Película muda

Escena del 1921 Cuatro Jinetes del Apocalipsis, una de las películas mudas más taquilleras.

Una película muda es una película sin grabado sincronizado sonido , especialmente hablado el diálogo. La idea de combinar imágenes en movimiento con grabaciones de sonido es casi tan antigua como la propia película, pero debido a los problemas técnicos, el diálogo sincronizado sólo fue posible a finales de 1920 con la introducción de la sistema Vitaphone. Después El cantor de jazz en 1927, "talkies" se hizo más y más comunes y diez años más tarde las películas mudas desaparecieron esencialmente. La era del cine mudo se refiere a veces como la "Era de la pantalla de plata".

Historia

Roundhay Garden Scene 1888, la primera película grabada.

La primera película fue creada por Louis Le Prince en 1888. Fue una segunda película de gente caminando en Oakwood Grange jardín dos, titulado Roundhay Garden Scene.

El arte de las imágenes en movimiento se convirtió en plena madurez en la "era del cine mudo" antes de las películas mudas fueron reemplazados por " cine sonoro "a finales de 1920. Muchos estudiosos del cine y aficionados argumentan que la calidad estética del cine disminuyó durante varios años hasta directores, actores y personal de producción adaptados a los nuevos" talkies ".

La calidad visual de las películas mudas - especialmente las producidas durante la década de 1920 - era a menudo extremadamente alta. Sin embargo, existe la idea equivocada de que estas películas eran primitivas y apenas deja ver los estándares modernos. Este error se debe a errores técnicos (como las películas se reproducen a una velocidad equivocada) y debido al mal estado de muchas películas mudas (existen muchas películas mudas sólo en copias de segunda o incluso tercera generación, que a menudo se han copiado desde ya dañados y descuidados acción de la película).

Intertítulos

Debido a que las películas mudas tenían ningún sonido sincronizado para el diálogo, se utilizaron intertítulos en pantalla para narrar puntos de la historia, presente diálogo clave y, a veces incluso comentar la acción para la audiencias cine. El escritor del título se convirtió en un profesional clave en el cine mudo y fue a menudo separar del cineasta que creó la historia. Intertítulos (o títulos como se les llamaba en general, en el momento) a menudo se convirtieron en elementos gráficos propios, con ilustraciones o decoraciones abstractas que comentan la acción.

Música en vivo y sonido

Proyecciones de películas mudas, casi siempre destacan la música en vivo, comenzando por el pianista en la primera proyección pública de películas por el Hermanos Lumière en 28 de diciembre de 1895 en París . Desde el principio, la música fue reconocida como esencial, lo que contribuye a la atmósfera y dando al público señales emocionales vitales (músicos a veces juegan en los sets de filmación durante el disparo por razones similares). Pequeña ciudad y de la película barrio teatros tenían generalmente un pianista. Desde mediados de la adolescencia en adelante, los grandes teatros de la ciudad tienden a tener organistas o enteras orquestas . Órganos teatrales masivos, como el famoso "poderoso Wurlitzer "podría simular algunos sonidos de orquesta, junto con un número de efectos de sonido.

Las calificaciones de películas mudas eran a menudo más o menos improvisado temprano en la historia del medio. Una vez que las características completas se hicieron comunes, sin embargo, la música fue recopilado Música de acompañamiento del pianista, organista, director de orquesta o la estudio de la película en sí, que enviaría una hoja de la señal con la película. A partir de la mayoría originales partitura compuesta por Joseph Carl Breil para Épica revolucionaria de DW Griffith El nacimiento de una nación (EE.UU., 1915) se convirtió en relativamente común para las películas que llegan al teatro exhibiendo con partituras originales, especialmente compuestas.

Por la altura de la época del cine mudo, películas eran la principal fuente de empleo para los músicos instrumentales (al menos en Estados Unidos). Pero la introducción del cine sonoro, que ocurrió simultáneamente con el inicio de la Gran Depresión , fue devastador para muchos músicos.

Algunos países idearon otras formas de llevar el sonido a las películas mudas. La temprana cine de Brasil contó con fitas cantatas: filmada operetas con cantantes actuando detrás de la pantalla. En Japón, las películas no habían sólo música en vivo, sino también la benshi, un narrador en vivo que proporcionó voces comentarios y carácter. El benshi se convirtió en un elemento central en forma de película japonesa, así como proporcionar la traducción para (sobre todo estadounidenses) películas extranjeras. Su popularidad fue una de las razones por qué mudo persistieron hasta bien entrada la década de 1930 en Japón.

Bandas sonoras pocos han sobrevivido intacto de este período, y musicólogos siguen confrontado por preguntas en intentar una reconstrucción precisa de los que permanecen. Las puntuaciones pueden ser distinguidos como reconstrucciones completas de partituras compuestas, recién compuestas para la ocasión, se reunieron a partir de bibliotecas de música ya existentes, o incluso improvisadas.

Crítico en el desarrollo de la puntuación en silencio es el órgano de teatro diseñado para llenar un vacío entre un solista de piano simple y una orquesta más grande. Órganos Teatro tenían una amplia gama de efectos especiales, y se utilizan real percusión.

El interés en la puntuación de las películas mudas, cayó un poco fuera de moda durante los años 1960 y 1970. Había una corriente creencia en muchos programas de cine de la universidad y cines de repertorio que el público deben experimentar cine mudo como un medio visual puro, sin distraerse por la música. Esta creencia puede haber sido alentada por la mala calidad de las pistas de música que se encuentran en muchas reimpresiones del cine mudo de la época. Más recientemente, ha habido un resurgimiento del interés en la presentación de las películas mudas con las partituras musicales de calidad, ya sea reelaboraciones de las puntuaciones de época o en hojas de referencia, o composición de partituras originales correspondientes. Un hito en este contexto fue 1980 la restauración de Francis Ford Coppola de Napoleón de Abel Gance (1927) con una puntuación en vivo orquestal compuesta por su padre Carmine Coppola.

Especialistas actuales notables en el arte de la organización y realización de bandas sonoras para películas mudas incluyen Steven Ball (de Michigan Theater de Ann Arbor); Rosa de Río (organista en la Brooklyn Fox durante la época del cine mudo y ahora en el Teatro de Tampa), Ben Modelo, Neil Brand, Phillip C. Carli, Jon Mirsalis, Dennis James y Donald Sosin. Carl Davis ha creado enteramente nuevas calificaciones de los clásicos era silenciosa. Robert Israel ha escrito nuevas partituras para las comedias de Buster Keaton y Harold Lloyd. Además de componer bandas sonoras originales Timoteo Brock ha restaurado muchos de Charlie Chaplin puntajes 's. Algunos grupos conjuntos se han especializado en el acompañamiento de películas mudas, incluyendo Silencioso Orquesta, Orquesta y aleación de la Mont Alto Orquesta Picture Motion.

Actuando técnicas

Lillian Gish era una gran estrella de la época del cine mudo y continuó promoviendo el arte del cine mudo hasta su muerte.

Actores del cine mudo enfatizaron lenguaje corporal y la expresión facial para que el público pudiera entender mejor lo que un actor se sentía y que retrata en pantalla.

Gran actuación del cine mudo es apto para golpear las audiencias de hoy en día como simplista o cursi. Por esta razón, en silencio comedias tienden a ser más popular en la era moderna de drama, en parte debido a la sobreactuación es más natural en la comedia.

El estilo de actuación melodramática era en algunos casos unos actores hábito transferidos de su anterior experiencia en el escenario. La presencia omnipresente de actores de teatro en el cine fue la causa de esta explosión del director Marshall Neilan en 1917: ". Cuanto antes los habitantes, para la que han entrado en las imágenes salen, mejor para las fotos" En otros casos, los directores como John Griffith Wray requieren sus actores para entregar expresiones más grandes que la vida para dar énfasis. Ya en 1914, los espectadores estadounidenses habían comenzado a dar a conocer su preferencia por una mayor naturalidad en la pantalla. En cualquier caso, el tamaño de imagen grande y la intimidad sin precedentes el actor disfrutó con el público comenzaron a afectar el estilo de actuar, haciendo por más sutileza de expresión. Actrices como Mary Pickford en todas sus películas, Eleanora Duse en la película italiana Cenere (1916), Janet Gaynor en Sunrise, Priscilla Dean en los dados y Mujer Lillian Gish en la mayoría de sus actuaciones hizo moderación y fácil naturalismo en la que actúa una virtud. Directores como Albert Capellani (una importación francesa que dirigió varios Alla Nazimova películas) y Maurice Tourneur insistieron en el naturalismo en sus películas; Tourneur había sido sólo un minimalista como en sus producciones anteriores. Muchos mediados de los 20s películas mudas estadounidenses fueron bastante pensativo actuaron, aunque tan tarde como 1927 películas tan patentemente sobreactuado como Metropolis seguían siendo liberados. Algunos espectadores les gustó la actuación extravagante por su valor de escape, y en algunos países fueron más tarde de los Estados Unidos en abrazar la naturalidad en sus películas. Al igual que hoy, el éxito de una película depende de la configuración, el estado de ánimo, el guión, las habilidades del director y el talento global del elenco.

Velocidad de proyección

Hasta la normalización de la velocidad de proyección de 24 fotogramas por segundo (fps) para el cine sonoro en 1926, las películas mudas fueron fusilados a velocidades variables (o "frame rates"), por lo general en cualquier lugar del 16 al 23 fotogramas por segundo o más rápido, dependiendo de el año y el estudio. A menos que se muestra cuidadosamente a sus velocidades originales pueden aparecer desigual anormalmente rápido y, lo que refuerza su aspecto ajeno a los espectadores modernos. Al mismo tiempo, algunas escenas fueron intencionalmente undercranked durante el disparo con el fin de acelerar la acción, en particular en el caso de comedias. La velocidad de fotogramas previsto de una película muda puede ser ambiguo y desde que eran por lo general acodado lado, incluso puede ser la variación dentro de una película. Sensibilidad de la película es a menudo un tema controvertido entre los estudiosos y amantes del cine en la presentación del cine mudo de hoy, sobre todo cuando se trata de lanzamientos de DVD de películas "restauradas"; la restauración de 2002 Metrópolis (Alemania, 1927) puede ser el ejemplo más ferozmente debatido.

Operadores de cámara con frecuencia corrían las películas mudas a velocidades que eran ligeramente más rápido que la velocidad a la que se les disparó. La mayoría de las películas parecen haber sido mostrado a los 18 fps o más - algunos incluso más rápido que lo que se convertiría velocidad de la película de sonido (24 fps o 90 pies por minuto). Incluso si disparado a 16 fps (a menudo citado como "velocidad silenciosa"), la proyección de un nitrato de celulosa película de base a una velocidad tan lenta lleva a un riesgo considerable de fuego. A menudo proyectistas recibirían instrucciones muy generales de los distribuidores como a la forma en carretes o escenas particulares rápidas deben ser proyectadas en hoja de la señal del director musical. En raras ocasiones, por lo general para las producciones más grandes, hojas detalladas de referencia específicos para el proyeccionista llevarían una guía detallada de cómo presentar la película. Teatros veces también variaron sus velocidades de proyección en función de la hora del día o la popularidad de una película con el fin de maximizar el beneficio.

Tintes

Con la falta de procesamiento de color natural disponible, las películas de la época del cine mudo se sumergieron con frecuencia en materias colorantes y varios tonos teñidos y matices con el fin de indicar un estado de ánimo o representar a una hora específica del día. Azul representa escenas nocturnas, amarillo o ámbar significaban días. Red representaba el fuego y el verde representa un estado de ánimo misterioso.

Del mismo modo, el tono de la película (como la generalización del cine mudo común de sepia-tono) con soluciones especiales sustituye las partículas de plata en la acción de la película con sales o tintes de diferentes colores. Una combinación de tintado y tonificación podría ser utilizado como un efecto que podría ser muy llamativo.

Más taquillera del cine mudo

Escena del nacimiento de una nación.

Las siguientes son las películas que le valieron el ingreso bruto cada vez más alto en la historia del cine, de acuerdo con La revista Variety en 1932. Los montos en dólares no se ajustan a la inflación, y se calcularon los valores de 1932.

1. El nacimiento de una nación (1915) - $ 10,000,000
2. El gran desfile (1925) - $ 6.4 millones
3. Ben-Hur (1925) - $ 5.5 millones
4. Las dos tormentas (1920) - $ 5,000,000
5. La quimera del oro (1925) - $ 4.25 millones
6. Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921) - $ 4,000,000
7. El circo (1928) - $ 3800000
8. El Vagón cubierto (1923) - $ 3,8 millones
9. El jorobado de Notre Dame (1923) - $ 3,5 millones
10. Los diez mandamientos (1923) - $ 3,400,000
11. Las dos huérfanas (1921) - $ 3,000,000
12. Ay, mi madre (1926) - $ 2,600,000
13. Cielo Séptima (1926) - $ 2,400,000
14. Irish Rose de Abie (1928) - $ 1,5 millones

El cine mudo en la era del sonido

Silencio da paso a sonar

Aunque los intentos de crear-sincronización de sonido Las imágenes en movimiento se remontan al laboratorio de Edison en 1896, la tecnología llegó a ser bien desarrollados sólo en la década de 1920. Los siguientes años vieron una carrera para diseñar, implementar y comercializar varios rival sound-on-disc y Sonido óptico formatos de sonido. Aunque Comunicado de El cantor de jazz 's en 1927 marcó la primera película sonora de éxito comercial, las películas mudas, formaron la mayoría de las características producidas tanto en 1927 y 1928. Así, la era del cine moderno de sonido puede ser considerado como viniendo a la dominación a partir de 1929.

El cine mudo en la era del sonido temprano

Para obtener una lista de las películas de cine mudo notables, consulte Lista de años en el cine de los años entre el comienzo de la película y 1928. La siguiente lista incluye sólo las películas producidas en la era del sonido con la intención artística específica de ser silencioso.

• Los muelles de Nueva York, Josef von Sternberg, 1929
• Diario de una mujer perdida, GW Pabst, 1929
• La caja de Pandora, GW Pabst, 1929
• Hombre con una cámara de película, Dziga Vertov, 1929
• City Girl, FW Murnau, 1930
• Tierra, Aleksandr Dovzhenko, 1930
• El amor es la fuerza, Mikio Naruse, 1930
• Luces de la ciudad, Charlie Chaplin , 1931
• Tabu, FW Murnau, Robert Flaherty, 1931
• I Was Born, Pero ..., Yasujiro Ozu, 1932
• Una historia de malas hierbas flotantes, Yasujiro Ozu, 1934
• Modern Times, Charlie Chaplin , 1936

Homenajes posteriores

Varios cineastas han rendido homenaje a las comedias de la época del cine mudo, incluyendo Jacques Tati con su Les Vacances de Monsieur Hulot (1953) y Mel Brooks con Película muda (1976). Director taiwanés El aclamado drama de Hou Hsiao-Hsien Three Times (2005) está en silencio durante su tercio medio, con intertítulos; Stanley Tucci Los Impostors tiene una secuencia de apertura de silencio en el estilo de las comedias mudas temprana. El escritor / director Michael Pleckaitis pone su propio giro en el género con Silent (2007). Con reminiscencias de Pleasantville (1998), se hace en la vena de una película muda desde los primeros días del cine.

El cine alemán 1999 Tuvalu es en su mayoría en silencio; la pequeña cantidad de diálogo es una extraña mezcla de las lenguas europeas, aumentando la universalidad de la película. Guy Maddin ganó premios por su homenaje a la era soviética cine mudo con su corta El Corazón del Mundo después de lo cual él hizo un largometraje mudo, Marca en el cerebro! (2006), incorporando en directo Foley artistas, narración y orquesta en ciertas proyecciones. La sombra del vampiro (2000) es una representación muy novelada de la filmación de Clásico silencio de Friedrich Wilhelm Murnau vampiro película Nosferatu (1922). Werner Herzog honró la misma película en su propia versión, Nosferatu: Phantom der Nacht (1979). Algunas películas dibujan un contraste directo entre la época del cine mudo y la era del cine sonoro. Sunset Boulevard muestra la falta de conexión entre las dos épocas en el carácter de Norma Desmond, interpretado por la estrella del cine mudo Gloria Swanson.

En 1999, el famoso finlandés cineasta Aki Kaurismäki produjo Juha que captura el estilo de una película muda, con intertítulos en lugar de diálogo hablado.

En la India, la película 1988 Pushpak, protagonizada por Kamal Hassan, fue una comedia de humor negro totalmente desprovista de diálogo.

Al menos dos obras de teatro se han basado en estilos del cine mudo y fuentes. Actor / escritores Billy Van Zandt y Jane Milmore protagonizaron su Off-Broadway de la comedia slapstick risa silenciosa como una acción homenaje vivo a la era del cine mudo. Geoff Sobelle y Trey Lyford creados y protagonizaron Todos los jugadores de bolos de desgaste (2004) que comenzó como un homenaje a Laurel y Hardy luego evolucionaron para incorporar secuencias de la película silenciosa de tamaño natural de Sobelle y Lyford que saltan de ida y vuelta entre la acción en vivo y la pantalla de plata.

Películas Preservación y perdidas

Muchas películas tempranas se pierden debido a la película de nitrato utilizados en esa época era extremadamente inestable e inflamable. Además, muchas películas, como la serie de Pinochle Chicos películas, fueron destruidos deliberadamente porque tenían poco valor en la era antes de vídeo doméstico. A menudo se ha afirmado que alrededor del 75% de las películas mudas, se han perdido, aunque estas estimaciones pueden ser inexactos debido a la falta de datos numéricos. Principales películas mudas presunta perdieron incluyen Saved from the Titanic (1912); El Apóstol, el mundo de primera película de animación (1917); Cleopatra (1917); Arirang (1926); Los caballeros las prefieren rubias (1927); El gran Gatsby (1926); y London After Midnight (1927). Aunque nunca se recuperarán la mayoría de las películas mudas perdidas, algunos se han descubierto en los archivos de películas o colecciones privadas.

En 1978 en Dawson City, Yukon canadiense, un bulldozer descubierto tambores enterrados de película de nitrato durante la excavación de un vertedero. Dawson City solía ser el final de la línea de distribución de muchas películas, y los títulos fueron almacenados en la biblioteca local hasta 1929 cuando se utilizó el nitrato inflamable como relleno en una piscina condenado. Almacenado durante 50 años bajo el permafrost del Yukón, las películas resultaron ser extremadamente bien conservado. Se incluyen en este tesoro eran películas de Perla Blanca, Harold Lloyd, Douglas Fairbanks, y Lon Chaney, Sr .. Estas películas se encuentra ahora en la Biblioteca del Congreso.

La degradación de la vieja película de valores puede ser frenado mediante sistemas de almacenamiento adecuado, o la digitalización puede preservar películas. Silencioso la preservación de películas ha sido una prioridad entre los historiadores de cine.