia fue inicialmente un estilo parisino, el Goût grec, no un estilo de la corte. Sólo cuando la regordeta joven rey, accedió al trono en 1774 hizo su amante de la moda la reina llevar el estilo "Luis XVI" a los tribunales.
Desde alrededor de 1800 un nuevo flujo de ejemplos arquitectónicos griegos, vistos a través del medio de aguafuertes y grabados, dio un nuevo impulso al neoclasicismo que se llama la Renacimiento griego. Al mismo tiempo, la Estilo Imperio fue una ola más grandiosa del neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas, basada principalmente en estilos romanos, que se originó en y tomó su nombre de la regla de Napoleón I en el Primer Imperio Francés, donde se tenía la intención de idealizar el liderazgo de Napoleón y el Estado francés. El estilo se corresponde con las más burguesa Estilo Biedermeier en las tierras de lengua alemana, Estilo federal en los Estados Unidos, la Estilo Regency en Gran Bretaña y el Napoleonstil en Suecia. De acuerdo a Hugh Honour ", lejos de ser, como a veces se supone, la culminación del movimiento neo-clásica, el Imperio marca su rápido descenso y transformación de nuevo una vez más en un mero revival antigüedades, escurrido de todas las ideas y la fuerza magnánimos de la convicción de que había inspirado sus obras maestras ". Una fase más temprana del estilo fue llamado el Estilo de Adán en Gran Bretaña y "Louis Seize" o Luis XVI, en Francia.
Neoclasicismo continuó siendo una fuerza importante en arte académico a través del siglo 19 y más allá, una antítesis constante de romanticismo o Revivals- gótica aunque desde finales del siglo 19 en la que a menudo se había considerado anti-moderna, o incluso reaccionaria, en los círculos de críticos influyentes. A mediados del siglo 19, varias ciudades europeas -principalmente San Petersburgo y Múnich -fueron transformados en verdaderos museos de arquitectura neoclásica.
Arquitectura gótica del renacimiento (a menudo vinculados con el movimiento cultural romántico), un estilo de origen en el siglo 18 que creció en popularidad en todo el siglo 19, en contraste Neoclasicismo. Mientras que el neoclasicismo se caracteriza por estilos griegos y romanos influido, líneas geométricas y el orden, la arquitectura gótica del renacimiento puesto énfasis en los edificios de aspecto medieval, a menudo hecho de tener un rústico, "romántico", la apariencia.
Oro huevera, París 1762-1763, en la gota Grec (estilo griego)
Mesa de estilo Imperio
Florero Wedgwood en el estilo de griego Cerámica de figuras rojas, c. 1815
Imperio salsera estilo, Porcelana de Sèvres, 1809-1810
Neoclasicismo y moda
En la moda, Neoclasicismo influyó en la mayor simplicidad de los vestidos de las mujeres, y la moda de larga duración para el blanco, desde mucho antes de la Revolución Francesa, pero no fue hasta después de que los intentos concienzudo para imitar estilos antiguos se puso de moda en Francia, al menos para las mujeres. Trajes clásicos tiempo que habían sido usados por las señoras de moda posando "como" una figura de la mitología griega o romana en un retrato (en particular, hubo una erupción de este tipo de retratos del "modelo" joven Emma Hamilton desde la década de 1780), pero este tipo de trajes sólo se usaban para la sesión de retrato y bailes de máscaras hasta que el período revolucionario, y tal vez, al igual que otros estilos exóticos, como desnudarse en casa. Pero los estilos usados en los retratos por Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Teresa Cabarrús y otros creadores de tendencias parisinas eran para salir afuera en público también. Al ver la señora Tallien en la ópera, Talleyrand bromeó diciendo que: "Il n'est pas posible de s'exposer más somptueusement!" ("Uno podría no ser más sumptously desnudó"). En 1788, justo antes de la Revolución, el retratista de tenis Louise Élisabeth Vigée Le Brun había celebrado una "cena griega", donde las damas vestían túnicas blancas "griego" de civil. Peinados clásicos más cortos, siempre que sea posible con rizos, eran menos controversial y muy ampliamente adoptado, y el cabello ahora se descubrió incluso al aire libre; excepto en vestido de noche gorros u otras cubiertas normalmente habían sido usados incluso en interiores antes. Cintas o filetes de estilo griego fina se utilizan para atar o decorar el cabello en su lugar.
Vestidos muy ligeros y sueltos, por lo general blancos y, a menudo con los brazos desnudos sorprendentemente, subieron pura desde el tobillo hasta justo debajo de la blusa, donde había un dobladillo fino fuertemente enfatizado o atar alrededor del cuerpo, a menudo en un color diferente. La forma está ahora a menudo conocido como el Silueta imperio aunque es anterior a la Primer Imperio Francés de Napoleón, pero su primera emperatriz Joséphine de Beauharnais fue influyente en extendiéndola por toda Europa. Un chal o una envoltura rectangular largo, muy a menudo rojo llano pero con un borde decorado con retratos, ayudaron en un clima más frío, y al parecer fue colocada alrededor de la cintura cuando sentados - para los que fueron favorecidos en expansión posturas semi-reclinadas. A principios del siglo 19, estos estilos se habían extendido ampliamente en toda Europa.
La moda neoclásica para los hombres era mucho más problemático, y nunca realmente despegó que no sea para el cabello, donde jugó un papel importante en los estilos más cortos que finalmente enviados el uso de pelucas, y luego el pelo blanco en polvo, para los hombres más jóvenes. El pantalón había sido el símbolo de la barbarie a los griegos y los romanos, pero fuera del pintor o, sobre todo, el estudio del escultor, pocos hombres estaban dispuestos a abandonarlo. De hecho, el período se produjo el triunfo de la plancha-puro, o pantalón, durante los cullottes o calzón corto de la Antiguo Régimen. Incluso cuando David diseñó un nuevo "traje nacional" francesa, a petición del gobierno durante el apogeo del entusiasmo revolucionario para cambiar todo en 1792, incluyó leggings bastante apretados bajo un abrigo que dejó encima de la rodilla. Una alta proporción de bien-hacer los hombres jóvenes pasaron gran parte del período clave en el servicio militar debido a la Guerras Revolucionarias Francesas, y el uniforme militar, que comenzó a destacar chaquetas que eran corta por delante, dando una visión completa de los pantalones ajustados, se usan a menudo que no estén trabajando, e influyó estilos masculinos cilivian.
El pantalón problema había sido reconocido por los artistas como una barrera para la creación contemporánea cuadros de historia; al igual que otros elementos de la vestimenta contemporánea eran vistos como irremediablemente feo y poco heroico por muchos artistas y críticos. Se utilizaron diversas estratagemas para evitar que representa en escenas modernas. En James Dawkins y Robert Wood Descubriendo las Ruinas de Palmira (1758) por Gavin Hamilton, los dos anticuarios caballero se muestran en -toga como túnicas árabes. En Watson y el tiburón (1778) por John Singleton Copley, la figura principal plausiblemente podría ser mostrado desnudo, y la composición es tal que de los otros ocho hombres muestran, sólo una muestra un único calzones pierna prominente. Sin embargo los americanos Copley y Benjamin West lideró a los artistas que con éxito mostraron que los pantalones se podrían utilizar en escenas heroicas, con obras como West La muerte de general Wolfe (1770) y de Copley La muerte de Peirson importante, 06 de enero 1781 (1783), aunque el pantalón estaba siendo cuidadosamente evitado en La balsa de la Medusa, terminado en 1819.
Inspiración clásica peinados masculinos incluyen la Cultivos Bedford, posiblemente el precursor de la mayoría de estilos masculinos modernos de fricción, que fue inventado por el político radical Francis Russell, quinto duque de Bedford como una protesta contra un impuesto sobre polvo de pelo; animó a sus frends adoptarlo por ellos no lo harían apuestas. Otro estilo influyente (o grupo de estilos) fue nombrado por los franceses después de que el emperador romano Tito, de sus bustos, con el pelo corto y en capas, pero un poco amontonado en la corona, a menudo con quiffs o cerraduras colgando restringidas; variantes están familiarizados con pelo de tanto Napoleón y George IV de Inglaterra . Se suponía que el estilo que fue introducido por el actor François-Joseph Talma, que eclipsó sus Wigged co-actores apareciendo en producciones de obras como Voltaire Brutus 's. En 1799 una revista de moda parisina informó que hasta los hombres calvos estaban adoptando pelucas Tito, y el estilo también fue usado por las mujeres, los Diario de Paris informar en 1802 de que "más de la mitad de las mujeres elegantes llevaban el pelo o peluca a la Tito.
James Dawkins y Robert Wood Descubriendo las Ruinas de Palmyra, por Gavin Hamilton (1758)
Madame Raymond de Verninac por Jacques-Louis David, con la ropa y la silla en Estilo Directorio. "Año 7", que es 1798-1799.
Madame Récamier, David, 1800
Princesa Elizabeth Alexeievna (Luisa de Baden) en 1802
Francis Russell, quinto duque de Bedford en un Bedford Cultivos
Más tarde, "Neoclassicisms"
En la arquitectura americana, neoclasicismo fue una expresión de la Movimiento americano Renacimiento, ca 1890-1917; su última manifestación estaba en Beaux-Arts arquitectura, y sus muy últimos grandes proyectos, públicos fueron el Lincoln Memorial (muy criticada en su momento), El Galería Nacional en Washington, DC (también muy criticado por la comunidad arquitectónica como hacia atrás pensando y pasado de moda en su diseño), y el Museo Americano de Historia Natural Roosevelt Memorial. Éstas eran elefantes blancos cuando fueron construidos. En el Raj británico, Sir Planificación de la ciudad monumental Edwin Lutyens para Nueva Delhi marca la puesta de sol del neoclasicismo. La Segunda Guerra Mundial fue para romper más anhelo de - y la imitación de - míticos, tiempos heroicos.
Conservador arquitectos modernistas como Charles Perret en Francia mantuvo los ritmos y el espaciamiento de arquitectura columnar incluso en edificios de la fábrica. Donde un columnata habría sido denunciado como "reaccionario", un edificio de -pilastra como paneles acanalados bajo una repetición friso parecía "progresista". Pablo Picasso experimentó con motivos clasicistas en los años inmediatamente posteriores a la Primera Guerra Mundial , y la Estilo Art Deco que salió a la luz a raíz de la Exposición de París de 1925 des Arts Décoratifs, a menudo se basó en motivos neoclásicos sin expresarlos abiertamente: grave, en bloques inodoros por EJ Ruhlmann o Sue et Mare; crujiente, muy bajo relieve frisos de doncellas y gacelas en todos los medios; vestidos de moda que estaban cubiertas o cortados al bies para recrear las líneas griegas; el arte de la danza Isadora Duncan; la Optimice estilo Moderne de las oficinas de correos de Estados Unidos y los edificios judiciales del condado construidas tan tardía como 1950; y la Moneda de diez centavos de Roosevelt.
Había todo un movimiento del siglo 20 en las Artes, que también fue llamado neoclasicismo. Abarcó al menos la música, la filosofía y la literatura. Fue entre el final de la Primera Guerra Mundial y el final de la Segunda Guerra Mundial . Para obtener información sobre los aspectos musicales, ver Siglo 20 la música clásica y Neoclasicismo (música). Para obtener información sobre los aspectos filosóficos, consulte Grandes Libros.
Este movimiento neo-clásico literario rechazó la extrema romanticismo de (por ejemplo) dada , a favor de la moderación, la religión (especialmente el cristianismo) y un programa político reaccionario. Aunque las bases de este movimiento en Literatura Inglés fueron despedidos por TE Hulme, los neoclásicos más famosos eran TS Eliot y Wyndham Lewis. En Rusia , el movimiento cristalizó ya en 1910 bajo el nombre de Acmeism, con Anna Ajmátova y Osip Mandelstam como los principales representantes.
En la música
Neoclasicismo en la música es un movimiento del siglo 20; en este caso es el la música clásica de finales del 18 y principios del siglo 19 que está siendo revivido, no la música del mundo antiguo. Fue en última instancia una respuesta al Alemán Modernismo en la primera parte del siglo 20a. Era un anti-progreso, anti-industrial y el estilo musical anti-innovador. Esto fue inspirado por los compositores que afirman que la humanidad es intrínsecamente "diatónica" y "tonal"; lo contrario de influencias musicales ultra-modernista y composiciones de la época. Compositores comenzaron a mirar hacia atrás a las influencias musicales históricos. Aunque la práctica de los préstamos de estilos musicales desde el pasado no ha sido infrecuente en la historia musical, músicas de arte han pasado por períodos en los que los músicos utilizan técnicas modernas, junto con formas más antiguas o las armonías para crear nuevos tipos de obras. Características de composición notables son, la vuelta a la tonalidad, volver a las formas convencionales (suites de baile, concerti grossi, formas sonata evidentes, etc.), volver a la idea de la música absoluta, el uso de texturas musicales de luz, y la concisión de compositores musicales expresión. En la música clásica, esto fue sobre todo practicado entre los años 1920 y la década de 1950. Igor Stravinsky es el compositor más conocido el uso de este estilo; comenzó efectivamente la revolución musical con su Bach-como Octeto para instrumentos de viento (1923). Un trabajo individual particular que representa este estilo es bien Prokofiev Sinfónica Clásica Nº 1 en D, que es una reminiscencia del estilo sinfónico de Haydn o Mozart . Ballet neoclásico viene de la misma época, y apuntó de-estorba el estilo imperial rusa en términos de pasos y la narrativa, al tiempo que conserva sus innovaciones técnicas.
Arquitectura en Rusia y la Unión Soviética
En 1905-1914 la arquitectura rusa pasó por una breve pero influyente período de renacimiento neoclásico; la tendencia comenzó con la recreación de estilo Imperio del período alejandrino y rápidamente se expandió a una variedad de neo- renacentista , palladian escuelas y modernizado, pero reconocible clásicos. Fueron conducidos por arquitectos nacidos en 1870, que alcanzaron el pico creativo antes de la Primera Guerra Mundial gusta Ivan Fomin, Vladimir Shchuko, Ivan Zholtovsky. Cuando la economía se recuperó en la década de 1920, estos arquitectos y sus seguidores continuaron trabajando en principalmente entorno modernista; algunos (Zholtovsky) seguido estrictamente el canon clásico, otros (Fomin, Schuko, Ilya Golosof) desarrollado sus propios estilos modernizadas.
Con la represión de la independencia de los arquitectos y la negación oficial de la modernidad (1932), demuestra el concurso internacional para el Palacio de los Soviets, el neoclasicismo fue inmediatamente promovido como una de las opciones en la arquitectura estalinista, aunque no el único. Convivió con la arquitectura modernista de moderadamente Boris Iofan, en la frontera con contemporáneo Art Deco (Schuko); de nuevo, los ejemplos más puros del estilo fueron producidos por la escuela Zholtovsky que seguía siendo un fenómeno aislado. La intervención política fue un desastre para los líderes constructivistas todavía fue recibido sinceramente por los arquitectos de las escuelas clásicas.
Neoclasicismo fue una elección fácil para la URSS, ya que no se basó en tecnologías de construcción modernos ( estructura de acero o de hormigón armado) y podría ser reproducida en tradicionales mampostería. Así, los diseños de Zholtovsky, Fomin y otros viejos maestros fueron replicado fácilmente en pueblos remotos bajo estricta materiales racionamiento. Mejora de la tecnología de la construcción después de la Segunda Guerra Mundial permitió arquitectos estalinistas para aventurarse en la construcción de rascacielos, aunque estilísticamente estos rascacielos (incluyendo arquitectura "exportado" del Palacio de Cultura y Ciencia, Varsovia y de la Shanghai International Convention Centre) comparten poco con los modelos clásicos. Neoclasicismo y neo-renacentista persistieron en proyectos residenciales y de oficinas menos exigentes hasta 1955, cuando Nikita Jruschov puso fin a la arquitectura estalinista caro.
Arquitectura en el siglo 21
Después de un período de calma durante el período de la dominación de la arquitectura moderna (más o menos de la Segunda Guerra Mundial hasta después de mediados de 1980), el neoclasicismo ha visto algo de un resurgimiento. En Estados Unidos algunos edificios públicos se construyen en el estilo neoclásico como de por lo menos 2006, con la finalización de la Sinfonía Centro Schermerhorn en Nashville .
En Gran Bretaña una serie de arquitectos están activos en el estilo neoclásico. Ejemplos de su trabajo incluyen dos bibliotecas universitarias: Maitland Robinson Biblioteca de Quinlan Terry en Downing College y Robert Adam Arquitectos Sackler Library. La mayoría de los nuevos edificios neoclásicos en Gran Bretaña son casas privadas.
A partir de la primera década del siglo 21, la arquitectura neoclásica es generalmente clasificado bajo el término genérico de "arquitectura tradicional". Además, un número de piezas de la arquitectura posmoderna se inspiran en e incluir explícitas referencias al neoclasicismo, el Teatro Nacional de Cataluña en Barcelona, entre ellos. Gusto arquitectónico posmoderno incluye, de hecho, elementos históricos, como la columna, capital o tímpano. Dos de los más excrecencias postmodernismo "clásicos" son la arquitectura neo-ecléctico y la arquitectura neo-historist.
