Jazz

El jazz es una música que se originó a principios del siglo 20 en las comunidades afroamericanas del sur de Estados Unidos . Sus raíces se encuentran en la adopción afroamericana de la armonía europea y forman a los elementos musicales africanos existentes. Influencias musicales africanos son evidentes en el uso de notas azules, improvisación, polirritmia, síncopa y la nota balanceada. Desde su desarrollo inicial hasta la actualidad, el jazz también ha incorporado elementos de la música popular americana .

A medida que la música se ha desarrollado y extendido por todo el mundo que se ha inspirado en muchas diferentes culturas musicales nacionales, regionales y locales que dan lugar, desde sus inicios americanos del siglo 20, con muchos estilos distintivos: Jazz de Nueva Orleans que data de principios de la década de los años 1910; banda grande swing, Kansas City jazz, y Gypsy jazz de los años 1930 y 1940; bebop desde mediados de la década de 1940; y hacia abajo a través West Coast jazz, cool jazz, jazz de vanguardia, Jazz afrocubano, jazz modal, free jazz, Jazz latino en diversas formas, jazz alma, jazz fusión, y jazz rock, jazz suave, jazz-funk, punk jazz, acid jazz, el jazz étnico, rap jazz, jazz cyber, Jazz Indo, M-Base, nu jazz, y otras formas de reproducción de la música.

En una entrevista de 1988, el trombonista JJ Johnson dijo: "El jazz es inquieto. No va a quedarse y nunca lo hará".

Definiciones

Jazz abarca una variedad de música de ragtime hasta nuestros días, un período de más de 100 años-y ha demostrado ser muy difícil de definir. Se han hecho intentos para definir jazz desde la perspectiva de otras tradiciones musicales que utilizan el punto de vista de la historia de la música europea o la música africana, por ejemplo-pero crítico Joachim Berendt argumenta que su mandato y su definición debe ser más amplia. Berendt define jazz como una "forma de música de arte que se originó en los Estados Unidos a través de la confrontación de los negros con la música europea "y argumenta que se diferencia de la música europea en que el jazz: tiene una" relación especial con el tiempo, que se define como " swing "; implica" una espontaneidad y la vitalidad de la producción musical en el que la improvisación juega un papel ", y contiene una" sonoridad y manera de frasear que reflejan la individualidad de la realización de músico de jazz ".

Contrabajista Reggie Workman, saxofonista Pharoah Sanders, y el batería Idris Muhammad realizar en 1978

Una definición más amplia que abarca toda la radicalmente diferentes épocas del jazz ha sido propuesto por Travis Jackson: Afirma que se trata de música que incluye cualidades como el swing, la improvisación, la interacción del grupo, el desarrollo de una "voz del individuo, y estar abierto a diferentes posibilidades musicales. Una visión general de la discusión sobre las definiciones es proporcionada por Krin Gabbard, quien sostiene que "el jazz es una construcción" que, aunque artificial, todavía es útil para designar "un número de músicas suficiente en común debe entenderse como parte de una tradición coherente ". En contraste con los esfuerzos de los comentaristas y los entusiastas de ciertos tipos de jazz, que han argumentado para definiciones más estrictas que excluyen otros tipos, los propios músicos suelen ser reacios a definir la música que tocan. Duke Ellington resumió esta perspectiva, diciendo: "Es toda la música".

Importancia de la improvisación

Mientras que el jazz es considerado difícil de definir, improvisación es considerado consistentemente como uno de sus elementos clave. La centralidad de la improvisación en el jazz se atribuye a su presencia en las formas anteriores influyentes de la música: la temprana azules, una forma de música popular que surgió en parte de las canciones de trabajo y grita de campo de los trabajadores afro-americanos en las plantaciones. Éstas eran comúnmente estructuradas alrededor de un repetitivo de llamada y respuesta patrón, pero los primeros azules también fue muy improvisado. Aunque Europeo la música clásica se ha dicho para ser el medio de un compositor en el que el artista se concederán a menudo discreción sobre la interpretación, la ornamentación y acompañamiento, el objetivo primordial del artista es jugar una composición tal como se escribió. En contraste, el jazz se caracteriza a menudo como el producto de la creatividad del grupo, la interacción y la colaboración, que lugares diferentes grados de valor de las contribuciones de compositor (si lo hay) y los intérpretes. Resumiendo la diferencia, el pianista Earl Hines comentó en una película de 1975 que,

... Cuando yo estaba jugando la música clásica no me atrevería a alejarse de lo que estaba leyendo. Si te has dado cuenta, todos los músicos sinfónicos, que han jugado algunas de esas canciones clásicas durante años pero no variaría entre una nota y cada vez que juegan tienen que tener la música. Así que por eso para algunos intérpretes de música clásica, es muy difícil para ellos para tratar de aprender a tocar jazz.

En el jazz, por lo tanto, el ejecutante experto interpretará una melodía de maneras muy individuales, nunca tocando la misma composición de la misma manera dos veces. Dependiendo de estado de ánimo y la experiencia personal del intérprete, las interacciones con otros músicos, o incluso los miembros de la audiencia, un músico de jazz pueden alterar melodías, armonías o de compás a voluntad. La importancia de la improvisación ha llevado a algunos críticos a sugerir que la música de Duke Ellington aún no era el jazz, porque se organizó y orquestó. Por otro lado, el piano en solitario "versiones de transformación" de las composiciones de Ellington por Earl Hines fueron descritas por Ben Ratliff, el crítico de jazz New York Times, como "tan bueno un ejemplo del proceso de jazz como algo por ahí".

El enfoque a la improvisación ha desarrollado enormemente en la historia de la música. A principios de Nueva Orleans y Jazz Dixieland, los artistas se turnaron para tocar la melodía, mientras que otros improvisaron contramelodías. Por el era del swing, grandes bandas estaban llegando a confiar más en la música dispuestos: arreglos eran o escrita o aprendido de oído y aprendido de memoria, mientras que los solistas individuales improvisarían dentro de estos arreglos. Más tarde, en bebop la atención se desplazó hacia los grupos pequeños y arreglos mínimos; la melodía (conocida como la "cabeza") se declaró brevemente al comienzo y al final de una pieza, pero el núcleo de la actuación sería la serie de improvisaciones. Estilos posteriores como modal jazz abandonó la noción estricta de un progresión de acordes, lo que permite a los músicos individuales para improvisar aún más libremente en el contexto de una escala o modo determinado. En muchas formas de jazz solista a menudo se apoya en un sección rítmica que acompaña al solista tocando acordes y ritmos que describen la estructura de la canción y complementan el solista. En avant-garde y modismos de free jazz, la separación de solista y banda se reduce, y no hay licencia, o incluso un requisito, por el abandono de los acordes, escalas y metros rítmicos.

Debates

Formas de jazz que se orientan o influenciados por la música popular en el mercado han sido criticados por lo menos desde la aparición de bebop. Según Bruce Johnson, siempre ha habido una "tensión entre el jazz como la música comercial y una forma de arte". Entusiastas del jazz tradicionales han despedido bebop, free jazz, el jazz era la fusión de 1970, y muchas otras cosas como períodos de degradación de la música y las traiciones de la tradición; el punto de vista alternativo es que el jazz es capaz de absorber y transformar influencias de diversos estilos musicales, y que, al evitar la creación de "normas", otro más nuevo, formas vanguardistas del jazz estará libre a emerger.

Otro debate que ganó mucha atención en el nacimiento del jazz era cómo afectaría a la aparición de los afroamericanos, en particular, que eran una parte de ella. Para algunos afroamericanos, el jazz ha destacado su contribución a la sociedad estadounidense y ha ayudado a llamar la atención sobre la historia y la cultura negro, pero para otros, la música y el término 'jazz' son recordatorios de "una sociedad opresiva y racista y restricciones en sus visiones artísticas ".

Etimología de "jazz"

El origen de la palabra jazz ha tenido amplia difusión en intereses de la Sociedad Americana del Dialecto nombró el Palabra de la Twentieth Century-que ha dado lugar a una considerable investigación, y su historia está bien documentada. La palabra comenzó [bajo diversas grafías] como la Costa Oeste argot alrededor de 1912, cuyo significado varía, pero no se refirió a la música. El uso de la palabra en un contexto musical fue documentada ya en 1915 en el Chicago Daily Tribune. Su primer uso documentado en un contexto musical en Nueva Orleans aparece en un 14 de noviembre 1916 Times-Picayune artículo sobre "bandas jas".

Orígenes

Combinando las sensibilidades musicales de Europa y África

Por 1808 el comercio de esclavos en el Atlántico había llevado casi medio millón de africanos subsaharianos a los Estados Unidos. Los esclavos llegaron en gran parte de África Occidental y el mayor río Congo cuenca. Ellos trajeron fuertes tradiciones musicales con ellos. Los ritmos tenían una estructura de venta libre métrica y patrones de voz africana reflejadas. Música africana fue en gran parte funcional, para el trabajo o ritual. Uso de las tradiciones africanas hecha de una melodía de una sola línea y llamar-y-respuesta patrón, pero sin el concepto europeo de armonía.

Reuniones Esclavo

Baile en la Plaza Congo a finales de 1700, la concepción del artista por EW Kemble de un siglo después.

En la pintura de finales del siglo 18 The Old Plantation, africano-americanos bailar al banjo y percusión.

Fiestas fastuosas que ofrecen bailes de origen africano a los tambores se organizaron los domingos en la Plaza Congo, o Congo Square, en Nueva Orleans hasta 1843. Hay relatos históricos de otros encuentros de música y baile en otras partes del sur de los Estados Unidos. Robert Palmer afirma:

Un análisis exhaustivo de los diarios, cartas y revistas viajeros de la época colonial hasta la Guerra Civil, realizado por Dena J. Epstein y detallada en su libro Sinful Tunes y Spirituals [1977], dio un sorprendente número de referencias al esclavo música que fue principalmente de percusión. Por lo general, este tipo de música se asoció con los festivales anuales, cuando la cosecha del año se cosechó y varios días se ha destinado para la celebración. Todavía en 1861, un viajero en Carolina del Norte vio bailarines vestidos con trajes que incluyeron tocados con cuernos y cola de vaca y escuchan música a cargo de un "cuadro de gumbo" piel de oveja-cubierto, al parecer un tambor de marco; triángulos y mandíbulas amuebladas la percusión auxiliar. Hay algunas cuentas [] bastantes de los estados del sureste y Louisiana que datan del período 1820-1850. Algunos de los primeros colonos [Mississippi] Delta vinieron de los alrededores de Nueva Orleans, donde los tambores nunca se desanimó activamente durante mucho tiempo y tambores hechos en casa se utiliza para acompañar el baile público hasta el estallido de la Guerra Civil.

La iglesia Negro

Otra influencia vino de los esclavos negros que habían aprendido el estilo armónico de himnos de la iglesia, y lo incorporaron a su propia música como spirituals. La orígenes del blues son indocumentados, aunque pueden ser vistos como la contraparte secular de los espirituales. Sin embargo, como Gerhard Kubik señala, mientras que los espirituales son , blues rural homófonas y principios de jazz "se basó en gran medida en los conceptos de heterofonía ".

Juglar y la música de salón

La Blackface Virginia trovadores en 1843, con la pandereta, el violín, el banjo y huesos.

En el siglo 19 un creciente número de músicos negros aprendió a tocar instrumentos europeos, en particular el violín , que usaron para parodiar la música de baile europea en su propio bailes juego de niños. A su vez, europeo-americanos juglar mostrar artistas en cara pintada de negro popularizó este tipo de música a nivel internacional, combinando síncopa con un acompañamiento armónico Europea. Paul Oliver ha llamado la atención sobre las similitudes en los instrumentos, la música y la función social de la griots de cinturón sudanesa occidental de África. A mediados de la década de 1800 el blanco compositor de Nueva Orleans Louis Moreau Gottschalk adaptado ritmos y melodías de esclavos de Cuba y otras islas del Caribe, en el piano la música de salón. Nueva Orleans fue el nexo principal entre las culturas americanas afro-caribeños y africanos.

Retención rítmica africana

En opinión del historiador del jazz Ernest Borneman, lo precedió jazz de Nueva Orleans antes de 1890, era "la música afro-latina" similar a lo que se jugó en el Caribe en el momento. Una figura fundamental rítmica escuchado en composiciones de Gottschalk como "Recuerdos de La Habana" (1859), muchos diferentes músicas de esclavos del Caribe, así como la bamboula, y otra Danzas populares afrocaribeños realizadas en Nueva Orleans Congo Square, es el patrón de tres golpes conocido en la música cubana como tresillo. Tresillo es el más básico y, con mucho, la duple-pulso más prevalente rítmica célula en subsahariana tradiciones musicales africanas, y la música de la Diáspora africana.

Tresillo. Jugar

El " Códigos Negros "fuera de la ley de tambores por los esclavos. Por lo tanto, a diferencia de Cuba, Haití y otras partes del Caribe, las tradiciones de tambores africanos no se conservaron en América del Norte. Patrones rítmicos de origen africano fueron retenidos en los Estados Unidos, en gran parte, a través de" cuerpo ritmos ", como el zapateo, palmas, y acariciando juba. Robert Palmer afirma: "El palmaditas, un ex-esclavo reportado en 1853, 'se realiza golpeando el hombro derecho con una mano, la mano izquierda con el tiempo de otra, todo mientras se mantiene con los pies, y el canto." "Los afroamericanos también se utiliza artículos de uso cotidiano como los instrumentos de percusión. El antropólogo David Evans hizo extenso trabajo de campo en la región montañosa del norte de Mississippi, y los informes de las familias negras que juegan música polyrhythmic en sus hogares en las sillas, latas y botellas vacías.

Hay ejemplos de tresillo, o ritmos-tresillo como en pocas músicas folclóricas supervivientes siglo XIX africanos americanos, como juba palmaditas, y los patrones de palmas y zapateo en grito anillo. Palmer describe la música pies generado:

Cuentas ... dejar pocas dudas de que el baile y estampación constituían una especie de batería, especialmente cuando los adoradores tenían un piso de la iglesia de madera para estampar en. "Siempre despierta mi imaginación", escribió Lydia Parrish de las islas del mar de Georgia en 1942, "para ver la forma en que toque en el condado de McIntosh 'gritones de sus talones en el suelo de resonancia de imitar el ritmo del tambor sus antepasados no eran les permite tener ". Ver: El Ringshout y el nacimiento de la religión afro-americana

Dos décadas después de los tambores fue prohibido en Congo Square, en el período posterior a la Guerra Civil (después de 1865), los afroamericanos eran capaces de obtener bombos militares excedentes, trampa tambores y pífanos. Como resultado, un tambor y pífano música afroamericana inicial surgió, con tresillo y figuras rítmicas sincopadas relacionados. Con este género de la música, vemos el surgimiento de una tradición de tambores que es distinta de sus contrapartes del Caribe, que expresa una sensibilidad que es exclusivamente afroamericana. Evans afirma que entre los mayores de tambor negro y músicos fife del norte de Mississippi, por lo que los tambores "hablarlo", es decir, reproducir patrones rítmicos que se ajusten a las frases proverbiales o las palabras de pífano y tambor populares tunes- "se considera el signo de un buen baterista ". Palmer observa: "Los tambores de la trampa y el bajo jugados sincopados ritmos cruzados ", y speculates-" esta tradición deben haber remonta a la segunda mitad del siglo XIX, y que podría no han se han desarrollado en el primer lugar si no hubiera habido un depósito de sofisticación polyrhythmic en la cultura que nutrido ". Ver: afroamericano Fife & Drum Música: Mississippi.

Tresillo se escucha un lugar destacado en Nueva Orleáns segunda línea de la música, y en la mayoría de todas las otras formas de la música popular para salir de esa ciudad de la vuelta del siglo XX hasta la actualidad. Historiador del jazz Gunther Schuller dice:

Probablemente es seguro decir que en general los patrones rítmicos africanos simples sobrevivió en el jazz ... porque podrían adaptarse más fácilmente a las concepciones rítmicas europeos. Algunos sobrevivieron, otros fueron descartados como la europeización avanzaba. También podría explicar el hecho de que los patrones como [tresillo tener] ... sigue siendo uno de los patrones sincopados más útiles y comunes en el jazz (1968: 19).

"Tinte español", la influencia rítmica afrocubana

Música afroamericana comenzó a incorporar Motivos rítmicos afro-cubanos en el siglo XIX, cuando el habanera (Cuba contradanza) ganó popularidad internacional. Habaneras eran ampliamente disponible como partituras. La habanera fue la primera música escrita para ser basado rítmicamente en un motivo de África (1803). Desde la perspectiva de Música afroamericana, el ritmo de habanera (también conocida como Congo, tango-congo, o tango.) se puede considerar como una combinación de tresillo y el ritmo de fondo.

Ritmo Habanera escrita como una combinación de tresillo (notas de fondo) con el ritmo de fondo (nota superior). Jugar

Músicos de La Habana y Nueva Orleans sería tomar el ferry dos veces al día entre las dos ciudades para llevar a cabo y no es sorprendente, la habanera rápidamente tomó raíz en el musicalmente fértil Crescent City. La habanera fue el primero de muchos géneros de la música cubana que gozaron de períodos de popularidad en los Estados Unidos, y reforzadas e inspiraron el uso de ritmos basados en el tresillo en la música afroamericana.

John Storm Roberts afirma que el género de la habanera musical, "llegó a los EE.UU. veinte años antes de la publicación del primer trapo." La pieza para piano "Ojos criollos (Danse Cubaine)" (1860) por el nativo de Nueva Orleans Louis Moreau Gottschalk, fue influenciado por los estudios del compositor en Cuba. El ritmo de habanera se escucha claramente en la mano izquierda. Con el trabajo de Gottschalk sinfónico "Una Noche en el trópico" (1859), escuchamos la variante tresillo cinquillo ampliamente. La cifra también fue utilizado por Scott Joplin y otros compositores del ragtime.

Cinquillo. Jugar

Por más de un cuarto de siglo en el que la juego de niños, ragtime , y proto-jazz estaban formando y desarrollando, la habanera era una parte consistente de la música popular afroamericana. La comparación de la música de Nueva Orleans con el música de Cuba, Wynton Marsalis observa que tresillo es el New Orleans " clave ", una palabra española que significa" código "o" key'-como en la clave de un rompecabezas, o misterio. Aunque técnicamente, el patrón es sólo la mitad de una clave, Marsalis hace que el punto importante que la figura de una sola célula es el guía-patrón de la música de Nueva Orleans. Jelly Roll Morton llamó la figura rítmica del Tinte español, y consideró que es un ingrediente esencial del jazz.

1890s-1910s

Rag-time

Scott Joplin en 1903

La abolición de la esclavitud dio lugar a nuevas oportunidades para la educación de los afroamericanos liberados. Aunque estricta segregación limita las oportunidades de empleo para la mayoría de los negros, muchos fueron capaces de encontrar trabajo en el entretenimiento. Los músicos negros fueron capaces de proporcionar "de clase baja" entretenimiento en las danzas, las demostraciones de trovador , y en vodevil, por el cual muchas bandas de música formadas. Pianistas negros jugaron en bares, clubes y burdeles, como el ragtime desarrollado.

Ragtime apareció como partituras, popularizado por músicos afroamericanos tales como el artista Ernest Hogan, cuyos éxitos aparecido en 1895; dos años después Vess Ossman registró un popurrí de estas canciones como un banjo en solitario "Trapo Tiempo Medley". También en 1897, el compositor blanco William H. Krell publicó su " Mississippi trapo "como el primer piano escrita instrumentales pieza ragtime, y Tom Turpin publicó su Harlem de trapo, que fue el primer trapo publicado por un afroamericano.

El pianista de formación clásica Scott Joplin y el "rey del ragtime", reconoció producen su " Rags originales "en el año siguiente, a continuación, en 1899 tuvieron un éxito internacional con" Maple Leaf Rag "." Maple Leaf Rag "es un multi- ragtime cepa marcha con el Athletic líneas de bajo y fuera de lo común melodías. Cada una de las cuatro partes cuenta con un tema recurrente y una línea de bajo zancadas con abundante acordes de séptima. La pieza puede ser considerado el "trapo arquetípica 'debido a su influencia en el género; su estructura fue la base para muchos otros trapos famosos, como "Sensation" por José Cordero. Es más cuidado se construye de casi todos los trapos anteriores, y la síncopas en la mano derecha, especialmente en la transición entre la primera y la segunda cepa, eran novedosos en el momento.

Extracto de "Maple Leaf Rag" de Scott Joplin (1899). Séptimo acorde resolución. Play. Tenga en cuenta que las séptimo resuelve por medio paso.

African-basado patrones rítmicos, como el tresillo, y se escuchan sus variantes -el ritmo de habanera y cinquillo, en las composiciones de ragtime Scott Joplin, Tom Turpin, y otros. "Solace" de Joplin (1909) se considera generalmente que es dentro del género de la habanera (aunque está etiquetado como un "serenata mexicana"). El siguiente extracto de "Solace" se basa en dos variantes diferentes del ritmo de habanera.

Extracto de "Solace" de Scott Joplin (1909). Variaciones sobre el ritmo de habanera.

Con "Solace" las dos manos están jugando de una forma sincopada, abandonando por completo cualquier sensación de un ritmo de marcha. Ned Sublette postula que el tresillo / ritmo de habanera "encontró su camino en el ragtime y el juego de niños", mientras que Roberts sugiere que "la influencia habanera puede haber sido parte de lo liberado música negro de lubina europea del ragtime."

Joplin escribió numerosos trapos populares, incluyendo " The Entertainer ", que combina la síncopa basada en el tresillo mano derecha, figuraciones banjo y, a veces llamada y respuesta. El idioma ragtime fue finalmente absorbido por los compositores clásicos que incluyen Claude Debussy y Igor Stravinsky .

Blues

Génesis africano

El blues es el nombre dado a la vez un forma musical y un género musical que se originó en Comunidades afroamericanas de todo la " South Deep "de la de los Estados Unidos a finales del siglo 19 de spirituals, canciones de trabajo, hollers de campo, gritos y cantos y rimada narrativa sencilla baladas. El uso Africana de escalas pentatónicas contribuyó al desarrollo de notas de color azul en el blues y el jazz. Como Kubik explica:

Muchos de los azules rurales del sur profundo son estilísticamente una extensión y fusión de básicamente dos grandes tradiciones acompañado de estilo canción en el cinturón sudanés central oeste:

• Un estilo de canción fuertemente árabe / islámico, tal como se encuentra, por ejemplo, entre los hausa. Se caracteriza por melisma, entonación ondulado, inestabilidades de tono dentro de un marco pentatónica, y una voz declamatoria.
• Un antiguo estrato sudanés central oeste de composición canción pentatónica, a menudo asociada con ritmos de trabajo simples en un metro regular, pero con notables acentos fuera de compás (1999: 94).

Juega escala de blues o la escala pentatónica

En el contexto de la armonía Western

En 1892 St. Louis, Missouri, WC Handy, un fuera de trabajo corneta afroamericano, con experiencia en espectáculos de juglares y charangas, encontró sus primeros azules (o proto-blues) de la canción. Tuvo numerosos versos de una sola línea "y que cantaba toda la noche." En 1912, publicó práctico lo que escuchó esa noche como " Los azules de St. Louis ". En 1903, durante un viaje a través del delta del Mississippi, práctico experimentaron una forma de blues con rasgos africanos más pronunciadas. El estilo de blues del Delta le intrigaba. La cantante improvisa libremente, y la gama melódica se limitó, sonando como un campo gritar. El acompañamiento de la guitarra no se tocaba, pero fue en cambio, como un pequeño tambor que respondió de acentos sincopados. La guitarra fue otra "voz." Handy " St. Louis Blues "y" Memphis Blues "(1912) son estándares de jazz. Mientras que muchos identifican "Memphis Blues" como el primer blues publicados Handy, Gunther Schuller argumenta que no es realmente un blues, pero "más como un juego de niños."

La forma de blues, ubicuo en el jazz, se caracteriza por las progresiones de acordes específicos, de los cuales el blues de doce compases progresión de acordes es el más común. La notas de color azul que, con fines expresivos se cantan o juegan aplanado o doblado gradualmente (tercera menor a mayor tercera) en relación con el tono de la gran escala, son también una parte importante del sonido. Los azules eran la llave que abrió todo un nuevo enfoque a la armonía occidental, en última instancia conduce a un alto nivel de complejidad armónica en el jazz.

Nueva Orleáns

El Bolden Band hacia 1905.

La música de Nueva Orleans tuvo un profundo efecto en la creación de jazz temprano. Muchos artistas de jazz primeros jugados en escenarios de la ciudad; los prostíbulos y bares de la Zona roja alrededor Basin Street, llamado " Storyville ". Fue sólo uno de los numerosos barrios de interés para los primeros días de jazz de Nueva Orleans. Además de bailar bandas, numerosas bandas de música jugaron en los funerales espléndidos dispuestas por la afroamericana y la comunidad americana Europea. Los instrumentos utilizados en bandas de música y orquestas de baile se convirtieron en los instrumentos básicos del jazz: latón y cañas sintonizados en la escala de 12 tonos Europea y tambores. Pequeñas bandas de mezcla músicos afroamericanos autodidactas y bien educados, muchos de los cuales provenían de la tradición funeraria procesión de Nueva Orleans, jugó un papel fundamental en el desarrollo y la difusión de los principios de jazz, viajando a través de las comunidades negras en el sur profundo y, a partir de alrededor de 1914 en adelante, Afro-criollo y músicos afroamericanos que juegan en vodeviles tomaron el jazz a las ciudades del oeste y norte de Estados Unidos.

Síncopa

El cornetist Buddy Bolden dirigió una banda a menudo se menciona como uno de los principales impulsores del estilo que más tarde sería llamado "jazz". Jugó en Nueva Orleans alrededor de 1895 a 1906. La banda de Bolden se atribuye la creación de los cuatro grandes, el primer patrón de batería bajo sincopado a desviarse de la norma sobre el ritmo marcha. Como muestra el siguiente ejemplo, la segunda mitad de los cuatro grandes patrón es el ritmo de habanera.

"Cuatro grandes" patrón de Buddy Bolden. Jugar

No hay registro será de Bolden. Varias canciones del repertorio banda Bolden, incluyendo "Buddy Bolden Blues", han sido grabadas por muchos otros músicos. Bolden se enfermó mentalmente y pasó sus últimas décadas en una institución mental.

Morton publicó "Jelly Roll Blues" en 1915, el primer trabajo de jazz en la impresión.

Pianista afro-criollo Jelly Roll Morton comenzó su carrera en Storyville. Desde 1904, él viajó con vodevil muestra alrededor de las ciudades del sur, también juega en Chicago y Nueva York. Su " Jelly Roll Blues ", que compuso alrededor de 1905, fue publicado en 1915 como la primera disposición de jazz en la impresión, la introducción de más músicos al estilo de Nueva Orleans.

Morton realizaría habaneras, como " La Paloma ". A su juicio, el tresillo / habanera (que él llamó la Tinte español) para ser un ingrediente esencial del jazz. El ritmo de habanera y tresillo pueden ser escuchados en la mano izquierda en canciones como "El Crave" (1910, grabado 1938). En las propias palabras de Morton:

"Ahora, en una de mis primeras canciones," Blues de Nueva Orleans, "usted puede notar el matiz español. De hecho, si no eres capaz de poner matices de español en sus canciones, que nunca será capaz de obtener la correcta sazonar , yo lo llamo, para el jazz "-Morton (1938: Biblioteca del Congreso de grabación).

Extracto de Jelly Roll Morton de "New Orleans Blues" (c. 1902). La mano izquierda se reproduce el ritmo tresillo. La mano derecha toca variaciones en cinquillo. Jugar

Algunos músicos de jazz principios a que se refiere su música como el ragtime. Jelly Roll Morton fue un innovador crucial en la evolución de ragtime para piano de jazz. Morton podría realizar piezas en cualquier estilo. Los solos de Morton estaban todavía cerca de ragtime, y no eran más que las improvisaciones más cambios de acordes, como con el jazz más tarde. Su uso de los azules fue de igual importancia, sin embargo.

Columpio

Morton aflojó sensación rítmica del ragtime, disminuyendo sus adornos, y empleando una sensación de swing. Swing es la técnica rítmica basada africano más importante y perdurable utilizado en el jazz. Una definición frecuentemente citada del swing de Louis Armstrong es: "si no lo sientes, nunca lo sabrás." El Nuevo Diccionario de la Música de Harvard afirma que oscilación es: "Un impulso rítmico intangible en el jazz. . . Columpio desafía análisis; reclamaciones a su presencia pueden inspirar argumentos. "Sin embargo, el diccionario proporciona la descripción útil de subdivisiones triples del latido contrastados con subdivisiones duple. oscilación superpone seis subdivisiones del latido más de una estructura básica de pulso o cuatro subdivisiones. Este aspecto del swing es mucho más frecuente en la música afroamericana que en la música afrocaribeña. Un aspecto de swing, que se escucha en las músicas de la diáspora más rítmicamente complejas, coloca a golpes en medio de las triples y duple-pulso "redes".

En pocas palabras: incluso subdivisiones duple del ritmo. Top: oscilado correlativa contraste de duple y subdivisiones triples del ritmo. Juega patrón de batería recta o Reproducir patrón oscilado

Bandas de música de Nueva Orleans son una influencia duradera contribuyendo trompetistas al mundo del jazz profesional con el sonido característico de la ciudad, mientras que ayudar a los niños negros salir de la pobreza. El líder de la Camelia Brass Band, D'Jalma Ganier, enseñó Louis Armstrong a tocar la trompeta. Armstrong popularizó el estilo de Nueva Orleans de la trompeta de juego, y luego lo amplió. Al igual que Jelly Roll Morton, Louis Armstrong también se acredita con el abandono de la rigidez del ragtime, a favor de las notas balanceó. Armstrong, quizás más que cualquier otro músico, codificó la técnica rítmica de oscilación en el jazz, y amplió el vocabulario solo de jazz.

La Original Dixieland Jass Band hizo las primeras grabaciones de la música antigua en 1917, y su " Livery Stable Blues "se convirtió en el primer jazz liberado récord. Ese año numerosas otras bandas hicieron grabaciones que ofrecen el "jazz" en el título o nombre de la banda, sobre todo ragtime o registros de la novedad en lugar de jazz. En febrero de 1918 James Reese Europe de banda de infantería "Los luchadores del infierno" tomó ragtime a Europa durante la Primera Guerra Mundial , a continuación, en la declaración de registro de las normas de Dixieland incluyendo " Bola Darktown Strutters '".

Otras regiones

WC Handy 19 años de edad, 1892

WC Handy, que era de Alabama, afirma que cuando viajaba con su banda en 1896, que estaba jugando "música novedad ... similar al jazz, pero no nos llaman jazz." Más tarde, en 1903, de Handy me interesé por el folk blues del sur profundo. Él y sus miembros de la banda fueron formalmente entrenado músicos afroamericanos, que no crecen con el blues. Sin embargo, práctico pudo adoptar el blues a un formato de instrumento de banda más grande, y las presenta en una forma de música popular. Práctico escribió acerca de su adopción del blues:

"El Negro sur primitiva, mientras cantaba, estaba seguro de pujar en el tercer y séptimo tono de la escala, arrastrando entre mayor y menor. Ya sea en el campo de algodón de el Delta o en la Dique hasta forma St. Louis, siempre era el mismo. Hasta entonces, sin embargo, nunca había oído hablar de este insulto utilizado por un más sofisticado Negro, o por cualquier hombre blanco. Traté de transmitir este efecto ... mediante la introducción de terceras partes planas y séptimas (ahora llamados blue notes) en mi canción, aunque su clave predominante era importante ..., y me llevé este dispositivo en mi melodía, así ... Esto fue una salida distinta, pero como se vio después, tocó en el clavo ".

La publicación 1912 de su "Memphis Blues" partituras introdujo el blues de 12 compases para el mundo. La autobiografía de Práctico se titula Padre del Blues. Como Morton, la carrera musical de práctica comenzó en la era pre-jazz, y contribuyó a la codificación del jazz, a través de la publicación de algunos de la primera hoja de música jazz. En septiembre de 1917 la Orquesta de Memphis Handy grabó una versión de "Stable Blues Livery".

También como Morton, práctico realizado habaneras. Práctico observó una reacción al ritmo de habanera incluido en Will H. Tyler "Maori" - "Me observó que hubo una reacción repentina, orgulloso y elegante al ritmo ... blanco de los bailarines, como los había observado, tomaron el número de zancada. Empecé a sospechar que había algo negroide en ese ritmo ". Después de observar una reacción similar al mismo ritmo en "La Paloma", Handy incluido este ritmo en su " St. Louis Blues "(1914).

Extracto de "St. Louis Blues" de WC Handy (1914). La mano izquierda toca el ritmo de habanera.

Además, Handy utilizó el ritmo de habanera en la copia instrumental de "Memphis Blues", el coro de "Beale Street Blues", y otras composiciones ".

En el noreste de Estados Unidos, un estilo "caliente" de tocar ragtime había desarrollado, en particularsinfónica de James Reese Europeorquesta Clef Club enNueva York, que jugó un concierto benéfico enel Carnegie Hall en 1912. Elestilo de trapo Baltimore deEubie Blake influenciadoJames P. el desarrollo de Johnson de "tocar el piano Stride ", en el que la mano derecha toca la melodía, mientras que la mano izquierda ofrece el ritmo y la línea de bajo.

En Ohio y en otros lugares en el medio oeste, el ragtime fue la principal influencia hasta aproximadamente 1919. Alrededor de 1912, cuando el banjo de cuatro cuerdas y saxofón entraron, los músicos comenzaron a improvisar la melodía, pero la armonía y el ritmo se mantuvo sin cambios. A los estados de cuenta de blues contemporáneo que sólo podían ser oídas en el jazz, en los cabarets gut-bucket, que en general fueron despreciado por la clase media Negro.

1920 y 1930

La edad del jazz

	Jazz Me blues La Original Dixieland Jass Band realizar "Jazz Me Blues", un ejemplo de una pieza de jazz a partir de 1921.
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Trompetista, director de orquesta ycantanteLouis Armstrongfue un innovador muy imitado de jazz temprano.

El Rey & Carter Orquesta Jazzing fotografiados en Houston, Texas, enero 1921.

Prohibición en los Estados Unidos (1920-1933) prohibió la venta de bebidas alcohólicas, lo que resulta en ilícitos clandestinos convertirse en lugares animados del "Jazz Age", una era en la música popular incluía canciones actuales de baile, canciones de la novedad, y de ritmos. Jazz comenzó a conseguir una reputación de ser miembros inmorales, y muchas de las generaciones de más edad lo vio como una amenaza para los valores antiguos en la cultura y la promoción de los nuevos valores decadentes de los 20s del rugido. Profesor Henry van Dyke, de la Universidad de Princeton, escribió "... no es la música en absoluto. Es simplemente una irritación de los nervios de la audición, una tomadura de pelo sensual de las cuerdas de la pasión física."

Incluso los medios de comunicación comenzaron a denigrar jazz. The New York Times tuvo historias y titulares alterados para recoger en el jazz. Por ejemplo, los pobladores utilizan ollas y sartenes en Siberia para ahuyentar a los osos, y el periódico afirmaron que se trataba de jazz que asustó a los osos de distancia. Otra historia afirma que Jazz causó la muerte de un conductor célebre. La causa real de la muerte fue un ataque cardíaco fatal (causa natural).

Desde 1919 original Creole Jazz Band de músicos de Nueva Orleans de Kid Ory jugó en San Francisco y Los Angeles , donde en 1922 se convirtieron en la primera banda de jazz negro de origen Nueva Orleans para hacer grabaciones. Sin embargo, el principal centro de desarrollo de la nueva " Jazz Hot "fue Chicago , donde King Oliver se unió a Bill Johnson. Ese año también vio la primera grabación de Bessie Smith, el más famoso de los cantantes de blues 1920. Bix Beiderbecke formó Los Wolverines en 1924.

También en 1924 Louis Armstrong se unió a la orquesta de baile Fletcher Henderson como solista durante un año. El estilo original de Nueva Orleans era polifónica, con una variación tema, y la improvisación colectiva simultánea. Armstrong era un maestro de su estilo ciudad natal, pero por el momento se unió a la banda de Henderson, que ya era un pionero en una nueva fase de jazz, con su énfasis en los arreglos y solistas. Solos de Armstrong fueron mucho más allá del concepto temático improvisación y improvisó en acordes, en lugar de melodías. Según Schuller, en comparación, los solos de compañeros de Armstrong (incluyendo un joven Coleman Hawkins), sonaron "rígido, bastante pesado," con "ritmos entrecortados y una mediocre calidad de tono gris." El siguiente ejemplo muestra un breve fragmento de la melodía recta de "Mandy, Make Up Your Mind" de Irving Berlin (arriba), en comparación con improvisaciones solistas de Louis Armstrong (abajo) (registrado 1924). El ejemplo se aproxima en solitario de Armstrong, ya que no transmite su uso de swing.

Top: extracto de la melodía recta de "Mandy, Make Up Your Mind" de Irving Berlin. Abajo: correspondiente extracto solitario por Louis Armstrong (1924).

Solos de Armstrong fueron un factor importante en la toma de jazz un verdadero lenguaje del siglo XX. Después de dejar el grupo de Henderson, Armstrong formó su virtuosa banda Hot Five, donde se popularizó scat.

Jelly Roll Morton grabó con los New Orleans Rhythm Kings en ​​una colaboración de raza mixta temprana, a continuación, en 1926 formó su Peppers Red Hot. Había un mercado más grande para la música de baile de jazz interpretado por orquestas blancas, como la orquesta de Jean Goldkette y la orquesta de Paul Whiteman. En 1924 Whiteman encargó de Gershwin Rhapsody in Blue , que fue estrenada por la Orquesta de Whiteman. Otros grandes conjuntos influyentes incluyen banda de Fletcher Henderson, la banda de Duke Ellington (que abrió una residencia influyente en el Cotton Club en 1927) en Nueva York, y de la banda de Earl Hines en Chicago (que abrió en La Gran Terraza Cafe allí en 1928). Todo influyó significativamente el desarrollo de gran estilo banda de swing jazz. Para 1930, el Nuevo conjunto de estilo Orleans era una reliquia, y el jazz pertenecía al mundo.

Columpio

Benny Goodman (1943)

La década de 1930 pertenecían a populares columpio grandes bandas, en las que algunos solistas virtuosos se convirtieron en tan famoso como los líderes de la banda. Cifras clave en el desarrollo de la banda de jazz "grande" incluidos directores de orquesta y arreglistas Count Basie, Cab Calloway, Jimmy y Tommy Dorsey, Duke Ellington, Benny Goodman, Fletcher Henderson, Earl Hines, Glenn Miller y Artie Shaw.

Oscilación fue también la música de baile. Fue transmitido en la radio "en vivo" cada noche a través de América durante muchos años, especialmente por Hines y su orquesta Grand Terrace Cafe difusión de costa a costa, desde Chicago, bien situado para zonas horarias 'en vivo'. Aunque era un sonido colectivo, columpio también ofreció músicos individuales la oportunidad de 'solo' e improvisar solos melódicos, temáticas que podrían ser a veces muy compleja y la música "importante".

Con el tiempo, las estenosis sociales sobre la segregación racial comenzaron a relajarse en América: directores de orquesta blancos comenzaron a reclutar músicos negros y directores de orquesta negros blancos.

A mediados de la década de 1930, Benny Goodman contrató pianista Teddy Wilson, vibrafonista Lionel Hampton y el guitarrista Charlie Christian a unirse a grupos pequeños. Un estilo de 1940 temprana conocida como "saltar el blues" o saltar azules utilizan pequeños combos, música uptempo, y el blues acorde progresiones. Saltar azules se basó en el boogie-woogie de la década de 1930. Kansas City Jazz en la década de 1930 como se ejemplifica por el saxofonista tenor Lester Young marcó la transición de las grandes bandas de la influencia del bebop de la década de 1940.

Inicios del jazz europeo

Fuera de los Estados Unidos los comienzos de un estilo europeo distinto del jazz surgieron en Francia con la Quintette du Hot Club de France, que comenzó en 1934. virtuoso guitarrista belga Django Reinhardt popularizó el jazz gitano, una mezcla de los años 1930 estadounidense swing, salón de baile francesa " musette "y folk de Europa del Este con una sensación seductora lánguida. Los principales instrumentos son la guitarra de acero de cuerda, violín y contrabajo . Solos pasan de un jugador a otro como la guitarra y el bajo desempeñan el papel de la sección rítmica. Algunos investigadores musicales sostienen que era de Filadelfia Eddie Lang y Joe Venuti que fue pionero en la asociación de guitarra violín típica del género, que fue traído a Francia después de que tuvieran ha escuchado en vivo o en Okeh registros a finales del 1920.

1940 y 1950

"La música americana", la genialidad de Ellington

Duke Ellington en el Club Huracán (1943)

Por la década de 1940, la música de Duke Ellington trascendió los límites de oscilación, puente jazz y la música de arte en una síntesis natural. Ellington llamó a su música "American Music" en lugar de jazz, y le gustaba describir a aquellos que lo impresionó como "más allá de la categoría." Estos incluyen muchos de los músicos que eran miembros de su orquesta, algunos de los cuales son considerados entre los mejores del jazz en su propio derecho, pero fue Ellington que los fundió en una de las más conocidas unidades de orquesta de jazz en la historia de jazz. A menudo compuesta específicamente para el estilo y habilidades de estas personas, como "Blues de Jeep" de Johnny Hodges, "Concierto para Cootie" para Cootie Williams, que más tarde se convirtió en " No hacer nada hasta que usted oye de mí ", con letras de Bob Russell, y "El Mooche" para Tricky Sam Nanton y Bubber Miley. También grabó canciones escritas por sus Bandsmen, como Juan Tizol de " Caravan "y" Perdido ", que trajeron el" español Tinte "de jazz big band. Varios miembros de la orquesta permanecieron allí durante varias décadas. La banda alcanzó un pico creativo a principios del decenio de 1940, cuando Ellington y un pequeño grupo escogido a mano de sus compositores y arreglistas escribieron para una orquesta de voces distintivas que mostraron tremenda creatividad.

Bebop

Thelonious Monk en Playhouse de Minton, 1947,la ciudad de Nueva York.

Earl Hines 1947

A principios de la década de 1940 artistas de estilo bebop comenzaron a cambiar de jazz de la música popular bailable hacia una más desafiante "La música de músico." Los músicos bebop más influyentes incluyen el saxofonista Charlie Parker, pianistas Bud Powell y Thelonious Monk, trompetistas Dizzy Gillespie y Clifford Brown, y el baterista Max Roach. Compositor Gunther Schuller escribió:

... En 1943 me enteré de la gran banda de Earl Hines, que tenía pájaro en él y todos los otros grandes músicos. Estaban jugando todos los acordes de quinta bemol y todas las armonías modernas y sustituciones y Dizzy Gillespie se ejecuta en la obra sección de trompetas. Dos años más tarde leí que eso era "bop" y el comienzo de jazz moderno ... pero la banda nunca hizo grabaciones.

Divorciarse de sí mismo de la música de baile, bebop establecido más como una forma de arte, disminuyendo así su potencial atractivo popular y comercial. Dizzy Gillespie escribió:

... La gente habla de la banda Hines ser "la incubadora de la balanza de pagos" y los principales exponentes de la música que terminaron en la banda de Hines. Pero las personas también tienen la impresión errónea de que la música era nueva. No lo fue. La música evolucionó a partir de lo que había antes. Era la misma música de fondo. La diferencia estaba en la forma en que obtuvo de aquí a aquí a aquí ... naturalmente cada edad tiene su propia mierda.

Ritmo

Desde bebop estaba destinado a ser escuchado, no bailado, podría usar tempos más rápidos. Drumming cambió a un estilo más difícil de alcanzar y explosivo, en el que el se utilizó platillo ride para mantener el tiempo, mientras que la caja y bombo se utilizaron para los acentos. Esto condujo a una complejidad rítmica altamente sincopado, lineal.

Armonía

Charlie Parker, Tommy Potter, Miles Davis, Max Roach (Gottlieb 06941)

Músicos Bebop emplean varios dispositivos armónicos no típicos del jazz anterior, la participación en una forma más abstracta de la improvisación basada en acorde. Escalas Bebop son las escalas tradicionales, con una nota de paso cromática añadido. Bebop también utiliza acordes "de paso", acordes sustitutos, y los acordes alterados. Las nuevas formas de cromatismo y la disonancia se introdujeron en el jazz; el disonante tritono (o "quinta bemol") se convirtió en el intervalo de "intervalo más importante del bebop" progresiones de acordes para canciones bebop se tomaron a menudo directamente de las canciones de la época de apogeo populares y reutilizados con una nueva y más compleja melodía, la formación de nuevas composiciones. Esta práctica ya estaba bien establecida en el jazz antes, pero llegó a ser central en el estilo bebop. Bebop hizo uso de varias progresiones de acordes relativamente comunes, como el blues (en la base, I-IV-V, pero impregnado de II-V de movimiento) y 'cambios de ritmo' (I-VI-II-V, los acordes a la década de 1930 pop estándar " I Got Rhythm. "Late bop también se movió hacia formas extendidas que representaban un alejamiento de pop y melodías. El desarrollo armónico de bebop, se traza a menudo de nuevo a un momento trascendente experimentado por Charlie Parker en el desempeño de "Cherokee" en Clark de Monroe Uptown House, Nueva York, a principios de 1942.

Había estado aburriendo con los cambios estereotipados que se estaban utilizando, ... y me quedé pensando que hay posibilidades de encontrar algo más. Podía oír a veces. No pude jugar .... yo estaba trabajando sobre 'Cherokee', y, como lo hice, me di cuenta de que mediante el uso de los intervalos mayores de un acorde como una línea de melodía y les respaldan con los cambios debidamente relacionados, que podía jugar lo que había estado escuchando. Llegó con vida-Parker.

Machito (maracas) y su hermana Graciela Grillo (claves)