Violín
Antecedentes
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El violín es un inclinado instrumento de cuerda con cuatro cuerdas afinadas en quintas perfectas. Es el miembro más pequeño y más aguda de la familia del violín de instrumentos de cuerda, que también incluye la viola y violonchelo .
Un violín es a veces llamada informalmente violín, independientemente del tipo de música que se reproduce en él. La palabra "violín" llega a nosotros a través de la Lenguas románicas de la Medio Vitula palabra latina, que significa "instrumento de cuerdas"; Esta palabra también puede ser la fuente de la Germánico "violín".
Una persona que toca el violín se llama un violinista o fiddler, y una persona que hace o reparaciones ellos se llama luthier, o simplemente un fabricante de violines.
Historia
Los instrumentos de cuerda más tempranos eran en su mayoría desplumados (por ejemplo, el griego lira). Instrumentos de arco pueden tener su origen en las culturas ecuestres de Asia Central, siendo un ejemplo el mongol instrumento Morin en alquiler:
- Jinetes turcos y mongoles de Asia Interior fueron probablemente los primeros violinistas del mundo. Sus violines verticales de dos cuerdas se atan con cuerdas de crin, interpretado con arcos de pelo de caballo, ya menudo cuentan con una cabeza de caballo tallada en el extremo del cuello. ... Los violines, violas, violonchelos y que jugamos hoy, y cuyos arcos todavía se encadenan con crin de caballo, son un legado de los nómadas ..
Se cree que estos instrumentos se extendió a China, la India y el Medio Oriente, donde se convirtieron en instrumentos como el erhu (China) y rebab (Oriente Medio), y esraj (India). El violín en su forma actual surgió a principios del siglo 16 en el norte de Italia, donde las ciudades portuarias de Venecia y Génova mantienen extensos vínculos a través de las rutas comerciales del Imperio Mongol .
El violín europeo moderno evolucionó de varios instrumentos de cuerda de arco que fueron traídos de Oriente Medio. Lo más probable es que los primeros fabricantes de violines tomados de tres tipos de instrumentos actuales: la rabel, en uso desde el siglo 10 (sí deriva de la Árabe rebab), el violín Renacimiento y el lira Braccio da. Una de las primeras descripciones explícitas del instrumento, incluida su puesta a punto, fue en el musical Epítome por Jambe de Fer, publicado en Lyon en 1556. En ese momento, el violín ya había comenzado a extenderse por toda Europa .
El violín más antiguo documentado que tiene cuatro cuerdas, como el violín moderno, fue construido en 1555 por Andrea Amati. (Otros violines, documentados significativamente más temprano, sólo tenían tres cuerdas.) El violín de inmediato se hizo muy popular, tanto entre los músicos de la calle y de la nobleza, ilustrado por el hecho de que el rey de Francia Charles IX ordenó Amati para construir 24 violines para él en 1560. El violín más antiguo, anticuado por dentro, es de este conjunto, y es conocido como el "Charles IX," made in Cremona c. 1560. "El Mesías" o "Le Messie" (también conocido como el "Salabue") hecha por Antonio Stradivari en 1716 sigue siendo virgen, sin haber sido usados. Ahora se encuentra en el Ashmolean Museum de Oxford .
El más famoso fabricantes de violines ( luthiers) entre finales del siglo 16 y el siglo 18 se incluye:
- Familia Amati de fabricantes de violines italianos, Andrea Amati (1500-1577), Antonio Amati (1540-1607), Hieronymus Amati I (1561-1630), Nicolo Amati (1596-1684), Hieronymus Amati II (1649-1740)
- Familia Guarneri de fabricantes de violines italianos, Andrea Guarneri (1626-1698), Pietro de Mantua (1655-1720), Giuseppe Guarneri (Joseph Andreae filius) (1666-1739), Pietro Guarneri (de Venecia) (1695-1762), y Giuseppe (del Gesu) (1698-1744)
- Familia Stradivari (1644-1737) de Cremona
- Familia Gagliano de fabricantes de violines italianos, Alexander, Nicolo I y Fernando son excepcionales de estos
- Giovanni Battista Guadagnini de Piacenza (1711-1786)
- Jakob Steiner (1617-1683) de Absam en Tirol
Se produjeron cambios significativos en la construcción del violín en el siglo 18, en particular en la longitud y el ángulo del cuello, así como una barra de bass más pesado. La mayoría de los instrumentos antiguos han sido objeto de estas modificaciones, y por lo tanto se encuentran en un estado muy diferente que cuando se fueron las manos de sus creadores, sin duda, con diferencias en el sonido y la respuesta. Pero estos instrumentos en su condición actual establecen el estándar de perfección en la artesanía violín y el sonido, y fabricantes de violines en todo el mundo tratar de llegar lo más cerca posible a este ideal como sea posible.
A día de hoy, los instrumentos de la "Edad de Oro" de la fabricación de violines, especialmente los realizados por Stradivari y Guarneri del Gesù, son los instrumentos más codiciados por los coleccionistas y artistas.
Construcción y mecánica
Un violín consiste típicamente en una cubierta de abeto (el caja de resonancia, también conocida como la placa superior, una mesa o vientre), costillas de arce y la espalda, dos bloques terminales, un cuello, un puente, un soundpost, cuatro cuerdas, y varios accesorios, incluyendo opcionalmente una chinrest que pueden estar ligados directamente sobre o a la izquierda de la cordal. Una característica distintiva de un cuerpo de violín es su forma de "reloj de arena" y el arqueo de su parte superior y posterior. La forma de reloj de arena comprende dos peleas superiores, dos peleas más bajas, y dos cóncavos C-combates en la "cintura", proporcionando espacio para el arco.
La "voz" de un violín depende de su forma, la madera que se hace de la graduación (el perfil de espesor), tanto de la parte superior y posterior, y el barniz que recubre su superficie exterior. El barniz y sobre todo la madera siguen mejorando con la edad, por lo que la oferta fija de los violines antiguos codiciado.
Todas las partes del equipo que están pegadas entre sí están hecho con subproductos animales cola de piel, un adhesivo fuerte tradicional a base de agua que es reversible, como juntas encoladas se pueden desmontar si es necesario. , Pegamento débil diluido se utiliza generalmente para sujetar la parte superior de las costillas, y la tuerca para el diapasón, ya que las reparaciones comunes implican la eliminación de estas partes.
La purfling corriendo por el borde de la tapa de pícea proporciona cierta protección contra las grietas que se originan en el borde. También permite que la parte superior se flexione de manera más independiente de la estructura de la costilla. Pintado-en purfling faux en la parte superior es una señal de un instrumento inferior. La espalda y las costillas se hacen típicamente de arce, más a menudo con un rayado coincidencia figura, conocida como "llama", "fiddleback" o "rayas de tigre" (técnicamente llamada arce rizado).
La cuello es generalmente de arce con una figura flameado compatible con la de las costillas y la espalda. Lleva el fingerboard, normalmente hecha de ébano, pero a menudo alguna otra madera manchado o pintado de negro. Ebony es el material preferido debido a su dureza, belleza y resistencia superior al desgaste. Fingerboards se visten a un particular, curva transversal, y tiene un pequeño longitudinal "scoop", o concavidad, un poco más pronunciada en las cuerdas graves, especialmente cuando significaba para tripa o cuerdas sintéticas.
Algunos violines antiguos (y algunos hechos a aparecer de edad) han injertado una desplazamiento, evidenciado por una junta de cola entre el clavijero y el cuello. Muchos instrumentos antiguos auténticos han tenido sus cuellos restablecen a un ligero aumento del ángulo y alargado por alrededor de un centímetro. El injerto cuello permite el avance de la pantalla que se le mantenga con un barroco violín al traer su cuello en conformidad con los estándares modernos.
La puente es un pedazo cortado con precisión de arce que forma el punto de anclaje inferior de la longitud de vibración de las cuerdas y transmite la vibración de las cuerdas al cuerpo del instrumento. Su parte superior curva sostiene las cuerdas en la altura adecuada del diapasón en un arco, permitiendo que cada uno sonarán por separado por el arco. La poste de los sonidos, o "post alma", se ajusta con precisión el interior del instrumento entre la espalda y la parte superior, por debajo de los pies de agudos del puente, el cual ayuda a apoyar. También transmite vibraciones entre la parte superior y la parte posterior del instrumento.
La cordal ancla las cuerdas a la pelea más baja del violín por medio de la tailgut, que se enrolla alrededor de la endpin, que cabe en un agujero cónico en el bloque inferior. Muy a menudo la cadena E tendrá una palanca de ajuste fino trabajado por un pequeño tornillo accionado por los dedos. Afinadores también pueden aplicarse a las otras cadenas, especialmente en un instrumento de los estudiantes, ya veces están integrados en el tubo de desagüe.
Al final de desplazamiento, las cadenas de viento alrededor de la Clavijas de afinación en el clavijero. Cuerdas suelen tener un color envoltura de seda en ambos extremos, para la identificación y para proporcionar fricción contra las clavijas. Las clavijas cónicas permiten fricción para ser aumentada o disminuida por el jugador la aplicación de presión apropiada a lo largo del eje de la clavija mientras lo gira.
Cuerdas
Cuerdas primero fueron hechas de tripa de oveja (comúnmente conocido como catgut), estirado, secado y retorcido. Cuerdas modernas pueden ser tripa, de acero sólido, acero trenzado, o diversos materiales sintéticos, la herida con varios metales. La mayoría de las cadenas E se desenrollan, ya sea liso o de acero chapado en oro.
Violinistas menudo llevar cadenas de reemplazo con sus instrumentos de tener uno disponible en caso de que se rompe una cuerda. Cuerdas tienen una vida útil limitada; aparte de las cosas obvias, como la liquidación de una cadena se deshaga del desgaste, un jugador por lo general cambiar una cadena cuando ya no juega "verdadero", con un efecto negativo en la entonación, o cuando se pierde el tono deseado. La longevidad de una cadena depende de cuánto y con qué intensidad se juega. La cadena de E, siendo la más delgada, tiende a romper o perder el tono deseado más rápidamente que los otros.
Para obtener más información, consulte la sección de cuerdas de la construcción del violín.
Rango Pitch
El compás del violín es de G3 (G abajo Do central) a la nota más alta de la moderna de piano . Las notas de cabeza, sin embargo, a menudo se producen por natural o artificial armónicos.
Acústica
La forma arqueada, el espesor de la madera, y sus cualidades físicas gobiernan el sonido de un violín. Los patrones de la nodos hechas por arena o brillo asperjado en las placas con la placa vibraron en ciertas frecuencias, llamado " Patrones Chladni, "a veces son utilizados por luthiers para verificar su trabajo antes de montar el instrumento.
Tamaños
Los niños suelen utilizar instrumentos de cuerda más pequeños que los adultos. Violines se hacen en los llamados "tamaños fraccionarios" para los jóvenes estudiantes: Aparte de tamaño completo (4/4) violines, 3/4, 1/2, 1/4, 1/8, 1/10, 1/16 y existen incluso instrumentos 1/32 empresas. Extremadamente pequeños tamaños se desarrollaron, junto con el Suzuki programa para estudiantes de violín partir de los 3 años de edad. Finamente hechas violines tamaño fraccionarias, especialmente menor que medio tamaño, son muy raros o inexistentes. Estos instrumentos pequeños suelen destinados a principiantes que necesitan un violín accidentado, y cuya técnica rudimentaria, no justifica el gasto de un uno más hecho con cuidado.
Estos tamaños fraccionarios no tienen nada que ver con las dimensiones reales de un instrumento; en otras palabras, un instrumento de 3/4 de tamaño no es tres cuartas partes de la longitud de un instrumento de tamaño completo. La longitud del cuerpo (sin incluir el cuello) de un "tamaño completo" o 4/4 violín es de aproximadamente 14 pulgadas (35 cm), más pequeños en algunos modelos del siglo 17o. Un 3/4 violín es de aproximadamente 13 pulgadas (33 cm), y un tamaño medio es de aproximadamente 12 pulgadas (30 cm). Con familiar más cercano del violín, la viola, el tamaño se especifica como la longitud del cuerpo en pulgadas o centímetros en lugar de tamaños fraccionarios. A "de tamaño natural" viola promedia 16 pulgadas (40 cm).
Ocasionalmente, un adulto con un pequeño marco puede utilizar un denominado "7/8" tamaño de violín en lugar de un instrumento de tamaño completo. A veces llamado un "violín de la virgen", estos instrumentos son ligeramente más corto que un violín de tamaño completo, pero tienden a ser instrumentos de alta calidad capaces de producir un sonido que es comparable con los violines de tamaño completo finas.
Tamaños Violín no están estandarizados y dimensiones varían ligeramente entre los responsables.
Sintonización
Violines están sintonizados girando el clavijas en el clavijero bajo el desplazamiento, o ajustando los tornillos de sintonización fina en la cordal. Todos los violines tienen clavijas; afinadores (también llamados ajustadores finas) son opcionales. La mayoría de los afinadores consisten en un tornillo de metal que se mueve una palanca a la que se une la cadena. Permiten muy pequeños ajustes de tono con mucha más facilidad que las clavijas.
Afinadores se utilizan generalmente con el metal sólido o cadenas de compuestos que pueden ser difíciles de sintonizar con las clavijas solos; que no se utilizan con cuerdas de tripa, que son más elástica y no responden adecuadamente a los muy pequeños movimientos de afinadores. Algunos violinistas tienen afinadores en las 4 cuerdas; la mayoría de los jugadores clásicos tienen un solo sintonizador de multa a la cadena E. La mayoría de los violinistas prefieren un sintonizador bien porque afinadores con frecuencia pueden dañar la parte superior del violín.
Para afinar un violín, la cadena A se sintoniza por primera vez a un estándar terreno de juego (por lo general 440 Hz), utilizando un dispositivo de sintonización u otro instrumento. (Cuando acompaña a un instrumento de paso fijo, como un piano o el acordeón, las melodías de violín a la misma.) Las otras cadenas son entonces sintonizados entre sí en intervalos de quintas perfectas inclinándose en pares. Una sintonía minuciosamente superior a veces se emplea para jugar en solitario para dar al instrumento un sonido más brillante; por el contrario, la música barroca a veces se juega con afinaciones más bajas para hacer el sonido del violín más suave. Después de sintonizar, puente del instrumento se puede examinar para asegurarse de que está de pie recto y centrado entre las muescas interiores de la efes; un puente torcido puede afectar significativamente el sonido de un violín de otra manera bien hecho.
El GDAE afinación se utiliza para la mayoría de la música de violín. Otras afinaciones en ocasiones se emplean; la cadena G, por ejemplo, se puede ajustar hasta A. El uso de afinaciones no estándar en música clásica es conocido como scordatura; en algunos estilos folclóricos, se llama "ajuste cruz." Un ejemplo famoso de scordatura en la música clásica es la de Saint-Saëns Danse Macabre, donde E cuerdas del violín solo se sintoniza a mi bemol para impartir una disonancia extraña a la composición. Otro ejemplo sería en el tercer movimiento de contrastes, por Béla Bartók, donde la cadena E está sintonizado a mi bemol y el G sintonizado a una G agudo.
Aunque la mayoría de los violines tienen cuatro cuerdas, hay algunos instrumentos con cinco cuerdas, seis o incluso siete. Las cuerdas adicionales en tales violines típicamente son más bajos en el tono de la cuerda de Sol; estas cadenas suelen ser sintonizados en C, F y B plana. Si la longitud del juego del instrumento, o longitud de la cadena de tuerca para cerrar, es igual a la de un violín ordinaria a gran escala (es decir, un poco menos de 13 pulgadas o 330 mm), entonces puede ser llamado correctamente un violín. Algunos de estos instrumentos son algo más largas y deben considerarse como violas. Violines con cinco cuerdas o más a menudo se utilizan en el jazz o la música folk.
Arcos
Un violín se juega generalmente con una arco que consiste en un palo con una cinta de crin colgada entre la punta y la rana (o tuerca, o talón) en los extremos opuestos. Un arco típico violín puede ser de 75 cm (29 pulgadas) en general, y pesan alrededor de 60 g (2 oz). Arcos para Viola pueden ser de aproximadamente 5 mm (3/16 ") más corto y 10 g (1/3 oz) más pesado.
Al final de la rana, un ajustador de tornillo aprieta o afloja el cabello. Justo delante de la rana, un cojín de cuero pulgar y sinuoso proteger el palo y proporciona un agarre para la mano del jugador. El arrollamiento puede ser alambre, seda, o hueso de ballena (ahora imitado por tiras de plástico de color amarillo y negro alternados.) Algunos estudiantes se inclina (en particular los hechos de fibra de vidrio sólida) sustituir una funda de plástico para un agarre y sinuoso.
El pelo del arco viene tradicionalmente de la cola de un (técnicamente, un gris) caballo macho "blanco", aunque algunos arcos más baratos utilizan fibra sintética. Roce ocasional con colofonia hace que el agarre el pelo de las cuerdas de manera intermitente, haciendo que vibren. El palo se hace tradicionalmente de palo de Brasil, a pesar de un palo hecho de este tipo de madera que es de una calidad más selecto (y más alto precio) se refiere como Pernambuco (ambos tipos se toman de las mismas especies de árboles). Algunos arcos estudiantes están hechas de fibra de vidrio o varias maderas baratas. Las innovaciones recientes han permitido fibra de carbono para ser utilizado como un material para el palillo en todos los niveles de la artesanía.
Jugar
La forma estándar de la celebración del violín es con el lado izquierdo de la mandíbula apoyada en el soporte de la barbilla del violín, y apoyado por el hombro izquierdo, a menudo asistida por un resto hombro. Esta práctica varía en algunas culturas; por ejemplo, la India ( Carnática y Indostaní) violinistas juegan sentados en el suelo y descansar el desplazamiento del instrumento en el lado de su pie. Las cuerdas pueden ser sonaban dibujando el pelo de la proa a través de ellos (arco) o por el punteo ellos ( pizzicato). La mano izquierda regula la longitud de la cuerda que suena deteniéndola contra el diapasón con las yemas de los dedos, produciendo diferentes tonos.
Mano izquierda y la producción de tono
Como el violín no tiene Trastes para detener las cuerdas, el jugador debe saber exactamente dónde colocar los dedos sobre las cuerdas para jugar bien entonación. A través de la formación práctica y el oído, la mano izquierda de la violinista encuentra las notas intuitivamente memoria muscular. Los principiantes a veces se basan en cintas colocadas en el diapasón para la colocación correcta de la mano izquierda el dedo, pero por lo general abandonan las cintas rápidamente a medida que avanzan. Otra técnica de marcado utilizado comúnmente utiliza puntos de blanco de salida en el diapasón, que desaparece después de unas semanas de práctica regular. Esta práctica, por desgracia, a veces se utiliza en lugar de la adecuada formación del oído, guiar la colocación de los dedos por los ojos y no por el oído. Especialmente en las primeras etapas de aprender a tocar, los llamados "tonos de llamada" son útiles. Hay nueve tales notas en primera posición, en una nota parado suena una octava unísono o con otra (abierto) de cadena, haciéndolo vibrar simpatía.
Los dedos están convencionalmente numerados 1 (índice) a 4 (dedo meñique). Especialmente en las ediciones de instrucción de música de violín, números sobre las notas pueden indicar qué dedo usar, con "0" indica "abierto" cadena. El gráfico de la izquierda muestra la disposición de notas alcanzable en primera posición. No se muestra en esta tabla es la forma en que el espacio entre posiciones de la nota se acerca más que los dedos se mueven hacia arriba (en el tono) de la tuerca. Las barras a los lados de la tabla representan tres de las colocaciones de cinta usuales para principiantes, a la 1 st, alta 2º y 3 er dedos.
Posiciones
La colocación de la mano izquierda sobre el diapasón se caracteriza por "posiciones". Primera posición, donde comienzan la mayoría de los principiantes (aunque algunos métodos comienzan en tercera posición), es la posición más utilizada en la música de cuerdas. La nota más baja disponible en esta posición en la afinación estándar es un abierto G; la nota más alta en la primera posición se juega con el cuarto dedo de la E-cadena, sonando una B, o llegar hasta un paso medio (también conocido como el "prolongado cuarto dedo") a los dos octavas por encima de C C media
Traslado de la mano hasta el cuello, por lo que el primer dedo toma el lugar del segundo dedo, trae al jugador en segunda posición. Dejar que el primer dedo tomar el lugar de primera posición de la tercera dedo trae el jugador a la tercera posición, y así sucesivamente. El límite superior del rango del violín es determinada en gran medida por la habilidad del jugador, quien puede jugar fácilmente más de dos octavas en una sola cadena, y cuatro octavas en el instrumento como un todo, aunque cuando un violinista ha progresado hasta el punto de ser capaz de utilizar toda la gama del instrumento, las referencias a posiciones particulares se vuelven menos común. Nombres de las posiciones se utilizan sobre todo para los cargos más bajos y en libros de método; por esta razón, es raro escuchar referencias a algo mayor que la quinta posición. La posición más baja en un violín es un medio de la posición, donde el primer dedo es un medio-paso de la tuerca. Esta posición se utiliza con menos frecuencia. La posición más alta, en términos prácticos, es 15 ª posición.
La misma nota sonará sustancialmente diferentes, dependiendo de qué cadena se utiliza para reproducirlo. A veces, el compositor o arreglista especificarán la cadena para ser utilizado con el fin de lograr el deseado calidad de tono; esto se indica en la música de la marca, por ejemplo, sul G, lo que significa jugar en la cuerda de Sol. Por ejemplo, jugando muy alto de las cuerdas graves da un distintivo de calidad en el sonido. De lo contrario, se mueve en diferentes posiciones se hace generalmente para la facilidad de juego.
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Sonidos y técnicas Violín: 566 KB
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Cuerdas al aire
Cediendo o desplume una cuerda abierta -es decir, una cadena jugó sin ningún dedo por ella, da un sonido diferente de una cuerda fija, ya que la cuerda vibra con mayor libertad en la tuerca que bajo un dedo. Aparte de la baja G (que se puede jugar de ninguna otra manera), cuerdas abiertas son generalmente evitados en algunos estilos de de juego clásico. Esto es porque tienen un sonido un poco más dura (especialmente abierto E) y no es posible utilizar directamente vibrato en una cuerda al aire. Sin embargo, esto puede ser parcialmente compensada por la aplicación de vibrato en una nota que es una octava más alta que la cuerda al aire.
En algunos casos juegan una cuerda al aire que se pide por el compositor (y marcado de forma explícita en la música) para el efecto especial, decidido por el músico por razones artísticas (común en obras anteriores como Bach), o jugado en un pasaje rápido, donde por lo general no se pueden distinguir.
Reproducción de una cuerda al aire al mismo tiempo que una nota se detuvo en una cadena adyacente produce una -gaita como aviones no tripulados, a menudo utilizado por los compositores en la imitación de la música popular . A veces, las dos notas son idénticos (por ejemplo, la reproducción de un Un dedos sobre la cuerda D contra el abierto Una cadena), dando una especie de llamada de "juguetear" de sonido. Reproducción de una cuerda al aire simultáneamente con una nota detenido idéntica también pueden ser llamados para cuando se requiere más volumen, especialmente en tocar en una orquesta.
Paradas dobles y zánganos
De parada doble es cuando dos cadenas separadas son detenidos por los dedos, y se inclinaron al mismo tiempo, la producción de una parte de una acorde. Algunas veces, mover a una posición más alta es necesario que la mano izquierda para poder llegar a los dos notas a la vez. Sonando una cuerda al aire junto a una nota de dedos es otra manera de conseguir un acorde parcial. Aunque a veces también llamado una doble parada, se le llama más propiamente un avión no tripulado, como la nota de avión no tripulado puede ser sostenida por un paso de las distintas notas que se tocan en la cuerda adyacente. Tres o cuatro notas también se puede jugar a la vez (paradas triples y cuádruples, respectivamente), y, de acuerdo con el estilo de la música, las notas pueden todos ser reproducidos simultáneamente o pueden ser jugados como dos paradas dobles sucesivas, lo que favorece las notas más altas .
Vibrato
El vibrato es una técnica de la mano izquierda y el brazo en el que el tono de una nota varía en un ritmo pulsante. Mientras que varias partes de la mano o el brazo pueden estar implicados en el movimiento, el resultado final es un movimiento de la punta del dedo provocando un ligero cambio en la longitud de la cadena de vibración. Violinistas oscilan hacia atrás, o más bajo desde el tono de la nota real al utilizar el vibrato, ya que la percepción favorece el tono más alto en un sonido variable. Vibrato hace poco, o nada, para disfrazar una nota fuera de tono: en otras palabras, el vibrato es un pobre sustituto de la buena entonación. Aún así, escalas y otros ejercicios destinados a trabajar en la entonación se ven típicamente jugaron sin vibrato para hacer el trabajo más fácil y más eficaz. Los estudiantes de música se les enseña que a menos que se indique lo contrario en la música, el vibrato se asume o incluso obligatorio. Esto puede ser un obstáculo para una violinista de formación clásica que deseen jugar en un estilo que se utiliza poco o nada de vibrato en absoluto, como la música barroca jugado en estilo de época y muchos estilos jugueteando tradicionales.
Vibrato puede ser producido por una combinación adecuada de los movimientos de los dedos, muñeca y el brazo. Un método, llamado "vibrato parte," implica balanceo de la mano hacia atrás en la muñeca para lograr la oscilación, mientras que otro método, "vibrato brazo", modula el tono oscilando en el codo. Una combinación de estas técnicas permite a un jugador para producir una gran variedad de efectos tonales.
El "cuándo" y "para qué" de violín vibrato son cuestiones artísticas de estilo y gusto. En términos acústicos, el interés que el vibrato añade al sonido tiene que ver con la forma en que la mezcla de armónicos (o color de tono o timbre) y el patrón direccional de cambio la proyección del sonido con los cambios en el tono. Por "señalador" el sonido en diferentes partes de la habitación de una manera rítmica, vibrato añade un "brillo" o "viveza" al sonido de un violín bien hecho. Ver Schleske y Weinreich.
Armonía
Tocar ligeramente la cadena con un dedo en un armónico nodo crea armónicos. En lugar del tono normal, una nota más aguda suena. Cada nodo está en una división entera de la cadena, por ejemplo la mitad o un tercio a lo largo de la longitud de la cadena. Un instrumento sensible sonará numerosas posibles nodos armónicas lo largo de la longitud de la cadena.
Los armónicos están marcados en la música, ya sea con un pequeño círculo encima de la nota que determina el tono de la armónica, o por nota cabezas en forma de diamante. Hay dos tipos de armónicos: armónicos naturales y armónicos artificiales (también conocidos como "falsos armónicos").
Los armónicos naturales se juegan en una cuerda al aire. El tono de la cuerda abierta se denomina frecuencia fundamental. Los armónicos son también llamados armónicos. Ocurren en múltiplos enteros de la fundamental, que se llama el primer armónico. El segundo armónico es la primera sobretono, el tercer armónico es el segundo armónico, y así sucesivamente. El segundo armónico está en el medio de la cadena y suena una octava más alta que el tono de la cadena. La tercera se rompe la cadena de armónicas en tercios y sonidos una octava y una quinta por encima de la fundamental, y el cuarto se rompe la cadena de armónicas en cuartos suenan dos octavas por encima de la primera. El sonido de la segunda armónica es el más claro de todos ellos, ya que es un común nodo con todos los armónicos sucesivos pares (cuarta, sexta, etc.). El tercer y sucesivos armónicos impares son más difíciles de jugar porque rompen la cadena en un número impar de partes vibrantes y no comparten tantos nodos con otros armónicos.
Armónicos artificiales son más difíciles de producir que los armónicos naturales, ya que implican tanto detener la cadena y jugando un armónico en la nota detenido. Usando el "marco de octava" -la distancia normal entre el primer y cuarto dedos en cualquier posición dada, con el cuarto dedo sólo tocar la cuerda un cuarta más alta que la nota detenido produce el cuarto armónico, dos octavas por encima de la nota detenido. Colocación de los dedos y la presión, así como la velocidad de proa, la presión, y el punto de resonancia son esenciales para conseguir el armónico deseado al sonido. Y para agregar a la impugnación, en los pasajes con diferentes notas que se interpretan los armónicos como falsos, la distancia entre la parada dedo y dedo armónica debe cambiar constantemente, ya que el espacio entre las notas cambios a lo largo de la longitud de la cadena.
El "dedo armónica" también puede tocar en una importante tercera encima de la nota prensado (el quinto armónico), o una quinto superior (tercera armónica). Estos armónicos se utilizan con menos frecuencia; en el caso de la tercera mayor, tanto en la nota detuvo y tocó la nota debe ser jugado ligeramente picante de lo contrario la armónica no habla tan fácilmente. En el caso de la quinta, el estiramiento es mayor de lo que es cómodo para muchos violinistas. En las fracciones generales repertorio más pequeñas que un sexto no se utilizan. Sin embargo, las divisiones de hasta un octavo se utilizan a veces y, dado un buen instrumento y un jugador experto, son posibles divisiones tan pequeñas como una duodécima.
Hay unos cuantos libros dedicados exclusivamente al estudio de los armónicos de violín. Dos obras completas son Siete volúmenes Teoría de Henryk Heller de armónicos, publicado por Simrock en 1928, y Cinco volúmenes de Michelangelo Abbado Tecnica dei suoni armonici publicada por Ricordi en 1934.
Pasajes elaborados en armónicos artificiales se pueden encontrar en la literatura violín virtuoso, sobre todo de los siglos 19 y 20. Dos ejemplos notables de esto son toda una sección de Vittorio Monti Csárdás y un paso hacia la mitad del tercer movimiento de Pyotr Ilyich Tchaikovsky 's Concierto para violín.
Mano derecha y color de tono
El derecho del brazo, la mano y el arco son responsables de la calidad del tono, ritmo, dinámica, articulación, y la mayoría (pero no todos) los cambios en timbre.
Cediendo técnicas
La parte más esencial de inclinarse técnica es la empuñadura del arco. Es por lo general con el pulgar doblado en la pequeña zona entre la rana y el bobinado de la proa. Los otros dedos se extienden un poco uniformemente a través de la parte superior de la proa.
El violín produce notas más fuertes con una mayor velocidad de proa o más peso en la cadena. Los dos métodos no son equivalentes, ya que producen diferentes timbres; presionando hacia abajo en la cadena tiende a producir un sonido más duro, más intenso.
El punto de resonancia en el que el arco interseca la cadena también influye timbre. Jugando cerca del puente (sul ponticello) da un sonido más intenso de lo habitual, haciendo hincapié en los armónicos más altos; y jugando con el arco sobre el extremo del diapasón (tasto sul) lo convierte en un sonido delicado, etéreo, haciendo hincapié en la frecuencia fundamental. Dr. Suzuki se refirió al punto que suena como la " Carretera Kreisler ", uno puede pensar en diferentes puntos de sondeo como" carriles "en la carretera.
Varios métodos de "ataque" con los productos arco diferentes articulaciones. Hay muchas técnicas que permiten Saludo artístico para cada gama de estilo de juego y muchos profesores, los jugadores y orquestas pasan mucho tiempo al desarrollo de técnicas y la creación de una técnica unificada dentro del grupo. Estas técnicas incluyen la reverencia al estilo legato, collé, ricochet, sautillé, martelé, spiccato y staccato.
Pizzicato
Una nota marcada pizz. (Abreviatura de pizzicato) en la música escrita es para ser jugado por arrancarse la cadena con un dedo de la mano derecha en lugar de por una reverencia. (El dedo índice es más comúnmente utilizado aquí.) A veces en la música como solista virtuoso donde se ocupó la mano del arco (o por efecto de Show-off), pizzicato de la izquierda se indica con un "+" (signo más) por debajo o por encima de la nota. En el pizzicato de la mano izquierda, dos dedos se ponen en la cuerda; uno (generalmente el dedo índice o medio) se pone en la nota correcta, y el otro (normalmente el dedo anular o meñique) se pone encima de la nota. El dedo más alto entonces arranca la cadena mientras que el inferior permanece encendida, lo que produce el tono correcto. Al aumentar la fuerza del desplume, se puede aumentar el volumen de la nota que la cadena produce.
Col legno
Un marcado de col legno ( italiano para "con la madera") en las llamadas de la música escrita para golpear la cadena (s) con el palo del arco, y no utilizando el pelo del arco sobre las cuerdas. Esta técnica inclinación rara vez se utiliza poco, y da como resultado un sonido percusivo silenciado. La calidad de un misterioso col legno sección violín es explotado en algunas piezas sinfónicas, en particular la "Danza de las brujas" del último movimiento de Berlioz Symphonie Fantastique. Saint-Saens 'poema sinfónico "Danse Macabre" incluye la sección de cuerdas utilizando la técnica col legno de imitar el sonido de esqueletos danzantes. Algunos violinistas, sin embargo, se oponen a este estilo de jugar, ya que puede dañar el acabado y poner en peligro el valor de una multa arco.
Spiccato
Una técnica en la que el arco se recuperó ligeramente en la cadena a una velocidad moderato, produciendo una serie de notas fuertemente articuladas, a menudo junto con la rápida digitación pasaje. Hay variantes arriba-abajo-arco y arco de spiccato.
Trémolo
Repetición muy rápida (por lo general de una sola nota, pero en ocasiones de varias notas), juegan generalmente en la punta de la proa.
Mudo
Colocación de una pequeña de metal, caucho, o un dispositivo de madera llamado un " mute "para el puente del violín da un tono más suave más suave, con menos audiblesmatices;. el sonido de toda una sección de cuerdas de orquesta jugando con sordinas tiene una calidad silenciosa Las marcas italianas convencionales para el uso de silencio soncon sord., ocon sordino, "con el silencio", osenza Sord.(o simplementesenza), "sin mudo." Larger metal, caucho, o mudos de madera están disponibles, conocido como "mudos de práctica" o "mudos hotel". Tales mudos son generalmente no se utilizan en el rendimiento, sino que se utilizan para amortiguar el sonido del violín en áreas de práctica tales como habitaciones de hotel. Algunos compositores han utilizado sordinas de práctica para los efectos especiales, por ejemplo al final de Luciano BerioSequenza VIIIpara violín solo.
Los estilos musicales
Música clásica
Desde el Barroco el violín ha sido uno de los más importantes de todos los instrumentos de la música clásica, por varias razones. El tono del violín destaca por encima de otros instrumentos, por lo que es adecuado para la reproducción de una línea de melodía. En las manos de un buen jugador, el violín es muy ágil, y puede ejecutar secuencias rápidas y difíciles de notas.
Violines constituyen una gran parte de una orquesta , y por lo general se dividen en dos secciones, conocidas como los primeros y segundos violines. Compositores menudo asignan la melodía a los primeros violines, segundos violines mientras juegan armonía, patrones de acompañamiento o la melodía una octava más baja que los primeros violines. La cuarteto de cuerda similar tiene partes para primero y segundos violines, así como la viola parte, y un bajo instrumento, como el violonchelo o, raramente, el contrabajo .
Instrumentos de cuerda tienen la capacidad de jugar en cualquier terreno de juego que, en manos de grandes jugadores, conduce a la maravillosa gama de coloración armónica, por lo que es posible que los instrumentos a ser muy expresivo. Esta capacidad es en su máxima expresión en la literatura cuarteto de cuerda, donde los cambios sin costura de llave a la llave y acorde a acorde a crear una especie de mundo perfecto armónico donde el anillo incluso tercios con resonancia completa.
Jazz
Las primeras referencias a un rendimiento de jazz utilizando el violín como instrumento solista se documentan durante las primeras décadas del siglo 20. La primera gran violinista de jazz era Joe Venuti quien es mejor conocido por su trabajo con el guitarrista Eddie Lang durante los años 1920. Desde entonces ha habido muchos violinistas de improvisación magníficas incluyendo Stéphane Grappelli, Stuff Smith, Regina Carter, Johnny Frigo y Jean-Luc Ponty. Si bien no es principalmente violinistas de jazz, Darol ira y Marcos O'Connor han gastado una parte significativa de sus carreras jugando jazz.
Violines también aparecen en conjuntos que suministran fondos orquestales a muchas grabaciones de jazz.
Para obtener una lista más completa, consulte violinistas de jazz.
Musica Popular
Si bien el violín ha tenido muy poco uso en la música rock en comparación con sus hermanos de la guitarra y el bajo, que es cada vez más absorbido en la corriente principal del pop con artistas como Blue October, Yellowcard, Linda Brava, The Corrs, The Electric Light Orchestra y La Quién (en la coda de su 1971 canción Baba O'Riley). Jefferson Airplane, Jefferson Starship y Hot Tuna incorporan los estilos de violines eléctricos de Papa John Creach en su sonido la firma en los años 1970 y 1980. Artistas independientes, como Final Fantasy y Andrew Bird también han estimulado un mayor interés en el instrumento. También ha visto el uso en el género post-rock de bandas como Sigur Rós, Zox, Broken Social Scene, A Monte Plata Sión y el violín eléctrico que se encuentra en Los Crüxshadows.
Los muy populares grabaciones de Motown de los años 1960 y 1970 se basaron en gran medida en cadenas como parte de su textura de la marca. Géneros anteriores de la música pop, al menos aquellos separado de la roca y el movimiento rollo, tendían a hacer uso de orquestas bastante tradicionales, las grandes ocasiones; ejemplos incluyen los americanos "Crooners" tales como Bing Crosby.
A finales de 1960 y principios de 1970, el violín (o "violín") era común enlas bandas de folk-rock británico, como Fairport Convention y Steeleye Span.
Varios de 1970 bandas de rock progresivo, como King Crimson (la tercera alineación con John Wetton y David Cross),Comus, yKansas contó violinistas como miembros de pleno derecho de la banda.
Hasta la década de 1970, la mayoría de los tipos de música popular usado inclinaron cuerdas, pero el auge de la música creada por vía electrónica en la década de 1980 se produjo un descenso en su uso, como secciones de cuerdas sintetizadas tomaron su lugar. Desde finales del siglo 20, las cadenas reales han empezado haciendo una reaparición en la música pop.
En la década de 1970la música disco a menudo aparece violines en un papel destacado, en canciones comoLos buenos tiemposporChic,voy a sobrevivirporGloria Gaynor yde Love themeporLove Unlimited Orchestra.
Música popular india y árabe se llena con el sonido de violines, dos solistas y conjuntos.
El uso de violines y otros instrumentos de cuerda de la clase se ha vuelto muy popular en algunossubgéneros del heavy metal comometal sinfónico,metal gótico y en las nuevasbandas de metal negro. Además, algunos folclóricas /bandas de metal de Viking utilizan el violín en sus canciones (es decirThyrfing), y algunos incluso tienen un violinista permanente (es decirÁsmegin).
En los años 1990 y 2000, violines comenzaron a aparecer enlas bandas de rock.Smashing Pumpkins son bien conocidos por sus secciones basadas en violín, yJames 'Saul Davies, quien también es unguitarrista, fue reclutado por la banda como un violinista.
Una de las bandas más vendidos de la década de 1990, The Corrs, se basó en gran medida de las habilidades de violinista Sharon Corr. El violín estaba íntimamente integrado con el tin whistle irlandés, tambor irlandés mano ( bodhran), además de ser utilizado como introducción y outro de muchas de sus canciones pop-rock con sabor celta.
Indie banda de rockOperator Please cuenta violín como una parte integral de su sonido.
Incluso la escena R & B ha sido introducido en la voz del violín. Con la ayuda de Miri Ben-Ari, muchos artistas como Twista y Alicia Keys han utilizado los sonidos del violín para abrazar sus obras. Miri Ben-Ari incluso ha hecho un único solista del violín, showcasting su tono talento.
La música clásica de la India
El violín es una parte muy importante de la música clásica del sur de India ( música carnática). Se cree que fue introducido a la tradición del sur de India por Baluswamy Dikshitar. Aunque se utiliza principalmente como un instrumento de acompañamiento, el violín se ha hecho popular como instrumento solista en la orquestación. Compositores populares como Ilaiyaraaja han usado extensivamente el violín en la puntuación de la música de cine.
La música folclórica y jugueteando
Al igual que muchos otros instrumentos utilizados en la música clásica, el violín desciende de antepasados remotos que se utilizaron para la música popular . Tras una etapa de intenso desarrollo a finales del Renacimiento , en gran parte, en Italia , el violín había mejorado (en el volumen, el tono y la agilidad), hasta el punto de que no sólo se convirtió en un instrumento muy importante en la música culta, pero resultó muy atractivo para músicos populares, así, en última instancia, la difusión muy amplia, a veces desplazando instrumentos de arco anterior. etnomusicólogos han observado su uso generalizado en Europa, Asia y las Américas.
En muchas tradiciones dela música popular, las canciones no se escriben, pero se memorizan por sucesivas generaciones de músicos y se transmite tanto en contextos formales e informales.
Violín
Cuando se juega como un instrumento popular, el violín se conoce comúnmente en Inglés como unviolín(aunque el término "violín" se puede utilizar de manera informal sin importar el género de la música).
No es técnicamente no hay diferencia entre un violín y un violín. Sin embargo, algunos violinistas populares alteran sus instrumentos por diversas razones. Un ejemplo puede verse en América (por ejemplo, bluegrass y en tiempo de edad) tocar el violín: en estos estilos, el puente se afeitó a veces hacia abajo de modo que es menos curvada. Esto hace que sea más fácil jugar paradas dobles y triples paradas, lo que permite a uno jugar acordes con menos esfuerzo.
Violines eléctricos
Unviolín eléctricoes un violín equipado con una salida de señal eléctrica de su sonido, y generalmente se considera que es un instrumento especialmente construida que puede ser:
- unviolín electro-acústicacapaz de producir tanto el sonido acústico y señal eléctrica
- unviolín eléctricocapaz de producir solamente señal eléctrica
Para ser eficaz como un violín acústico, violines electroacústicos retener gran parte de la caja de resonancia del violín, a menudo mirando muy parecido, a veces incluso idéntico a, un violín acústico o violín. A menudo se barnizan con colores brillantes y hechos de materiales alternativos a la madera. Los primero especialmente construidas violines eléctricos se remontan a finales de 1930 y fueron realizadas por Victor Pfeil, Oskar Vierling, George Eisenberg, Benjamin Miessner, George Beauchamp, Hugo Benioff y Fredray Kislingbury. La mayoría de los primeros violinistas eléctricos eran músicos tocando jazz y la música popular.
Autenticación de Violín
Autenticación violín es el proceso de determinar el fabricante y la fecha de un violín . Referencias múltiples pueden ser necesarios para ayudar en el proceso de autenticación. Esto se emplea a menudo para combatir las prácticas fraudulentas tales como falsificación violín y otras formas de tergiversación.
