Contrabajo
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 Vistas lateral y frontal de un bajo doble moderna con un arco de estilo francés | |
| Instrumento de cuerda | |
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| Otros nombres | Bajo, contrabajo, contrabajo, bajo acústico, contrabajo, violín bajo, contrabajo, violín bajo, violín toro, bajo caseta de perro, bajo de pie |
| Clasificación | Instrumento de cuerda ( inclinada o desplumado) |
| Clasificación Hornbostel-Sachs | 321,322-71 (Compuesto chordophone sonado por un arco) |
| Desarrollado | Siglo 15 |
| Gama Jugar | |
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| Instrumentos relacionados | |
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| Músicos | |
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El contrabajo, también llamado el bajo de cuerdas, contrabajo, violín bajo, violín bajo, bajo caseta de perro, contrabajo, viola da gamba, stand-up bajo o violín toro, es el más grande y el más bajo de tono inclinado instrumento de cuerda de la familia del violín en la moderna orquesta sinfónica , con secuencias adaptadas generalmente a E1, A1, D2 y G2 (ver afinación estándar). El contrabajo es un miembro de nivel de la sección de cuerdas de los conjuntos orquestales y más pequeño de cuerda en La música clásica occidental. Además, se utiliza en otros géneros como el jazz , al estilo de los años 1950 azules y rock and roll, rockabilly / psychobilly, tradicional de la música country , bluegrass, tango y muchos tipos de música popular . Una persona que juega el bajo doble que normalmente se conoce como bajista.
El contrabajo representa alrededor de 180 cm (seis pies) de desplazamiento para endpin, y por lo general se construye a partir de varios tipos de madera, incluidas las de arce para la espalda, abeto para la tapa, y ébano para el diapasón. No está claro si el instrumento es un descendiente de la viola da gamba o del violín, pero es tradicionalmente alineados con la familia del violín. Mientras que el contrabajo es casi idéntico en la construcción de otros instrumentos de la familia del violín, sino que también incluye características que se encuentran en la más vieja familia viola.
Al igual que muchos otros instrumentos de cuerda, el contrabajo se juega bien con un arco (arco) o desplumando las secuencias ( pizzicato). En el repertorio orquestal y música de tango, tanto en arco y pizzicato se emplean. En el jazz, el blues y el rockabilly, pizzicato es la norma, a excepción de algunos solos y también partes escritas ocasionales en jazz moderno que exigen una reverencia.
Al reproducir el contrabajo, el bajista ya sea en pie o se sienta en un taburete alto y se inclina el instrumento contra el cuerpo del bajista con el bajo se volvió ligeramente hacia el interior con el fin de llegar más fácilmente a las cuerdas. Esta postura es también una razón clave para los hombros inclinados del bajo, que marcan lo diferencia de los otros miembros de la familia del violín, como los hombros más estrechos facilitan jugar de las cadenas en sus registros más altos.
El contrabajo es un transposición de instrumentos y sonidos uno octava más baja que anotada.
Historia
El contrabajo es generalmente considerado como un descendiente moderno de la familia de las cuerdas de los instrumentos que se originó en Europa en el siglo 15, y como tal ha sido descrito como un bajo de violín. Antes del siglo 20 muchos contrabajos sólo tenía tres cuerdas, en contraste a las cinco y cincuenta y cinco cuerdas típicas de los instrumentos de la familia de las cuerdas o las cuatro cuerdas de los instrumentos de la familia del violín. Algunos instrumentos existentes, tales como los de Gasparo da Salò, se convierte de-siglo 16 contrabajo de seis cuerdas violoni.
La proporción doble de graves son diferentes a las del violín y violonchelo; por ejemplo, es más profunda (la distancia desde la parte superior hacia atrás es proporcionalmente mucho mayor que el violín). Además, si bien el violín ha abultado hombros, la mayoría de los contrabajos tienen hombros esculpidos con una pendiente más aguda, como miembros de la familia viola. Muchos contrabajos muy viejos han tenido sus hombros cortados o en pendiente para ayudar a jugar con las técnicas modernas. Antes de estas modificaciones, el diseño de sus hombros estaba más cerca de los instrumentos de la familia del violín.
El contrabajo es el único instrumento moderno de cuerda frotada que se sintoniza en cuartos (como un viol), en lugar de quintas partes (ver Sintonizar abajo). La cuestión de linaje exacta del instrumento sigue siendo un tema de debate, y la suposición de que el contrabajo es un descendiente directo de la familia viol es uno que no se ha resuelto del todo.
En su Una nueva historia del Bajo doble, Paul Brun afirma, con muchas referencias, que el contrabajo tiene orígenes como el verdadero graves del familia del violín. Afirma que, mientras que el exterior del contrabajo puede parecerse a la viola da gamba, la construcción interna del contrabajo es casi idéntico a los instrumentos de la familia del violín, y muy diferente de la estructura interna de violas.
Terminología
Una persona que desempeña este instrumento se llama un bajista, contrabajista, contrabajista, contrabajista, el contrabajista o bajista. El contrabajo nombres y contrabajo se refieren al rango del instrumento y su uso en la octava contra debajo del violonchelo, también llamado el 16 'octava con respecto al órgano de la iglesia. Los términos para el instrumento entre los artistas clásicos son contrabajo (que viene del nombre italiano del instrumento, contrabbasso), contrabajo (para distinguirlo de un instrumento bajo de latón en una orquesta de vientos), o simplemente bajo.
En el jazz y otros géneros fuera de la música clásica, este instrumento se llama comúnmente el contrabajo o bajo acústico, para distinguirla de la eléctrica el bajo. En folclórica y música bluegrass, el instrumento también se conoce como un violín bajo o violín bajo (o más raramente tan bajo perrera o violín toro). Otros apodos coloridos se encuentran en otros idiomas; en húngaro, por ejemplo, el contrabajo a veces se llama Bogo Nagy, que se podría traducir como "gran pregonero", en referencia a su gran voz.
Diseño
En general, existen dos enfoques principales para la forma del diseño esquema del contrabajo: la forma de violín (que se muestra en la imagen marcada a la derecha); y la forma gamba viola da (que se muestra en la imagen de cabecera). Un tercer diseño menos común, llamada la forma Busetto, también se puede encontrar, al igual que la guitarra o pera forma aún más raro. La parte posterior del instrumento puede variar de ser una ronda, tallado de nuevo similar a la del violín, a un plano y en ángulo hacia atrás similar a la familia viola.
El contrabajo cuenta con muchas partes que son similares a los miembros de la familia del violín, incluyendo un puente, efes, un cordal, un de desplazamiento y un poste de los sonidos. A diferencia del resto de la familia del violín, el contrabajo aún refleja la influencia, y puede considerarse derivada en parte, de la viol familia de instrumentos, en particular el violón, el miembro de la familia de graves viola.
El contrabajo también difiere de los miembros de la familia del violín en que los hombros están típicamente en pendiente, la parte posterior es a menudo en ángulo (tanto para permitir un acceso más fácil al instrumento, en particular en el rango superior), y sintonizadores de máquinas siempre están equipados. La falta de estandarización en el diseño significa que un contrabajista puede sonar y parecer muy diferente de otro.
Construcción
El contrabajo es más cercano en la construcción de violines, pero tiene algunas similitudes notables al violón (literalmente "gran viol"), el miembro más grande y el más bajo de la familia de la viola da gamba. A diferencia del violón, sin embargo, el diapasón del contrabajo es trastes, y el contrabajo tiene menos cuerdas (el violón, como la mayoría de las violas, generalmente tenía seis cuerdas, aunque algunos ejemplares tenían cinco o cuatro).
Una distinción importante entre el contrabajo y otros miembros de la familia del violín es la construcción de la clavijero. Si bien el violín, viola , violonchelo y todo el uso de la fricción clavijas para los ajustes de sintonización brutos, el contrabajo tiene metales cabezas de la máquina. La clave en la máquina de sintonía convierte un gusano de metal, que conduce un tornillo sin fin que serpentea la cadena. Si bien esta evolución hace que afinadores innecesario, un número muy pequeño de los bajistas usarlos sin embargo. En la base del contrabajo es una barra de metal con un extremo de punta llamada endpin, que se apoya en el suelo. Este endpin es generalmente más robusto que el de un cello, debido a la mayor masa del bajo doble.
Los materiales más utilizados en la construcción contrabajo son de arce (espalda, cuello, costillas), la picea (arriba), y el ébano (diapasón, tubo de desagüe). Las excepciones a esto son bajos menos costosos que tienen laminada ( de madera contrachapada) tapas, espalda y las costillas, y algunos bajos de gama media más recientes hechos de sauce . Estos bajos son resistentes a los cambios de calor y humedad, que pueden causar grietas en las tapas de abeto. Bajos laminado de contrachapado, que se utilizan en las escuelas de música, orquestas juveniles, y en los entornos de música popular y folk, son muy resistentes a la humedad y el calor, así que el abuso físico son propensos a encontrar en un ambiente escolar (o, por el blues y músicos populares, a los peligros de las giras y actuando en bares).
La soundpost y barra armónica son componentes de la construcción interna. Todas las partes de un contrabajo se pegan juntos, si no la soundpost, puente, y el cordal, que se mantiene en su lugar por la tensión de las cuerdas (aunque el soundpost suele permanecer en su lugar cuando las cuerdas del instrumento son aflojadas o retiradas). Las máquinas de ajuste de metal están unidos a los lados del clavijero con tornillos de metal. Si bien los mecanismos de ajuste en general difieren de los instrumentos de cuerda orquestales de tonos más altos, algunos bajos tienen no funcional, ornamental Clavijas de afinación que se proyectan desde el lado del clavijero, a imitación de las clavijas en un violonchelo o el violín.
Los responsables de graves dobles famosos vienen de todo el mundo y, a menudo representan variadas características nacionales. Los instrumentos más altamente buscado (y caros) provienen de Italia e incluyen bajos realizados por Giovanni Paolo Maggini, Gaspar da Salo, la familia Testore (Carlo Antonio, Carlo Giuseppe, Gennaro, Giovanni, Paulo Antonio), Celestino Puolotti, y Matteo Gofriller. Bajos franceses e ingleses también son buscados por los jugadores del más alto calibre.
Cuerdas
La historia del contrabajo está estrechamente unida al desarrollo de la tecnología de la cadena, ya que fue la llegada de cuerdas de tripa sobrecargadas, que primero debe hacerse el instrumento más general posible, como (sobre) las cadenas de la herida alcanzan notas bajas dentro de un diámetro de cadena global menor que las cadenas no herida.
Antes de la mitad del siglo 20, las cuerdas de contrabajo se hacen generalmente de gut, pero, desde entonces, el acero ha sustituido en gran medida, porque las cuerdas de acero mantienen su terreno de juego mejor y dar más volumen cuando se juega con el arco. Las cuerdas de tripa también son más vulnerables a los cambios de humedad y temperatura, y se rompen con mayor facilidad que las cuerdas de acero. Las cuerdas de tripa se utilizan hoy en día en su mayoría por los bajistas que tocan en conjuntos barrocos, bandas de rockabilly, tradicional bandas azules, y bandas de bluegrass. Gut cuerdas proporcionan la oscuridad ", Thumpy" sonido que se oye en los años 1940 y 1950 grabaciones. El fallecido Jeff Sarli, una de blues bajista vertical, dijo que, "A partir de la década de 1950, comenzaron a restablecer los cuellos en los bajos de cuerdas de acero." Rockabilly y bluegrass bajistas también prefieren intestino porque es mucho más fácil de realizar el estilo contrabajo "bofetadas" (en el que las cadenas se percusivamente abofetearon y hace clic en contra del diapasón) con cuerdas de tripa que con cuerdas de acero. (Para más información sobre las bofetadas, consulte las siguientes secciones en estilos modernos de juego , Contrabajo en la música bluegrass, Contrabajo en el jazz, y contrabajo en la música popular).
El cambio del intestino al acero también ha afectado técnica de interpretación del instrumento en los últimos cien años, porque el acero permite que las cadenas que se establecieron cerca del diapasón, y, además, las cadenas se puede jugar en las posiciones más altas en las cuerdas bajas y fijas producir tono claro. El clásico del siglo 19 Método Franz Simandl no utiliza la cuerda E en posiciones más altas, ya que, con cuerdas de tripa mayores establecieron alto sobre el diapasón, el tono no era claro en estas posiciones más altas. Sin embargo, con cuerdas de acero modernos, los bajistas pueden jugar con el tono claro en las posiciones más altas en la baja E y A cadenas, sobre todo cuando de calibre ligero moderno, se utilizan cuerdas de acero de baja tensión.
Arcos
El contrabajo arco viene en dos formas distintas (abajo). El "francés" o arco "volado" es similar en forma y aplicación a la proa utilizado en los demás miembros de la familia de instrumento de cuerda orquestal, mientras que el arco "alemán" o "mayordomo" es típicamente más amplio y más corto, y se mantiene en una posición de "apretón de manos".
Estos dos arcos proporcionan diferentes maneras de mover el brazo y la distribución de la fuerza en las cuerdas. Los defensores del arco francés sostienen que es más fácil de manejar, debido al ángulo en el que el jugador tiene la proa. Los defensores del arco alemán afirman que permite al jugador usar más peso del brazo en las cuerdas. Las diferencias entre los dos, sin embargo, son minutos para un jugador competente, y los jugadores modernos en las principales orquestas utilizan ambos arcos.
Arco alemán
El arco alemán (a veces llamado el arco Butler) es el mayor de los dos diseños. El diseño de la proa y la forma de celebrar que descienden de la familia de equipos viol más. Con violas mayores, antes de que se utilizan roscas de tornillo para apretar la proa, los jugadores llevan a cabo el arco con dos dedos entre el palo y el cabello para mantener la tensión del cabello. Los defensores del uso del arco alemán afirman que el arco alemán es más fácil de usar para los movimientos pesados que requieren una gran cantidad de energía.
En comparación con el arco francés, el arco alemán tiene un más alto rana, y se llevó a cabo con los palma hacia arriba en ángulo, como se hace para los miembros verticales de la familia viola. Cuando se mantiene de manera correcta, el pulgar se aplica la potencia necesaria para generar el sonido deseado. El dedo índice se encuentra con el arco en el punto donde la rana se encuentra con el palo. El dedo índice también se utiliza para aplicar un par de torsión hacia arriba a la rana al inclinar el arco. El dedo meñique (o "meñique") apoya la rana desde abajo, mientras que el dedo anular y el resto dedo medio en el espacio entre el cabello y el eje.
Arco francés
El arco francés no fue muy popular hasta su adopción por el virtuoso del siglo 19 Giovanni Bottesini. Este estilo es más similar a los arcos tradicionales de los instrumentos de la familia menores de cuerda. Se lleva a cabo como si la mano está descansando por el lado de la intérprete con la palma mirando hacia el bajo. El pulgar descansa en el eje de la proa, al lado de la rana mientras que los otros dedos cubren en el otro lado de la proa. Varios estilos dictan la curva de los dedos y el pulgar, al igual que el estilo de la pieza; una curva más pronunciada y espera más claro en el arco se utiliza para virtuosos o más delicadas piezas, mientras que una curva más plana y un agarre más robusto en la proa sacrifica algo de poder para facilitar el control en golpes como Detaché, spiccato y staccato.
Inclina la construcción y materiales
Arcos de contrabajo varían en longitud, que van desde 60 cm (24 ") a 75 cm (30"). Pernambuco, también conocido como brasil, es considerado como un material de la barra de calidad excelente, pero debido a su escasez y costo, se están utilizando cada vez más otros materiales. Menos caros arcos estudiantes pueden construir de sólido fibra de vidrio, o de menos valiosas variedades de palo brasil. Snakewood y fibra de carbono también se utilizan en los arcos de una variedad de diferentes cualidades. La rana del arco contrabajo se hace generalmente de ébano, aunque snakewood y búfalo cuerno son utilizados por algunos luthiers. La envoltura de alambre es de oro o plata en muchos arcos de calidad, y el pelo es normalmente pelo de caballo.
El arco de contrabajo se encadena ya sea con crin de color blanco o negro, o una combinación de los dos (conocido como "sal y pimienta"), en oposición a la crin blanca habitual utilizado en la proa de otros instrumentos de cuerda. Algunos bajistas argumentan que el pelo negro un poco más áspero "agarra" las cadenas más pesadas, más bajo mejor. Además, algunos bajistas y luthiers creen que es más fácil de producir un sonido más suave con la variedad blanca. El pelo rojo (castaño) también es utilizado por algunos bajistas. Algunos de los arcos por estudiantes de calidad más baja se hacen con el pelo sintético.
Colofonia
Aplican jugadores de Cuerda colofonia al pelo del arco por lo que se "agarre" la cadena y hacerla vibrar. Colofonia contrabajo es generalmente más suave y más pegajosa que la colofonia violín para permitir que el cabello para agarrar mejor las cuerdas más gruesas, pero los jugadores utilizar una amplia variedad de resinas que varían de muy difícil (como la colofonia violín) a bastante blandos, dependiendo del clima, la humedad, y la preferencia del jugador. La cantidad utilizada depende generalmente del tipo de música que está siendo realizado, así como las preferencias personales del jugador. Los bajistas pueden aplicar más resina en obras para orquesta grande (por ejemplo, las sinfonías de Brahms) que para las obras de cámara delicados. Algunas marcas de colofonia, como el doble de resina bajo de Pop, son más suaves y más propensos a la fusión cuando hace calor. Otras marcas, como Carlsson o Nyman Harts colofonia contrabajo, son más difíciles y menos propenso a la fusión.
Brea
La nota más baja de un contrabajo es un E 1 (en los bajos de cuatro cuerdas estándar) aproximadamente a 41 Hz o una B0 (cuando se utilizan cinco cuerdas) aproximadamente a 31 Hz, dentro de aproximadamente una octava por encima de la frecuencia más baja que el oído humano medio puede percibir como un campo de distintivo. La parte superior del rango diapasón del instrumento es normalmente cerca de la D dos octavas y una quinta por encima del terreno de juego abierto de la cuerda de Sol (G4) como se muestra en la ilustración rango encontrado en la cabecera de este artículo. Jugar más allá del extremo del diapasón se puede lograr tirando de la cadena ligeramente hacia un lado.
Muchas partes sinfónicas contrabajo y conciertos virtuosos emplean armónicos (también llamados tonos flageolet). Tanto naturales armónicos y armónicos artificiales, donde el pulgar se detiene la nota y la octava o otra armónica se activa tocando ligeramente la cuerda en el punto de nodo relativo, extender el rango del instrumento considerablemente.
Partes orquestales rara vez exigen el contrabajo exceda un rango de dos octavas (una excepción a esta regla es Carmina Burana de Orff, que pide tres octavas y una cuarta perfecta). Sin embargo, no hay límite duro a la gama superior de una solista virtuoso puede lograr usando armónicos naturales y artificiales. El alto armónico en la ilustración rango encontrado en la cabecera de este artículo puede ser tomado como representativo en lugar de normativo.
Instrumentos de cinco cuerdas tienen una cadena adicional típicamente sintonizado a una baja B debajo de la cadena E. Ocasionalmente, se añade una cadena superior en su lugar, sintonizado a la C por encima de la cadena G.
Instrumentos de cuatro cuerdas pueden disponer de la extensión C ampliación de la gama de la cadena E hacia abajo a la C.
Tradicionalmente, el contrabajo es un transposición de instrumento. Dado que gran parte de la gama del contrabajo se encuentra por debajo de la norma clave de fa, se notated una octava más alta de lo que parece. Esta transposición se aplica incluso cuando la lectura de la tenor y clave de sol, que se utilizan para evitar líneas adicionales excesivas cuando notating rango superior del instrumento. Existen otras tradiciones de notación; Música solista italiano normalmente se escribe en el campo de resonancia, y el "viejo" método alemán sonaba una octava por debajo de donde notación excepto en la clave de sol, donde la música fue escrita en campo.
Sintonización
El contrabajo es generalmente sintoniza cuartas partes, en contraste con otros miembros de la familia de las cuerdas de orquesta, que se sintoniza quintos. La afinación estándar (menor a mayor) es EADG, a partir de E infra segunda baja C ( tono de concierto). Esta es la misma que la afinación estándar de una guitarra baja y es uno octava más baja que las cuatro cuerdas de tono más bajo de afinación de guitarra estándar.
A lo largo de repertorio clásico, hay notas que caen por debajo del rango de un bajo doble estándar. Las notas por debajo de bajo E aparecen regularmente en las piezas de contrabajo que se encuentran en los arreglos posteriores e interpretaciones de La música barroca. Estas piezas son transposiciones de piezas escritas para otros instrumentos bajos utilizados antes del contrabajo moderno se convirtió en común y pueden realmente reducir la parte de una octava.
En el Era clásica, el contrabajo normalmente se duplicó la parte cello una octava por debajo, en ocasiones requiere descenso a C por debajo de la E del contrabajo de cuatro cuerdas. En el Era romántica y del siglo 20, compositores como Wagner , Mahler, Busoni y Prokofiev también pidió notas por debajo de la baja E. Hay dos métodos comunes para hacer estas notas disponibles para el jugador. Algunas de las principales orquestas europeas utilizan bajos con una quinta cuerda, sintonizado a B tres octavas y una semitono abajo medio C. Los jugadores con bajos dobles estándar (EADG) suelen jugar las notas abajo "E" una octava más alta.
En Gran Bretaña, Estados Unidos y Canadá, la mayoría de los jugadores profesionales de orquesta utilizan contrabajos de cuatro cuerdas y una extensión C, el cual se extiende la cuerda más hacia abajo lo más bajo C, una octava por debajo de la nota más baja en el violonchelo; más raramente, esta cadena se puede sintonizar a un mínimo de B, as). La extensión es una sección adicional de diapasón montado sobre la cabeza del bajo. Hay varias variedades de extensiones.
En las extensiones mecánicas simples, no hay ayudas mecánicas unidas a la extensión diapasón excepto una tuerca de seguridad para la nota "E". Para reproducir las notas de extensión, el jugador se remonta más de las clavijas para presionar la cadena para el diapasón. La ventaja de esta extensión "dedos" es que el jugador puede ajustar la entonación de la totalidad de la dejado de notas sobre la prórroga, y no hay ruidos mecánicos de llaves de metal y palancas. La desventaja de la extensión "dedos" es que puede ser difícil de realizar rápidas alternancias entre las notas bajas en la extensión y las notas en el diapasón regular, como una línea de bajo que alterna rápidamente entre "G" y el bajo D.
El tipo más simple de ayuda mecánica es el uso de "dedos" de madera que pueden ser cerrados para presionar la cadena hacia abajo y trastear la C♯, D, Eb, o notas mi. Este sistema es particularmente útil para líneas de bajo que tienen una repetición punto de pedal como un bajo D, porque una vez que la nota está bloqueado en su lugar con la mecánica "dedo", la cuerda más grave suena una nota diferente cuando jugó abierto (por ejemplo, un bajo D).
La ayuda mecánica más complicada para su uso con extensiones es el sistema de palanca mecánica apodado la máquina. Este sistema de palanca, que se asemeja superficialmente el mecanismo de codificación de instrumentos de lengüeta, como el fagot, monta palancas al lado del diapasón normal (cerca de la tuerca, en el lado cadena "E"), que activan de forma remota "dedos" de metal en el diapasón de extensión. Los sistemas de palanca de metal más caras también dan al jugador la posibilidad de "bloquear" notas en el diapasón de extensión, como en el de madera sistema de "dedo". Una de las críticas de estos dispositivos es que pueden dar lugar a chasquidos metálicos no deseados.
Un pequeño número de bajistas afinan sus cuerdas en quintas partes, como un cello, pero una octava más baja (CGDA menor a mayor). Esta afinación fue utilizado por el músico de jazz Red Mitchell y se utiliza cada vez más por los jugadores clásicos, especialmente el bajista canadiense Joel Quarrington. En solitario clásica tocando el contrabajo es generalmente sintonizado un tono entero superior (F ♯ -BEA). Esta afinación mayor se llama afinación en solitario, mientras que la afinación normal se conoce como "afinación orquestal." Tensión de la cuerda difiere mucho entre en solitario y puesta a punto de orquesta que se emplea a menudo un conjunto diferente de cadenas que tiene un calibre más ligero. Cuerdas siempre están etiquetados, ya sea en solitario o afinación orquestal, y publicado musical en solitario se dispone, ya sea para la sintonización en solitario o de orquesta. Algunos solos y conciertos populares, como la Koussevitsky Concierto están disponibles tanto en solitario y los arreglos orquestales de sintonía.
Muchos compositores contemporáneos especifican scordatura altamente especializado. Berio, por ejemplo, pide al jugador para afinar sus cuerdas EG♯-DG en Sequenza XIVb y Scelsi pide tanto FADE y FAFE en Nuits.
Una variante y forma mucho menos utilizada de tuning en solitario utilizado en algunos países de Europa del Este es (ADGC), que utiliza tres de las cuerdas de afinación orquestal (ADG) y luego agrega una alta cadena "C". Algunos bajistas con los bajos de cinco cuerdas utilizan una alta cadena "C" como la quinta cuerda, en vez de una cadena baja "B". Adición de la alta cadena "C" facilita el desempeño de repertorio solista con una tesitura alta (gama). Otra opción es utilizar tanto un bajo C (o B) de extensión y una cadena de alta C.
Al elegir un bajo con una quinta cuerda, el jugador debe decidir entre la adición de una cuerda afinada inferior o superior. Instrumentos de seis cuerdas son generalmente considerados como poco práctico. Para dar cabida a la cadena adicional, el diapasón es por lo general un poco más ancha, y la parte superior ligeramente más grueso para manejar el aumento de la tensión. Algunos instrumentos de cinco cuerdas se convierten instrumentos de cuatro cuerdas. Debido a que estos no tienen diapasones más amplios, algunos jugadores encontrarlos más difícil de dedo y el arco. Convertidos bajos de cuatro cuerdas generalmente requieren un nuevo tope, más grueso, o cadenas más ligeros para compensar el aumento de la tensión.
El juego y las consideraciones de rendimiento
Cuerpo y de la mano de posición
Bajistas dobles, ya sea de pie o sentarse a tocar el instrumento. La altura del instrumento se establece ajustando el endpin de tal manera que el jugador puede llegar a las zonas de juego deseados de las cuerdas con el arco o la mano desplume.
Los bajistas que están de pie y el arco a veces marcan el endpin alineando el primer dedo en cualquiera de las posiciones primera o media con altura de los ojos, aunque hay poca estandarización en este sentido.
Los jugadores que generalmente usan un taburete sobre la altura de la longitud de los pantalones entrepierna del jugador.
Tradicionalmente, dobles bajistas estaban cuando se juega en solitario y se sentaron cuando tocaron en la orquesta o la ópera en boxes. Ahora, estilos de juego se han especializado hasta el punto que uno de los jugadores rara vez puede llevar a cabo de manera satisfactoria tanto de pie como sentado. En consecuencia, ahora muchos se sientan solistas (como con Joel Quarrington, Jeff Bradetich, Thierry Barbé y otros) y orquestas a menudo emplean los bajistas de pie.
Al jugar en el rango superior del instrumento (por encima del G debajo del Do central), el jugador se desplaza la mano de detrás del cuello y se aplana hacia fuera, usando el lado del pulgar para presionar hacia abajo la cadena. Esta técnica también se utiliza en el violonchelo se llama posición del pulgar. Mientras jugaba en la posición de pulgar, algunos jugadores utilizan el cuarto (pequeño) dedo, ya que es demasiado débil para producir un tono confiable (esto también es cierto para los violonchelistas), aunque algunos acordes extremas o técnicas extendidas, sobre todo en la música contemporánea, pueden necesitar su uso.
Consideraciones físicas
Realizar en el bajo puede ser exigente físicamente porque las cuerdas son grandes y gruesas. Además, el espacio entre las notas en el diapasón es grande debido a la separación de longitud de la escala y la cadena, por lo que los jugadores tienen que cambiar de posición con frecuencia. El bajo es generalmente desalienta a las personas con brazos más cortos y las manos más pequeñas debido a las grandes diferencias de nota y las cuerdas gruesas. El aumento del uso de técnicas de juego, como la posición del pulgar y modificaciones a los graves, tales como el uso de cadenas más ligero de calibre en la tensión más baja, han aliviado la dificultad de tocar el instrumento. Partes de bajo tienen relativamente menos pasajes rápidos, paradas dobles, o grandes saltos en el rango. Estas partes se dan generalmente a la sección de violonchelo, porque es un instrumento más pequeño y por lo general se afinan juntos.
Al igual que con todos los no-trastes instrumentos de cuerda, los artistas deben aprender a poner sus dedos con precisión para producir el tono correcto. El movimiento de la mano más frecuente requerido por el tamaño del instrumento aumenta la probabilidad de errores de entonación. Para los bajistas con manos pequeñas, los grandes espacios entre lanzamientos pueden presentar un reto importante, especialmente en el rango más bajo, donde los espacios entre las notas son más grande.
Hasta la década de 1990, contrabajos de tamaño infantil no estaban ampliamente disponibles, y el gran tamaño de los graves significaba que los niños no fueron capaces de empezar a tocar el instrumento hasta su tamaño y altura de la mano les permitiría jugar un modelo 3/4-size (el tamaño más comúnmente disponibles). A partir de la década de 1990, más pequeño medio, cuarto, octavo y décimo sexto incluso instrumentos de tamaño se hizo más ampliamente disponibles, lo que significa que los niños pueden comenzar a una edad más joven.
Volumen
A pesar del tamaño del instrumento, no es tan fuerte como muchos otros instrumentos debido a su bajo rango. En una gran orquesta, generalmente entre cuatro y ocho bajistas juegan al unísono. En las orquestas más grandes, las secciones de graves pueden tener hasta diez o doce jugadores, pero las limitaciones presupuestarias modernas hacer secciones de graves este gran inusual.
Al escribir pasajes solistas para el bajo en la música orquestal o cámara, compositores suelen garantizar la orquestación es ligero por lo que no oculta el bajo. Mientras que la amplificación se utiliza muy poco en la música clásica, en algunos casos en los que un bajo solista realiza un concierto con una orquesta completa, sutil amplificación llamado realce acústico puede ser utilizado. El uso de micrófonos y amplificadores en un entorno clásico ha llevado a un debate dentro de la comunidad clásico, como "... los puristas sostienen que el sonido acústico natural de [Clásica] voces [o] instrumentos en una sala dada no debe ser alterado."
En muchos lugares no orquestales, como el jazz y el blues, la amplificación a través de un se emplea amplificador especializado y altavoces. Jugadores Bluegrass y jazz suelen utilizar menos amplificación de blues, psychobilly, o jugadores de banda de mermelada. En estos últimos casos, el alto volumen total debido a otros amplificadores e instrumentos puede conducir a realimentación acústica, un problema exacerbado por gran superficie de los graves y volumen interior. El problema de realimentación ha llevado al desarrollo de instrumentos como el contrabajo eléctrico, cuyas características de juego imita la del contrabajo.
Transporte
Gran tamaño El doble de bajo y relativa fragilidad hacen engorroso de manejar y transportar. La mayoría de los bajistas usan fundas, denominado bolsas de concierto, para proteger el instrumento durante el transporte. Básico, sin relleno bolsas de concierto usados por los estudiantes cuestan menos de 100 dólares, mientras que con almohadillas gruesas bolsas de concierto para jugadores profesionales suelen costar hasta 500 dólares. Algunos ejemplos más lleno de características con correas de la mochila al por menor de más de 1.000 USD. Algunos bajistas llevan su arco en un caso de arco duro. Los jugadores también pueden usar una pequeña cesta o funda y ruedas de pin-adjunto finales mover el bajo.
Flight cases duros han amortiguado interiores y exteriores difíciles de fibra de carbono, grafito, fibra de vidrio, o Kevlar . El costo del bien duro casos-USD 500 a más de US $ 2.500-tiende a limitar su uso a los profesionales de turismo.
Repertorio clásico
Solo funciona para contrabajo
1700
El contrabajo como instrumento solista disfrutó de un período de popularidad durante el siglo 18 y muchos de los compositores más populares de esa época escribió piezas para contrabajo. El contrabajo, a continuación, se refiere a menudo como el Violone utiliza diferentes afinaciones de región a región. El "ajuste vienesa" (A 1 -DF ♯ -A) era popular, y en algunos casos se añadió una quinta cuerda o incluso sexta cuerda (F 1 -A 1 -DF ♯ -A). La popularidad del instrumento está documentado en Segunda edición de Leopold Mozart de su Violinschule, donde escribe "Uno puede traer pasajes difíciles más fáciles con el violón de cinco cuerdas, y oí inusualmente hermosas interpretaciones de conciertos, tríos, solos, etc."
El concierto más antigua conocida para contrabajo fue escrito por Joseph Haydn ca.1763, y se presume perdido en el incendio de la biblioteca de Eisenstadt. Los conciertos más tempranas conocidas existentes son por Karl von Ditters Dittersdorf, que compuso dos conciertos para el contrabajo y una Sinfonía Concertante para viola y contrabajo. Otros compositores que han escrito los conciertos de este período incluyen Johann Baptist Vanhal, Franz Anton Hoffmeister (3 conciertos), Leopold Kozeluch, Anton Zimmermann, Antonio Capuzzi, Wenzel Pichl (2 conciertos), y Johannes Matthias Sperger (18 conciertos). Si bien muchos de estos nombres fueron figuras destacadas al público la música de su tiempo, por lo general son desconocidos por el público contemporáneo. Wolfgang Amadeus Mozart 's concierto aria, por Questa Bella Mano , K.612 para el bajo, contrabajo obbligato, y orquesta contiene impresionante escrito para contrabajo solista de ese período. Sigue siendo popular entre los cantantes y dobles bajistas hoy.
El contrabajo finalmente evolucionó para adaptarse a las necesidades de las orquestas que requerían notas más bajas y un sonido más fuerte. Los bajistas dobles que llevan desde mediados de los a-finales del siglo 18, como el Josef Kämpfer, Friedrich Pischelberger, y Johannes Mathias Sperger emplean la afinación "vienés". El bajista Johann Hindle (1792-1862), quien compuso un concierto para contrabajo, pionero afinar el bajo en cuartos, que marcó un punto de inflexión para el contrabajo y su papel en trabajos en solitario. El bajista Domenico Dragonetti fue un prominente figura musical y un conocido de Haydn y Ludwig van Beethoven . Su juego era conocido en todo el camino de su tierra natal Italia al zarismo de Rusia y se encontró con un lugar destacado en la realización de conciertos con la Sociedad Filarmónica de Londres.
La amistad de Beethoven con Dragonetti puede haberle inspirado para escribir difíciles, piezas separadas para el contrabajo en sus sinfonías, como los pasajes impresionantes en el tercer movimiento de la Quinta Sinfonía, el segundo movimiento de la Séptima Sinfonía, y el último movimiento de la Novena Sinfonía. Estas piezas no duplicar la parte de violonchelo. Dragonetti escribió diez conciertos para contrabajo y muchos trabajos en solitario para contrabajo y piano. Durante estancia de Rossini en Londres en el verano de 1824, compuso su Duetto para violonchelo y contrabajo para Dragonetti y el violonchelista David Salomons. Dragonetti jugó con frecuencia en un GDA sintonizado tres cuerdas de contrabajo de arriba a abajo. El uso de sólo las tres principales cadenas era popular para solistas bajo y bajistas Principales en orquestas en el siglo 19, ya que reduce la presión sobre la tapa de madera del bajo, que fue pensado para crear un sonido más resonante. Además, las cuerdas graves "E" que se utiliza durante el siglo 19 eran gruesas cuerdas hechas de tripa, que eran difíciles de sintonizar y el juego.
1800
En el siglo 19, el director de ópera, compositor y bajista Giovanni Bottesini fue considerado el " Paganini del contrabajo "de su tiempo. Sus composiciones fueron escritas en el estilo popular de la ópera italiana del siglo 19, que explotan el contrabajo de una manera que no fue visto de antemano. Requieren carreras virtuosos y grandes saltos a los más altos registros del instrumento, incluso en el reino de los armónicos. Estas composiciones se consideran ser injugable por muchos bajistas en la primera parte del siglo 20, pero ahora se realizan con frecuencia. Durante el mismo tiempo, una escuela importante de los bajistas en la región checa surgió, que incluyó Franz Simandl, Theodore Albin Findeisen, Josef Hrabe, Ludwig Manoly, y Adolf Misek. Simandl y Hrabe también eran pedagogos cuyos libros de método y estudios seguir utilizándose en los tiempos modernos.
1900-presente
La principal figura del contrabajo a principios del siglo 20 fue Serge Koussevitzky, más conocido como director de la Orquesta Sinfónica de Boston, que popularizó el contrabajo en los tiempos modernos como instrumento solista. Debido a mejoras en el contrabajo con cuerdas de acero y mejores reglajes, el bajo ahora se juega en un nivel más avanzado que nunca y cada vez más los compositores han escrito obras para el contrabajo. En la mitad del siglo, y en las décadas siguientes, muchos de los nuevos conciertos fueron escritos para el contrabajo, incluyendo el Concierto de Nikos Skalkottas (1942), el Concierto de Eduard Tubin (1948), Concertino de Lars-Erik Larsson (1957), el Concierto de Gunther Schuller (1962 ), de Hans Werner Henze Concerto (1966) y de Frank proto Concierto No. 1 (1968).
Desde la década de 1960 hasta finales de siglo Gary Karr fue el principal defensor del contrabajo como instrumento solista y participó activamente en la puesta en marcha o tener cientos de nuevas obras y conciertos escritas especialmente para él. Karr fue dada famoso contrabajo solista de Koussevitzky por Olga Koussevitsky y tocaba en conciertos en todo el mundo durante 40 años antes de que, a su vez, da el instrumento a la Sociedad Internacional de Bajistas para solistas talentosos para utilizar en concierto. Otro artista importante en este período, Bertram Turetzky, encargó y estrenó más de 300 obras de graves dobles.
En los años 1970, 1980 y 1990, los nuevos conciertos incluidosde Nino RotaDivertimento para Contrabajo y Orquesta(1973),el Concierto de Jean Françaix (1975),de Frank proto Concierto No. 2,de Einojuhani RautavaaraÁngel de la Oscuridad(1980),el Concierto de Gian Carlo Menotti (1983),el Concierto de Christopher Rouse (1985),Redes de Henry Brant Ghost (1988) yFrank proto de "Carmen Fantasía para Contrabajo y Orquesta" (1991) y "Cuatro escenas después de Picasso" Concierto No.3 (1997).
En la primera década del siglo 21, los nuevos conciertos incluyen"Nueve variantes de Paganini" de Frank proto (2002),el Concierto de Kalevi Aho (2005),de John HarbisonConcierto para Viol bajo(2006), yde André Previn Doble Concierto para violín, contrabajo y orquesta (2007).
Reinhold Glière escribió un Intermezzo y Tarantella para contrabajo y piano, Op. 9, N ° 1 y N ° 2 y un Praeludium y Scherzo para contrabajo y piano, Op. 32 No.1 y No.2. Paul Hindemith escribió un rítmicamente desafiando Contrabajo Sonata en 1949. Frank proto escribió su Sonata "1963" para Contrabajo y Piano. En la Unión Soviética, Mieczysław Weinberg escribió su Sonata No. 1 para contrabajo solista en 1971. Giacinto Scelsi escribió dos piezas de contrabajo llamados Nuits en 1972, y luego en 1976, escribió Maknongan , una pieza para cualquier instrumento en voz baja, como el contrabajo, contrabassoon o tuba. Vicente Persichetti escribió en solitario obras que llamó " Parábolas "-para muchos instrumentos. Escribió Parábola XVII para Contrabajo, Op. 131 en 1974. Sofia Gubaidulina escribió una Sonata para contrabajo y piano en 1975. En 1977 el compositor holandés-húngaro Geza Frid escribió un conjunto de variaciones sobre el elefante de Saint-Saëns ' Le Carnaval des Animaux para scordatura Contrabajo y orquesta de cuerda. En 1987 Lowell Liebermann escribió su Sonata para contrabajo y piano Op.24. Fernando Grillo escribió el "número 1 Suite" para contrabajo (1983/2005). Jacob Druckman escribió una pieza para contrabajo solista titulado de San Valentín . EEUU solista de contrabajo y compositor Bertram Turetzky (nacido en 1933) ha realizado y registrado más de 300 piezas escritas por y para él. Él escribe la música de cámara, música barroca, clásica, jazz, música del renacimiento, música de improvisación y la música del mundo
EEUU compositor minimalista Philip Glass escribió un preludio se centró en la parte baja de registro que anotó para timbales y contrabajo. Compositor italiano Sylvano Bussotti, cuya carrera de composición abarca desde 1930 hasta la primera década del siglo 21, escribió un trabajo en solitario para el bajo en 1983 titulado Naked Face Ángel por contrabbasso . Fellow compositor italiano Franco Donatoni escribió una pieza llamada Lem para contrabbasso en el mismo año. En 1989, el compositor francés Pascal Dusapin (nacido en 1955) escribió una pieza en solitario llamado En et fuera para contrabajo. En 1996, el compositor libanés entrenado Sorbona Karim Haddad compuesta Ce qui dort dans l'ombre sacrée ("El que duerme en las sombras sagradas") para de Radio France Festival Presencia. Renaud García-Fons (nacido en 1962) es un contrabajo Francés jugador y compositor, que destaca por la elaboración en el jazz, el folk y la música de Asia para las grabaciones de sus piezas como Oriental Bass (1997). Dos obras recientes importantes escritas para contrabajo solista incluyen, de Mario Davidovsky Sincronismos No.11 para contrabajo y sonidos electrónicos y de Elliott Carter Figment III, para contrabajo solista. El compositor alemán Gerhard Stäbler escribió Co-wie Kobalt (1989-1990), "... una música para contrabajo solista y gran orquesta." Charles Wuorinen añadió varias obras importantes en el repertorio, Spinoff trío para contrabajo, violín y conga tambores y Trío para Instrumentos Bass contrabajo, tuba y trombón bajo, y en 2007 Synaxis para contrabajo, trompa, oboe y clarinete con timbales y cuerdas. La posición más reciente en el repertorio es una suite "Siete Pantallas" para contrabajo y piano (2005) del compositor ucraniano Alexander Shchetynsky con parte solista que incluye muchos métodos no convencionales de tocar el contrabajo.
La música de cámara con el contrabajo
Puesto que no hay conjunto instrumental establecido que incluye el contrabajo, su uso en la música de cámara no ha sido tan exhaustiva como la literatura para conjuntos como el cuarteto de cuerda o trío de piano. A pesar de esto, hay un número considerable de obras de cámara que incorporan el contrabajo en ambos conjuntos pequeños y grandes.
Hay un pequeño conjunto de obras escritas para quinteto de piano con la instrumentación de piano, violín, viola, violonchelo y contrabajo. El más famoso es Franz Schubert 's Quinteto con piano en La mayor, conocido como "El Quinteto La Trucha "por su conjunto de variaciones en el cuarto movimiento de Schubert Die Forelle . Otras obras de este instrumentación por escrito de aproximadamente el mismo período incluyen las de Johann Nepomuk Hummel, George Onslow, Ladislav Dussek Ene, Louise Farrenc, Ferdinand Ries, Franz Limmer, Johann Baptist Cramer, y Hermann Goetz. Compositores posteriores que escribieron obras de cámara para este quinteto incluyen Ralph Vaughan Williams , Colin Matthews, Jon Deak, Frank Proto, y John Woolrich. Sextetos Ligeramente más grandes escritas para piano, cuarteto de cuerda, y contrabajo se han escrito por Felix Mendelssohn , Mikhail Glinka, Richard Wernick y Charles Ives.
En el género de los quintetos de cuerda, hay algunas obras para cuarteto de cuerda con contrabajo.de Antonín Dvořák Quinteto de cuerda en sol mayor, Op.77 yWolfgang Amadeus MozartSerenade 's en sol mayor, K.525 ("Eine kleine Nachtmusik " ) son las piezas más populares en este repertorio, junto con obras deDarius Milhaud,Luigi Boccherini (3 quintetos),Harold Shapero, y Paul Hindemith.
Ligeramente más pequeña cadena trabaja con el contrabajo incluirá seis sonatas de cuerda deGioachino Rossini, para dos violines, cello y contrabajo escrito a la edad de doce años en el transcurso de tres días de 1804. Estos permanecerán sus obras instrumentales más famosos y tienen también sido adaptado para cuarteto de viento.Franz Anton Hoffmeister escribió cuatro Cuartetos de Cuerda en solitario Contrabajo, Violín, Viola, Cello y en Re Mayor.Frank proto ha escrito un Trío para violín, viola y contrabajo (1974), 2 dúos para violín y Contrabajo (1967 y 2005), yLos Juegos de octubrepara Oboe / Corno Inglés y Contrabajo (1991).
Las obras más grandes que incorporan el contrabajo incluyen Beethoven Septeto 's en mi bemol mayor, Op.20, una de sus piezas más famosas durante su vida, que consiste en clarinete, trompa, fagot, violín, viola, violonchelo y contrabajo. Cuando el clarinetista Ferdinand Troyer encargó una obra de Franz Schubert por fuerzas similares, agregó un violín más por su Octeto en fa mayor, D.803. Paul Hindemith utiliza la misma instrumentación como Schubert por su propia Octeto. En el ámbito de las obras aún mayores, Mozart incluido el contrabajo, además de 12 instrumentos de viento para su " Gran Partita "Serenade, K.361 y Martinů utiliza el contrabajo en su nonet para quinteto de viento, violín, viola, violonchelo y el bajo.
Otros ejemplos de obras de cámara que utilizan el contrabajo en conjuntos mixtos incluyen Quinteto de Serge Prokofiev en Sol menor, Op.39 para oboe, clarinete, violín, viola y contrabajo; Concertino de Erwin Schulhoff para flauta / piccolo, viola y contrabajo ; de Frank Proto Fragmentos afro-americanos para clarinete bajo, violonchelo, contrabajo y narrador y Sexteto para clarinete y cuerdas; Valses de Fred Lerdahl para violín, viola, violonchelo y contrabajo; Letanía de Mohammed Fairouz para contrabajo y cuarteto de viento; Mario Davidovsky de Festino para guitarra, viola, violonchelo y contrabajo; y de Iannis Xenakis Morsima-Amorsima para piano, violín, violonchelo y contrabajo. También hay nuevos grupos de música que utilizan el contrabajo como Time for Three y PROYECTO Trio.
Pasajes orquestales y solos
El contrabajo en los periodos barroco y clásico típicamente el doble de la parte de violonchelo en pasajes orquestales. Una notable excepción sería Haydn, que compuso pasajes solistas para el contrabajo en su Sinfonías No.6 Le Matin , No.7 Le midi , No.8 Le Soir , No. 31 Cuerno de señal , y Nº 45 de despedida , pero que de lo contrario agruparía el bajo y cello partes juntos. Beethoven allanó el camino para las piezas contrabajo separadas, que se hicieron más comunes en la romántica época. La scherzo y trío de Beethoven Quinta Sinfonía son extractos orquestales famosos, como es el recitativo al comienzo del cuarto movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven .
Si bien solos de bajo orquestales son algo raro, hay algunos ejemplos notables. Johannes Brahms, cuyo padre era un contrabajista, escribió muchas piezas difíciles y prominentes para el contrabajo en sus sinfonías. Richard Strauss asignado el contrabajo atreverse partes, y su poemas sinfónicos y óperas estirar el instrumento a sus límites. "El Elefante" de Camille Saint-Saëns ' El carnaval de los animales es un retrato satírico del contrabajo, y el virtuoso estadounidense Gary Karr hizo su debut en televisión jugando "The Swan" (originalmente escrito para el violonchelo), con la Filarmónica de Nueva York llevada a cabo por Leonard Bernstein. el tercer movimiento de Gustav Mahler primera sinfonía cuenta con un solitario para el contrabajo que cita la canción infantil Frere Jacques , transpuesta en un tono menor. de Sergei Prokofiev teniente Kijé suite cuenta con un difícil y muy alta solista de contrabajo en el "Romance" movimiento. Benjamin Britten 's Guía de orquesta para jóvenes contiene un pasaje prominente para la sección de contrabajo.
Conjuntos Contrabajo
Conjuntos formados enteramente de contrabajos, aunque relativamente rara, también existen, y varios compositores han escrito o dispuesto que dichos conjuntos. Las composiciones para cuatro contrabajos existen por Gunther Schuller, Jacob Druckman, James Tenney, Robert Ceely, Ene Alm, Bernhard Alt, Norman Ludwin, Frank Proto, Joseph Lauber, Erich Hartmann, Colin Brumby, Miloslav Gajdos y Theodore Albin Findeisen. escribió Bertold Hummel una piccola Sinfonia durante ocho contrabajos. Trabajos conjuntos más grandes incluyen de Galina Ustvolskaya Composition No. 2, "Dies Irae" (1973), durante ocho contrabajos, piano, y el cubo de madera, Jorge José Serebrier y Muriel (1986), para el bajo solista, conjunto contrabajo y coros, y Gerhard Samuel de Lo de mi música! (1979), para soprano, percusión y 30 contrabajos.
Conjuntos de bajos dobles activos incluyen L'Orchestre de Contrebasses (6 miembros), Bajo Instinto (6 miembros), BASSIONA Amorosa (6 miembros), el Chicago Bass Ensemble (4+ miembros), The Bass Gang (4 miembros), el doble de Londres Bass Ensemble (6 miembros) fundada por miembros de la Orquesta Filarmónica de Londres, que produjeron los LP Música Interludios de Londres Contrabajo Ensemble en los registros de Bruton Música, Brno bajos orquestales doble (14 miembros), fundada por el profesor de contrabajo en Janáček Academia de Música y Artes Escénicas y el director contrabajista en la Orquesta Filarmónica de Brno - Miloslav Jelinek, y los conjuntos de la Universidad Ball State (12 miembros), la Universidad de Shenandoah, y la Hartt School of Music. El Bass Base de Amarillo Amarillo, Texas, una vez ofrecido 52 bajistas dobles y al London Double Bass Sound, que han lanzado un CD en Cala Records, con 10 jugadores.
Además, las secciones de bajos dobles de algunas orquestas realizan como un conjunto, como la Orquesta Sinfónica de Chicago Wacker Consort. Hay un número creciente de composiciones y arreglos publicados para conjuntos de contrabajo, y la Sociedad Internacional de Bajistas cuenta regularmente conjuntos de contrabajo (ambos conjuntos más pequeños, así como muy grandes conjuntos "graves masa") en sus conferencias, y patrocina la bienal David Walter Composición de la Competencia, que incluye una división de obras doble conjunto de graves.
Utilice en el jazz
Comenzando alrededor de 1890, a principios del New Orleans Jazz ensemble (que jugó una mezcla de marchas, ragtime y Dixieland) fue inicialmente una banda de música con una tuba o sousaphone (u ocasionalmente saxofón bajo) el suministro de la línea de bajo. Cuando la música se trasladó a bares y prostíbulos, el contrabajo reemplazado gradualmente estos instrumentos de viento. Muchos bajistas primeros duplicaron tanto en el bajo de latón y bajo de secuencia , ya que los instrumentos fueron a menudo se hace referencia. Bajistas jugaron "caminando" líneas basadas líneas escala-bass que describen la armonía.
Debido a un bajo vertical sin amplificar es generalmente el instrumento más tranquila en una banda de jazz, muchos jugadores de la década de 1920 y 1930 utilizaron el estilo slap , golpeando y tirando de las cuerdas para que hagan un rítmico sonido "bofetada" contra el diapasón. Los recortes de estilo bofetada a través del sonido de una banda mejor que simplemente pulsar las cuerdas, y permitieron que el bass a ser oído con mayor facilidad en las grabaciones sonoras tempranas, ya que el equipo de grabación de ese tiempo no favoreció bajas frecuencias. Para más información sobre el estilo de la palmada, consulte modernos estilos de juego , a continuación.
Muchos bajistas verticales han contribuido a la evolución del jazz. Algunos ejemplos son los jugadores era del swing como Jimmy Blanton, quien jugó con Duke Ellington, y Oscar Pettiford, que fue pionero en el uso del instrumento en el bebop. Paul Chambers (que trabajó con Miles Davis en la famosa Kind of Blue álbum) alcanzó renombre por ser uno de los primeros bajistas de jazz jueguen solos bebop con el arco. Terry Plumeri fomentó el desarrollo de arco (inclinada) solos, lograr la libertad técnico-cuerno y un tono inclinó vocal clara, mientras que Charlie Haden, más conocido por su trabajo con Ornette Coleman , que se define el papel de los graves de Free Jazz.
Un número de otros bajistas, comoRay Brown,Slam de Stewart yNiels-Henning Ørsted Pedersen, fueron centrales en la historia del jazz. Notablemente, Charles Mingus era un compositor de gran prestigio, así como un bajista que destaca por su virtuosismo técnico y un sonido potente.de Scott LaFaro influenciado a una generación de músicos liberando los bajos de contrapunto "caminar" detrás solistas vez que favorecen, melodías de conversación interactivas.
Si bien el bajo eléctrico fue utilizado de forma intermitente en el jazz ya en 1951, a partir de la década de 1970 el bajista Bob Cranshaw, jugando con el saxofonista Sonny Rollins, y los pioneros de fusión Jaco Pastorius y Stanley Clarke comenzó a sustituir comúnmente el bajo para el bajo vertical. Además de los estilos de jazz de la fusión del jazz y el jazz con influencias de América sin embargo, el bajo vertical sigue siendo el instrumento bajo dominante en el jazz. El sonido y el tono del contrabajo desplumado es distinta de la de la guitarra con trastes bajo. El contrabajo produce un sonido diferente a la guitarra baja, debido a que sus cadenas no son detenidos por metales trastes, lugar que tiene una gama tonal continua en el diapasón ininterrumpida. Además, los bajos generalmente tienen un cuerpo de madera maciza, lo que significa que su sonido es producido por la amplificación electrónica de la vibración de las cuerdas, en lugar de reverberación acústica del bajo vertical.
El contrabajo es el instrumento de graves más comúnmente utilizado en la música bluegrass y casi siempre es arrancado, aunque algunos bajistas bluegrass modernos también han utilizado un arco. El bajista bluegrass es parte de la sección de ritmo, y es responsable de mantener un ritmo constante, ya sea rápido, lento, en 4/4, 2/4 o 3/4 del tiempo. La Engelhardt-Link (anteriormente marcas de bajos laminados Kay) tienen mucho sido opciones populares para los bajistas bluegrass. La mayoría de los bajistas bluegrass utilizan el contrabajo 3/4 tamaño, pero el de tamaño completo y 5/8 bajos de tamaño también se utilizan.
Temprano música tradicional pre-bluegrass fue acompañado a menudo por el violonchelo. El violonchelista Natalie Haas señala que en los EE.UU., usted puede encontrar "... fotografías antiguas, e incluso grabaciones antiguas, de bandas de cadenas americanas con violonchelo." Sin embargo, "El violonchelo se perdió de vista en la música popular, y llegó a ser asociado con la orquesta." El violonchelo no reapareció en bluegrass hasta la década de 1990 y la primera década del siglo 21. Algunas bandas bluegrass contemporáneas favorecen el bajo eléctrico, porque es más fácil de transportar que el bajo vertical grande y un tanto frágil. Sin embargo, el bajo tiene un sonido musical diferente. Muchos músicos sienten el ataque más lento y percusivo tono, arbolado del contrabajo da un toque más "terrenal" o el sonido "natural" que un bajo eléctrico, sobre todo cuando se utilizan cuerdas de tripa.
Ritmos comunes en tocar el bajo bluegrass implican (con algunas excepciones) arrancando en los tiempos 1 y 3 en 4/4; late 1 y 2 en 2/4 tiempo, y en el tiempo fuerte en 3/4 de tiempo (tiempo de vals). Líneas de bajo Bluegrass suelen ser simples, por lo general permanecen en la raíz y quinta de cada acorde en la mayor parte de una canción. Hay dos excepciones principales a esta regla. Bluegrass bajistas suelen hacer una diatónica sin ascensor o Walkdown, en el que juegan cada latido de un bar para una o dos barras, por lo general cuando hay un cambio de acorde. Además, si un bajista se da un solo, que pueden jugar un línea de bajo a pie con una nota en cada latido o jugar una línea de bajo pentatónica escala de influencia.
Un bajista bluegrass levantarse temprano a la fama fue Howard Watts (también conocido como Cedric agua de lluvia), que jugó con Blue Grass Boys comienzo de Bill Monroe en 1944. El bajista clásica Edgar Meyer ha ramificado con frecuencia hacia newgrass, de los viejos tiempos, el jazz, y otros géneros. "Mi favorito absoluto es Todd Phillips, "proclamó Union Station el bajista Barry Bales en abril de 2005." Él trajo una manera completamente diferente de pensar y jugar bluegrass. "
Un contrabajo era el instrumento bajo estándar en el tradicional música occidental del país . Mientras que el bajo vertical sigue siendo en ocasiones utiliza en la música country , el bajo eléctrico ha sustituido en gran medida su primo más grande en la música country, especialmente en los países más estilos pop-infundido de los años 1990 y 2000, como nuevo país .
El bajo de estilo Slap
El bajo de estilo Slap veces se utiliza en el bajo bluegrass de juego. Cuando bajistas bluegrass bofetada la cadena tirando de él hasta que llega el diapasón o golpear las cuerdas contra el diapasón, añade el agudo "clack" de percusión o "bofetada" sonido de las notas bajas de tono bajo, que suena muy similar a la clacks de un bailarín de claqué. Cacheteada es un tema de controversia de menor importancia en la escena bluegrass. Incluso los expertos golpeando como Mike Bub dicen: "No palmada en cada concierto", o en las canciones en las que no es el adecuado. Además, los bajistas bluegrass que juegan al estilo palmada en vivo menudo bofetada menos en los registros. Bub y su mentor Jerry McCoury raramente bofetada bajo en grabaciones. Mientras que los bajistas como slap bass Jack Cocine en el ocasional más rápido "Clinch Mountain Boys canción," bajistas como Gen Libbea, Missy Raines, Jenny Keel, y Barry Bales [raramente] slap bass.
El bajista Bluegrass Marcos Schatz, quien enseña slap bass en su Intermedio Bajo del Bluegrass DVD reconoce que slap bass "... no ha sido estilísticamente muy predominante en la música que he grabado." Él señala que "incluso en el bajo tradicional bluegrass bofetada sólo aparece esporádicamente y la mayoría de lo que he hecho ha sido en el lado más contemporáneo de ese (Tony Rice, Tim O'Brien)." Schatz afirma que sería "... más propensos a usarlo [bofetada] en una situación real que en una grabación de un solo o de puntuar un lugar determinado de una canción o melodía, donde no estaría borrando en solitario de alguien ". Otro método bluegrass, Aprende a tocar Bluegrass Bass , por Earl Gately, también enseña la técnica de bajo bluegrass bofetada.
El uso en la música popular
En 1952, el contrabajo es un instrumento habitual en la música rock and roll, Marshall Lytle de Bill Haley & His Comets ser sólo un ejemplo. En la década de 1940, un nuevo estilo de música de baile llamado el rhythm and blues desarrollado, incorporando elementos de los estilos anteriores de blues y swing. Louis Jordan , el primer innovador de este estilo, contó con un contrabajo en su grupo, el timpanismo Cinco. El contrabajo seguía siendo una parte integral de alineaciones pop en toda la década de 1950, ya que el nuevo género de Rock and Roll fue construido en gran medida del modelo de rhythm and blues, con elementos fuertes también derivados de jazz, country y bluegrass. Sin embargo, los bajistas verticales utilizando sus instrumentos en estos contextos enfrentan problemas inherentes. Se vieron obligados a competir con los instrumentos más fuertes de cuerno (y guitarras eléctricas después amplificados), por lo que partes de bajo difícil de escuchar. El contrabajo es difícil para amplificar en entornos ruidosos sala de conciertos, ya que puede ser propenso a retroalimentación aullidos . El contrabajo es grande y difícil de transporte, que también creó problemas de transporte para las bandas de gira. En algunos grupos, el slap bass se utilizó como banda de percusión en lugar de un baterista; tal fue el caso de Bill Haley & His Saddlemen (el grupo precursor de los cometas), que no utilizan baterías en grabaciones y actuaciones en directo hasta finales de 1952; antes de este bajo la bofetada fue invocado por percusión, incluyendo en las grabaciones como las versiones de Haley de Rock the Joint y Rocket 88.
En 1951, Leo Fender lanzado de forma independiente su Precision Bass, el primer éxito comercial bajo eléctrico. El bajo eléctrico fue fácilmente amplificado con sus recolecciones incorporadas, fácilmente portátiles (menos de un pie más largo que una guitarra eléctrica), y más fáciles de jugar en sintonía, gracias a los trastes de metal. En los años 1960 y 1970 bandas estaban jugando a un volumen más fuerte y actuando en lugares más grandes. El bajo eléctrico fue capaz de proporcionar la enorme altamente amplificado tono, estadio de llenado bajo que la música pop y rock de esta época exigía, y el contrabajo retrocedido desde el centro de atención de la escena de la música popular.
El contrabajo comenzó a hacer una reaparición modesta en la música popular a mediados de la década de 1980, en parte debido a un renovado interés por las formas anteriores de la música rock y el país. En la década de 1990, las mejoras en las camionetas y los diseños de amplificadores para bajos horizontales y verticales electro-acústica hacen que sea más fácil para los bajistas para conseguir un buen tono, claro amplificado a partir de un instrumento acústico. Algunas bandas populares decidieron anclar su sonido con un bajo vertical en lugar de un bajo eléctrico. Una tendencia para las actuaciones "Unplugged" ayudó aún más para mejorar el interés del público en el contrabajo y guitarras bajas acústicas.
Jim Creeggan de Barenaked Ladies juega principalmente bajo vertical, a pesar de que ha jugado cada vez más el bajo en toda la carrera de la banda. Athol individuo del grupo de folk / pop australiana The Seekers juega un contrabajo. Shannon Burchell, del grupo de folk-rock australiana The John Butler Trio, hace uso extensivo de bajos verticales, actuando solos extendidos en vivo canciones como Betterman. En el álbum 2008 en el parque del oído por la banda de indie / pop Departamento de Águilas, un bajo vertical inclinada aparece muy destacada en las canciones de los adolescentes y en el parque del oído . Banda ompa-rock noruega Orquesta Kaizers utilizar el contrabajo exclusivamente tanto en vivo como en sus grabaciones.
Bajistas de Hank Williams III (Joe Buck y Zach Shedd, sobre todo) han utilizado bajos verticales para la grabación, así como durante los países y Hellbilly conjuntos de actuaciones en directo de Hank III antes de cambiar a bajo eléctrico para elconjunto Assjack.
Estilos de juego modernos
En los géneros de la música popular, el instrumento se juega generalmente con la amplificación y casi tocaba exclusivamente con los dedos, pizzicato estilo. El estilo pizzicato varía entre los diferentes actores y géneros. Algunos jugadores realizan con los lados de uno, dos, o tres dedos, especialmente para líneas de bajo y baladas de tempo lento caminar, porque esto se pretende para crear un tono más fuerte y más sólido. Algunos jugadores usar los consejos más ágiles de los dedos para jugar rápido movimiento pasajes solistas o para arrancar la ligera para uso tunes.The tranquila de amplificación permite al jugador a tener más control sobre el tono del instrumento, ya que los amplificadores tienen controles de ecualización que permiten el bajista para acentuar ciertas frecuencias (a menudo las frecuencias graves), mientras que de-acentuando algunas frecuencias (a menudo las altas frecuencias, por lo que hay menos ruido dedo).
El tono de un bajo acústico sin amplificar está limitada por la capacidad de respuesta de frecuencia del cuerpo hueco del instrumento, lo que significa que los tonos muy bajos pueden no ser tan fuerte como los tonos más altos. Con un dispositivos de amplificación y ecualización, un bajista puede aumentar las frecuencias bajas, lo que iguala la respuesta de frecuencia. Además, el uso de un amplificador puede aumentar el sustain del instrumento, que es particularmente útil para el acompañamiento durante baladas y para los solos melódicos con notas retenidos.
En el jazz tradicional, swing, polka, rockabilly, psychobilly y la música, a veces se jugó en el estilo de la palmada . Esta es una versión enérgica de pizzicato donde las cuerdas son "una bofetada" contra el diapasón entre las principales notas de la línea de bajo, produciendo un sonido de percusión tambor-como trampa. Las notas principales son o bien reproducir normalmente o tirando de la cuerda de distancia de la diapasón y liberarlo de modo que rebota en el diapasón, produciendo un ataque de percusión distintivo además del terreno de juego esperado. Bajistas estilo bofetada notables, cuyo uso de la técnica fue a menudo muy sincopado y virtuoso, a veces interpolados dos, tres, cuatro, o más bofetadas en entre las notas de la línea de bajo.
"Estilo Slap" puede haber influido guitarristas bajo eléctrico que, desde mediados de los años sesenta (en particular, Larry Graham, de Sly and the Family Stone), desarrollaron una técnica llamada bofetada y popque utiliza el dedo pulgar de la mano desplume para golpear la cadena, haciendo un sonido bofetadas pero aún dejando el anillo nota, y el índice o el dedo medio de la mano desplume para tirar de la cadena de nuevo por lo que golpea el diapasón, logrando el sonido pop se ha descrito anteriormente.
Bajistas dobles
Histórico
- Domenico Dragonetti (1763-1846)Virtuoso, compositor, director de orquesta
- Giovanni Bottesini (1821-1889) Virtuoso, compositor, director de orquesta
- Franz Simandl (1840-1912) Virtuoso, compositor,pedagogo
- Edouard Niñera (1872-1943) Virtuoso, compositor
- Serge Koussevitzky (1874-1951) Virtuoso, compositor, director de orquesta
Contemporary (1900-presente)
Clásico
Algunos de los bajistas más influyentes contemporáneas clásicas dobles son conocidos tanto por su contribución a la pedagogía como por sus habilidades escénicas, como el de Estados Unidos el bajista Oscar G. Zimmerman (1910-1987), conocido por su enseñanza en la Eastman School of Music y , durante 44 veranos en el Interlochen Campamento Nacional de Música de Michigan y el bajista francés François Rabbath (b. 1931) que desarrolló un nuevo método de bajo que divide todo el diapasón en seis posiciones. Los bajistas observados por sus habilidades como solista virtuoso incluyen jugador canadiense Gary Karr (b. 1941), compositor finlandés Teppo Hauta-Aho (b. 1941), compositor italiano Fernando Grillo, y US jugador y compositor Edgar Meyer. Para una lista más larga, consulte la Lista de los bajistas dobles clásicos contemporáneos .
Jazz
Bajistas de jazz notables de la década de 1940 hasta la década de 1950 incluyeron el bajista Jimmy Blanton (1918-1942), cuyo breve paso por la banda de oscilación de Duke Ellington (truncada por su muerte por tuberculosis ) introdujo nuevas ideas solistas melódicos y armónicos para el instrumento; el bajista Ray Brown (1926-2002), conocido por respaldar beboppers Dizzy Gillespie, Oscar Peterson, Art Tatum y Charlie Parker, y formando el Modern Jazz Quartet, el bajista hard bop Ron Carter (nacido en 1937), que ha aparecido en 3500 álbumes hacen de él uno de los bajistas más grabadas en la historia del jazz, incluyendo LPs por Thelonious Monk y Wes Montgomery y muchos Blue Note Records artistas; y Paul Chambers (1935-1969), miembro del quinteto de Miles Davis (incluyendo el hito del jazz modal grabación de Kind azul ) y muchos otros años 1950 y 1960 secciones de ritmo, fue conocido por sus virtuosas improvisaciones.
En el experimental correos 1960 épocas, que vio el desarrollo de free jazz y la fusión jazz-rock, algunos de los bajistas influyentes incluyeron Charles Mingus (1922-1979), que también era un compositor y director de orquesta cuya música fusionada hard bop con negro música gospel, free jazz y la música clásica, el free jazz y el bajista post-bop de Charlie Haden (nacido en 1937) es el más conocido por su larga asociación con el saxofonista Ornette Coleman y por su papel en la década de 1970 era de Liberación Orquesta Música, un grupo experimental; Eddie Gómez y George Mraz , quien jugó con Bill Evans y Oscar Peterson, respectivamente, y son a la vez reconoció haber fomentado las expectativas de la fluidez pizzicato y el fraseo melódico, virtuoso de la fusión Stanley Clarke (nacido en 1951) es notable por su habilidad tanto en el contrabajo y el bajo eléctrico, y Terry Plumeri, destacó por su arco fluidez cuerno y el tono vocal. En la década de 1990 y la primera década del siglo 21, uno de los nuevos "jóvenes leones" fue Christian McBride (nacido en 1972), que ha realizado con una serie de veteranos que van de McCoy Tyner a gurús de fusión Herbie Hancock y Chick Corea, y que ha lanzado discos como de 2003 Vertical Vision . Otro joven bajista de la nota es Esperanza Spalding (nacido 1984), quien, a los 27 años de edad, que ya ganó un Grammy por Mejor Nuevo Artista. Para una lista más larga, consulte la Lista de los bajistas de jazz, que incluye tanto contrabajo y bajistas eléctricos.
Otros géneros populares
Además de ser un jugador clásica señalado, Edgar Meyer es bien conocido en bluegrass y Newgrass círculos. Todd Phillips es otro jugador bluegrass prominente. Bien conocidos bajistas rockabilly incluyen Bill Negro, Marshall Lytle (con Bill Haley & His Comets) y Lee Rocker (con 1980 de la era renovadores rockabilly los Stray Cats). Revivalists rockabilly notables y ejecutantes psychobilly de la década de 1990 y la primera década del siglo 21 incluyen a Scott Owen (de la banda australiana The Living End), Jimbo Wallace (de la banda estadounidense de Reverend Horton Heat), Kim Nekroman ( Nekromantix), Patricia Day ( HorrorPops), Geoff Kresge ( Tiger Army, ex AFI). Willie Dixon (1915-1992) fue una de las figuras más notables en la historia de rhythm and blues . Además de ser un bajista vertical, escribió docenas de éxitos de R & B y trabajó como productor. También toca el bajo en numerosos éxitos de rock and roll de Chuck Berry. Muchos otros bandas de rockabilly como El Río Trío (de los Países Bajos) también utilizan este instrumento en su trabajo.
Pedagogía y formación
La pedagogía y la formación para el contrabajo varía ampliamente por género y país. Contrabajo clásico tiene una historia de la pedagogía de varios siglos, incluyendo manuales de enseñanza, estudios y ejercicios progresivos que ayudan a los estudiantes a desarrollar la resistencia y la precisión de la mano izquierda, y el control de la mano inclinación data. Métodos de formación clásica varían según el país: muchos de los principales países europeos están asociados con métodos específicos (por ejemplo, el método de Edouard Niñera en Francia o en el método de Franz Simandl en Alemania). En la formación clásica, la mayoría de la instrucción para la mano derecha se centra en la producción de inclinarse tono; poco tiempo se dedica a estudiar las variedades de tono pizzicato.
En cambio, en los géneros que utilizan principal o exclusivamente pizzicato (desplumar), como el jazz y el blues, una gran cantidad de tiempo y esfuerzo se centra en el aprendizaje de las variedades de diferentes estilos pizzicato utilizados por la música de diferentes estilos de tempi. Por ejemplo, en el jazz, los bajistas aspirantes tienen que aprender a realizar una amplia gama de tonos pizzicato, incluyendo el uso de los lados de los dedos para crear un sonido completo y profundo para las baladas, con las puntas de los dedos para líneas de bajo caminar rápido o solos , y la realización de una variedad de percusión notas fantasma rastrillando cuerdas silenciadas o parcialmente apagados.
Entrenamiento formal
De todos los géneros, clásica y jazz tienen los sistemas más establecidos y completas de instrucción y capacitación. En el medio clásico, los niños pueden comenzar a tomar clases particulares en el instrumento y realizar en los niños o jóvenes orquestas. Los adolescentes que aspiran a convertirse en los bajistas profesionales clásicas pueden continuar sus estudios en una variedad de entornos formales de capacitación, incluyendo colegios, conservatorios y universidades. Colleges certificados y diplomas en el rendimiento de graves.
Conservatorios, que son el sistema de formación musical estándar en Francia y en Quebec (Canadá) proporcionan lecciones y la experiencia orquestal de aficionados para los jugadores de contrabajo. Las universidades ofrecen una amplia gama de programas de bajo doble, incluyendo licenciaturas, Maestría en Música, y Doctor en Artes Musicales grados. Además, hay una variedad de otros programas de formación tales como campamentos de verano y orquestal clásica, ópera, o festivales de formación de música de cámara, que dan a los estudiantes la oportunidad de jugar una gran variedad de música.
Licenciaturas en el rendimiento de graves (referidos como B.Mus. O BM) son programas de cuatro años, que incluyen lecciones individuales bajo, experiencia orquesta de aficionados, y una secuencia de cursos en historia de la música, teoría de la música, y cursos de artes liberales (por ejemplo, literatura Inglés), que dan una educación más bien redondeado el estudiante. Por lo general, los alumnos de rendimiento bajo de realizar varios recitales de música solista de contrabajo, tales como conciertos, sonatas y suites barrocas.
Maestría en Música en la ejecución contrabajo consisten en clases particulares, experiencia, entrenamiento conjunto en jugar partes de bajo doble de orquesta, y cursos de postgrado en la historia de la música y la teoría de la música, junto con uno o dos recitales como solista. Un título de maestría en música (que se refiere como un M.Mus. o MM) es a menudo una credencial requerida para las personas que deseen convertirse en profesor de contrabajo en una universidad o conservatorio.
Doctor en Artes Musicales (conocidos como DMA, DMA, D.Mus.A. o A.Mus.D) grados en el rendimiento contrabajo proporcionar una oportunidad para el estudio avanzado en el más alto nivel artístico y pedagógico, que requieren generalmente un adicional 54+ horas de crédito más allá de un título de Máster (que está a unos 30 + créditos más allá de un título de licenciatura). Por esta razón, la admisión a la candidatura es altamente selectiva. Exámenes de la historia de la música, solfeo, entrenamiento auditivo / dictado, además de un examen de ingreso / recital, se requieren para entrar en un programa de estudio de este tipo. Una serie de recitales (alrededor de seis), incluyendo una conferencia-recital para el que se haya presentado una tesis doctoral que acompaña, cursos avanzados y un promedio mínimo B son otros requisitos típicos de un programa de DMA.
A lo largo de la historia temprana del jazz, contrabajistas bien aprendido el instrumento de manera informal, o de conseguir formación clásica desde el principio, como en el caso de Ron Carter y Charles Mingus. En los años 1980 y 1990, los colegios y las universidades comenzaron a introducir los títulos y grados en el rendimiento de jazz. Los estudiantes de diploma jazz o Licenciado en programas de música toman clases de bajo individuales, obtener experiencia en pequeños combos de jazz con el coaching de un jugador experimentado, y jugar en las grandes bandas de jazz. Al igual que con los programas de formación clásica, jazz programas también incluyen cursos presenciales en la historia de la música y teoría musical. En un programa de jazz, estos cursos se centran en las diferentes épocas de la historia del jazz. tales como Swing, Bebop, y la fusión. Los cursos teóricos se centran en las habilidades musicales utilizados en la improvisación del jazz y el jazz comping (que acompaña) y la composición de melodías de jazz. También hay campamentos de verano de jazz y festivales de capacitación / seminarios, que ofrecen a los estudiantes la oportunidad de aprender nuevas habilidades y estilos.
Formación informal
En otros géneros, como el blues, rockabilly, psychobilly, y los sistemas pedagógicos y secuencias de entrenamiento no son tan formalizado e institucionalizado. No hay grados en el rendimiento de graves blues, o conservatorios que ofrecen diplomas de varios años en el bajo rockabilly. Sin embargo, hay una gran variedad de libros, jugando métodos, y, desde la década de 1990, DVDs de instrucción (por ejemplo, sobre la manera de tocar el bajo slap rockabilly de estilo). Como tal, los artistas en estos otros géneros tienden a provenir de una variedad de rutas, incluyendo el aprendizaje informal mediante el uso de libros de método de graves o DVDs, tomando clases particulares, coaching, y aprender de discos y CD. En algunos casos, el blues o bajistas rockabilly pueden haber obtenido algún tipo de formación inicial a través de los sistemas de la pedagogía clásica o de jazz (por ejemplo, la orquesta juvenil o gran banda de la escuela secundaria). En géneros como el tango, que utilizan una gran cantidad de pasajes arqueados y líneas pizzicato de estilo jazz, los bajistas tienden a provenir de rutas de formación clásica o jazz.
Carreras
Carreras en contrabajo varían ampliamente por género y por región o país. La mayoría de los bajistas se ganan la vida a partir de una mezcla de puestos de trabajo de rendimiento y de enseñanza. El primer paso para conseguir la mayoría de los puestos de trabajo de rendimiento es jugando en una audición. En algunos estilos de música, tales como bandas de jazz etapa orientada, los bajistas se les puede pedir a la vista leer música impresa o realizan piezas estándar (por ejemplo, un estándar de jazz, como ahora es el momento ) con un conjunto. Del mismo modo, en una banda de rock o el blues, audiciones se les puede pedir a jugar varios estándares de rock o el blues. Un bajista vertical audicionar para una banda de blues se le puede pedir a jugar en un pie de estilo swing línea de bajo, un estilo rockabilly "bofetadas" línea de bajo (en el que las cadenas se percusivamente golpearon contra el diapasón) y una balada de 1950 con notas de larga celebradas. Una persona de audicionar para un papel como bajista en algunos estilos de pop o la música rock puede esperarse que sea capaz de demostrar la capacidad de realizar armonías vocales como corista.
En algunos casos, los bajistas complementan su rendimiento e ingresos de enseñanza con otros trabajos musicales afines, como trabajar como un taller de reparación de graves (luthier); como contratista que contrata a músicos de orquestas o bandas grandes, componer música (por ejemplo, Dave Holland), composición de canciones, la realización (por ejemplo, David Currie) o actuar como un líder de la banda (por ejemplo, Charles Mingus). En algunas regiones puede que no haya suficiente trabajo en la música para ganarse la vida, incluso si un bajista puede jugar varios estilos y él o ella tiene grabaciones y la enseñanza. Como tal, en algunas regiones, los bajistas pueden tener que complementar su trabajo musical con el ingreso de otro campo fuera de la música.
