Rembrandt
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| Rembrandt van Rijn | |
|---|---|
 Autorretrato de Rembrandt (1660). | |
| Nombre de nacimiento | Rembrandt Harmenszoon van Rijn |
| Nacionalidad | Holandés |
| Campo | Pintura , Grabado |
| Movimiento | Holandés Edad de Oro Barroco |
| Obras | Dánae, 1636 |
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (pronunciación holandesa: [Rɛmbrɑnt ɦɑrmənsoːn vɑn rɛin], julio 15, 1606 a octubre 4, 1669) fue un holandés pintor y grabador. Él es generalmente considerado como uno de los más grandes pintores y grabadores en La historia europea del arte y el más importante de la historia holandesa . Sus contribuciones al arte vinieron en un período que los historiadores llaman la Holandés Edad de Oro.
Tener éxito juvenil logrado como pintor de retratos, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia personal y las dificultades financieras. Sin embargo, sus grabados y pinturas fueron muy populares durante toda su vida, su reputación como artista se mantuvo alta, y durante veinte años enseñó muchas importantes pintores holandeses. Los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales retratos de sus contemporáneos, autorretratos y las ilustraciones de escenas de la Biblia . Sus autorretratos forman una biografía única e íntima, en la que el artista encuestados sin vanidad y con la mayor sinceridad.
En sus pinturas y grabados expuso el conocimiento de los clásicos iconografía, que él moldeado para adaptarse a las exigencias de su propia experiencia; por lo tanto, la representación de una escena bíblica fue informado por el conocimiento de Rembrandt del texto específico, su asimilación de la composición clásica, y sus observaciones de Amsterdam 's Población judía. Debido a su empatía por la condición humana, que ha sido llamado "uno de los grandes profetas de la civilización."
Vida
Rembrandt Harmenszoon van Rijn nació el 15 de julio 1606 en Leiden, en el Holandés República, hoy en día la Holanda . Fue el noveno hijo nacido de Harmen Gerritszoon van Rijn y Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck. Su familia era muy bien-hacer; su padre era molinero y su madre era hija de un panadero. De niño asistió a América escuela y se inscribió en la Universidad de Leiden, aunque de acuerdo con un contemporáneo que tenía una mayor inclinación hacia la pintura; pronto fue aprendiz de un pintor de historia de Leiden, Jacob van Swanenburgh, con quien pasó tres años. Después de una breve pero importante de aprendizaje de seis meses, con el famoso pintor Pieter Lastman en Ámsterdam , Rembrandt abrió un estudio en Leiden en 1624 o 1625, que compartió con su amigo y colega Jan Lievens. En 1627, Rembrandt comenzó a aceptar estudiantes, entre ellos Gerrit Dou.
En 1629, Rembrandt fue descubierto por el estadista Constantijn Huygens, padre de Christiaan Huygens (un famoso matemático y físico holandés), que procuró para Rembrandt importantes encargos de la corte de La Haya. Como resultado de esta conexión, Prince Frederik Hendrik siguió comprando cuadros de Rembrandt hasta 1646.
A finales de 1631, Rembrandt se trasladó a Amsterdam, a continuación, en rápida expansión como la nueva capital de los negocios de los Países Bajos, y comenzó a ejercer como retratista profesional por primera vez, con gran éxito. Al principio se quedó con un marchante de arte, Hendrick van Uylenburg, y en 1634, se casó con la prima de Hendrick, Saskia van Uylenburg. Saskia venía de una buena familia: su padre había sido abogado y burgemeester (alcalde) de Leeuwarden. Cuando Saskia, como la hija más joven, quedó huérfana, vivía con una hermana mayor en Het Bildt. Se casaron en la iglesia local de San Annaparochie sin la presencia de sus familiares. En el mismo año, Rembrandt se convirtió en un burgués de Amsterdam y miembro del gremio de pintores locales. También adquirió un número de estudiantes, entre ellos Ferdinand Bol y Govert Flinck.
En 1635, Rembrandt y Saskia se mudaron a su propia casa, el alquiler en el moderno Nieuwe Doelenstraat. En 1639, se mudaron a una casa prominente (ahora el Museo Casa de Rembrandt) en el Jodenbreestraat en lo que se estaba convirtiendo en la judía trimestre; la hipoteca para financiar los 13.000 compra florines sería la principal causa de posteriores dificultades financieras. Él debería haber sido fácilmente capaz de pagarlo con su gran ingreso, pero parece que sus gastos siempre se mantiene el ritmo de sus ingresos, y él pudo haber hecho algunas inversiones fallidas. Fue allí que Rembrandt trató con frecuencia a sus vecinos judíos de modelo para sus Antiguo Testamento escenas. Aunque eran ahora ricos, la pareja sufrió varios reveses personales; su hijo Rumbartus murió dos meses después de su nacimiento en 1635 y su hija Cornelia murió a tan sólo 3 semanas de edad en 1638. En 1640, tuvieron una segunda hija, también llamada Cornelia, que murió después de haber vivido poco más de un mes. Sólo su cuarto hijo, Tito, que nació en 1641, sobrevivió hasta la edad adulta. Saskia murió en 1642 poco después del nacimiento de Tito, probablemente de tuberculosis . Dibujos de Rembrandt de ella en su lecho de enfermo y la muerte son algunas de sus obras más conmovedoras.
Durante la enfermedad de Saskia, Geertje Dircx fue contratado como cuidador y la enfermera Tito 'y, probablemente, también se convirtió en amante de Rembrandt. Más tarde se cobraría de Rembrandt con el incumplimiento de la promesa y fue galardonado con la pensión alimenticia de 200 florines al año. Rembrandt trabajó para que su cometido desde hace doce años a un asilo o casa de los pobres (llamado "Bridewell") en Gouda, después de enterarse de Geertje había empeñado las joyas que había pertenecido a Saskia, y que Rembrandt le había dado.
A finales de la década de 1640, Rembrandt comenzó una relación con la mucho más joven Hendrickje Stoffels, que había sido inicialmente su criada. En 1654 tuvieron una hija, Cornelia, con lo que Hendrickje una citación de la Iglesia Reformada de responder a la acusación "que había cometido los actos de una prostituta con Rembrandt el pintor". Ella admitió esto y se le prohibió recibir la comunión. Rembrandt no fue citado a comparecer por el concilio de la Iglesia, porque él no era un miembro de la Iglesia Reformada. Los dos fueron considerados legalmente casados bajo la ley común, pero Rembrandt no se había casado Henrickje, a fin de no perder el acceso a un fideicomiso creado por Tito en el testamento de su madre.
Rembrandt vivió más allá de sus medios, la compra de arte (incluyendo una oferta a su propio trabajo), grabados (de uso frecuente en sus cuadros) y rarezas, lo que probablemente causó un convenio judicial para evitar su la quiebra en 1656, mediante la venta de la mayor parte de sus pinturas y gran colección de antigüedades. La lista de venta sobrevive y nos da una buena perspectiva de sus colecciones, que aparte de Pinturas de viejos maestros y dibujos incluidos los bustos de los emperadores romanos, trajes de armadura japonesa entre muchos objetos procedentes de Asia, y las colecciones de historia natural y los minerales; los precios obtenidos en las ventas en 1657 y 1658 fueron decepcionantes. Se vio obligado a vender su casa y su imprenta y pasar a un alojamiento más modesto en el Rozengracht en 1660. Las autoridades y sus acreedores fueron en general complaciente con él, a excepción de la de Amsterdam gremio de pintores, que introdujo una nueva regla de que nadie en circunstancias de Rembrandt podría operar como un pintor. Para evitar esto, Hendrickje y Tito establecieron un negocio como el arte de bolsa en 1660, con Rembrandt como empleado.
En 1661, él (o más bien el nuevo negocio) fue contratado para completar el trabajo para el ayuntamiento de nueva construcción, pero sólo después de Govert Flinck, el artista encargado con anterioridad, murió sin empezar a pintar. La obra resultante, La conspiración de Claudius Civilis, fue rechazado y devuelto al pintor; el fragmento de la supervivencia es sólo una fracción de toda la obra. Fue en esta época que Rembrandt tuvo en su último aprendiz, Aert de Gelder. En 1662 todavía estaba cumpliendo importantes encargos de retratos y otras obras. Cuando Cosme III de Médicis, Gran Duque de Toscana visitó Amsterdam en 1667, visitó a Rembrandt en su casa.
Rembrandt sobrevivió a Hendrickje tanto, que murió en 1663, y Tito, que murió en 1668, dejando una hija bebé. Rembrandt falleció dentro de un año de su hijo, el 4 de octubre 1669 en Amsterdam, y fue enterrado en una tumba sin nombre en el Westerkerk.
Obras
En una carta a Huygens, Rembrandt era la única explicación que sobrevive de lo que buscaba lograr a través de su arte: el más grande y más natural de movimiento, traducido del de meeste en de natuurlijkste beweegelijkheid. La palabra "beweechgelickhijt" También se argumenta en el sentido de "emoción" o "motivo". Ya sea que esto se refiere a los objetivos, materiales o no está abierto a la interpretación; de cualquier manera, Rembrandt fusionado perfectamente lo terrenal y espiritual, no tiene otro pintor en el arte occidental.
A principios de los conocedores del siglo 20 afirmaron Rembrandt había producido más de 600 pinturas , casi 400 aguafuertes y 2.000 dibujos. Beca más reciente, desde la década de 1960 hasta la actualidad (dirigido por el Rembrandt Research Project), a menudo polémico, ha aventado su obra hasta cerca de 300 pinturas. Su grabados, tradicionalmente llamados todos aguafuertes, aunque muchos se producen en todo o en parte por grabado y, a veces punta seca, tendrá un total mucho más estable de poco menos de 300. Es probable que él hizo muchos dibujos más en su vida que 2000, pero los existentes son más raros que presume. Dos expertos afirman que el número de dibujos cuyo estado autógrafo puede considerarse efectivamente "seguro" no es mayor que aproximadamente 75, aunque esto es discutido. La lista debía ser dado a conocer en una reunión académica en febrero de 2010.
Hubo un tiempo en cerca de noventa pinturas fueron contados como Rembrandt autorretratos, pero ahora se sabe que tenía sus alumnos copien sus propios autorretratos como parte de su formación. La investigación moderna ha reducido el número de autógrafo a más de cuarenta pinturas, así como unos dibujos y treinta y un aguafuertes, que incluyen muchas de las imágenes más notables del grupo. Algunos muestran lo posando en traje de fantasía cuasi-histórica, o tirando de las caras de sí mismo. Sus óleos trazan el progreso de un joven incierto, a través de la retratista atildado y muy exitosa de la década de 1630, a los retratos en problemas pero masivamente poderosas de su vejez. Juntos dan una imagen muy clara del hombre, su apariencia y su estructura psicológica, como lo revela su rostro ricamente resistido.
En una serie de trabajos bíblicos, entre ellos La Elevación de la Cruz, José decir a sus sueños y La lapidación de San Esteban, Rembrandt pintó a sí mismo como un personaje de la multitud. Durham sugiere que esto se debía a que la Biblia era para Rembrandt, "una especie de diario, una cuenta de momentos de su propia vida."
Entre las características más destacadas de su obra son el uso de claroscuro, el empleo teatral de luces y sombras derivado de Caravaggio , o, más probablemente, de los holandeses Caravaggisti, pero adaptado para medios muy personales. También son notables su presentación dramática y viva de los sujetos, carente de la formalidad rígida que sus contemporáneos a menudo exhiben, y una compasión profundamente sentida por la humanidad, independientemente de la riqueza y la edad. Su inmediata familia -su esposa Saskia, su hijo Tito y su concubina Hendrickje a menudo ocuparon un lugar destacado en sus pinturas, muchas de las cuales tenían míticos , bíblicos temas o históricos.
Períodos, temas y estilos
A lo largo de su carrera Rembrandt tomó como sus temas principales los temas del retrato, el paisaje y la pintura narrativa. Por último, fue especialmente elogiado por sus contemporáneos, que lo ensalzaban como intérprete magistral de historias bíblicas para su habilidad en la representación de las emociones y la atención al detalle. Estilísticamente, sus pinturas progresaron desde principios de manera "suave", que se caracteriza por la técnica bien en la representación de forma ilusionista, al tratamiento tardío 'rough' de superficies de pintura ricamente variadas, lo que permitió un ilusionismo de la forma sugerida por la calidad táctil de la pintura en sí.
Un desarrollo paralelo se puede ver en su habilidad como grabador. En los grabados de su madurez, sobre todo a partir de finales de los años 1640 en adelante, la libertad y la amplitud de sus dibujos y pinturas encontradas expresión en el medio de impresión también. Las obras abarcan una amplia gama de temas y la técnica, a veces dejando grandes áreas de papel blanco para sugerir espacio, en otras ocasiones el empleo de complejas redes de línea para producir tonos oscuros ricos.
Fue durante el período de Leiden de Rembrandt (1625-1631) que la influencia de Lastman fue más prominente. También es probable que en este momento Lievens tuvo un fuerte impacto en su trabajo también. Pinturas eran bastante pequeños, pero ricos en detalles (por ejemplo, con trajes y joyas). Religiosa y temas alegóricos fueron favorecidos, al igual que tronies, figuras de medio cuerpo no pretenden ser retratos específicos. En 1626 Rembrandt produjo sus primeros aguafuertes, la amplia difusión de lo que explican en gran parte su fama internacional. En 1629 completó Judas arrepentido, Devolución las piezas de plata y el artista en su estudio, obras que evidencia su interés en el manejo de la luz y la variedad de aplicación de la pintura, y constituyen el primer avance importante en su desarrollo como pintor.
Durante sus primeros años en Amsterdam (1632-1636), Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas dramáticas en alto contraste y de gran formato (El cegamiento de Sansón, 1636, Fiesta de Belsasar, c. 1635 Dánae, 1636), tratando de emular el estilo barroco de Rubens. Con la ayuda ocasional de asistentes en el taller de Uylenburgh, pintó numerosos encargos de retratos ambas pequeña ( Jacob de Gheyn III) y grandes (Retrato del armador Jan Rijcksen y su esposa, 1633, Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, 1632).
A finales de la década de 1630, Rembrandt había producido algunas pinturas y grabados de muchos paisajes. A menudo estos paisajes destacan el drama natural, con árboles desarraigados y cielos ominosos (cabañas antes de un cielo tempestuoso, c. 1641, los tres árboles, 1643). Desde 1640 su trabajo se convirtió en menos exuberante y más sobrio en el tono, que posiblemente refleja la tragedia personal. Escenas bíblicas se derivan ahora más frecuentemente del Nuevo Testamento que el Antiguo Testamento , como había sido el caso antes. En 1642 pintó La ronda de noche, el más notable de los importantes encargos de retratos grupo que recibió en este periodo, y con el que trató de encontrar soluciones a los problemas de composición y narrativa que se había intentado en anteriores trabajos.
En la década posterior a la ronda de noche, las pinturas de Rembrandt variaban mucho en tamaño, tema y estilo. La tendencia anterior a crear efectos dramáticos principalmente por fuertes contrastes de luz y sombra dio paso a la utilización de iluminación frontal y áreas más grandes y más saturados de color. Simultáneamente, las cifras llegaron a ser colocado paralelo al plano de la imagen. Estos cambios pueden ser vistos como un movimiento hacia un modo clásico de la composición y, teniendo en cuenta el uso más expresivo de la pincelada, así, puede indicar una familiaridad con el arte veneciano (Susana y los viejos, 1637-1647). Al mismo tiempo, hubo una marcada disminución en obras pintadas en favor de grabados y dibujos de paisajes. En estas obras gráficas de drama natural, finalmente dejó su sitio a escenas rurales holandeses tranquilas.
En la década de 1650, el estilo de Rembrandt volvió a cambiar. Colores volvieron más ricos y pinceladas más pronunciada. Con estos cambios, Rembrandt se distanció de trabajos anteriores y de la moda actual, que inclina cada vez más hacia las obras excelentes y detalladas. Su enfoque singular aplicación de la pintura puede haber sido sugerida en parte por la familiaridad con el trabajo de Tiziano, y podría ser visto en el contexto de la discusión actual de entonces "Finalizar" y calidad de la superficie de la pintura. Relatos de la época a veces comentan desaprobación de la tosquedad de pinceladas de Rembrandt, y el propio artista se decía que había disuadido a visitantes de mirar demasiado de cerca sus pinturas. La manipulación táctil de la pintura puede escuchar a los procedimientos medievales, cuando los efectos miméticos de prestación informados superficie de una pintura. El resultado final es una rica y variada manipulación de pintura, profundamente en capas y, a menudo aparentemente al azar, lo que sugiere forma y el espacio, tanto en forma ilusionista y altamente individual.
En años posteriores, temas bíblicos fueron aún representan a menudo, pero la atención se desplazó desde escenas de grupo dramáticas cifras retrato-como íntimos (Santiago Apóstol, 1661). En sus últimos años, Rembrandt pintó sus autorretratos más profundamente reflexivo (1652-1669 pintó quince), y varias imágenes en movimiento de los hombres y las mujeres ( La novia judía, ca. 1666) -en el amor, en la vida, y ante Dios.
Aguafuertes
Rembrandt produjo aguafuertes para la mayor parte de su carrera, desde 1626 hasta 1660, cuando se vio obligado a vender su imprenta y grabado prácticamente abandonado. Sólo el año con problemas de 1649 no produjo ninguna obra fechada. Tomó fácilmente al grabado y, a pesar de que también aprendió a utilizar un buril y en parte muchas placas grabadas, la libertad de técnica de grabado fue fundamental para su trabajo. Fue muy estrechamente involucrado en todo el proceso de grabado, y debe haber impreso al menos los primeros ejemplos de él mismo sus aguafuertes. Al principio se utilizó un estilo basado en el dibujo, pero pronto se trasladó a uno basado en la pintura, con una masa de líneas y numerosos bitings con el ácido para lograr diferentes puntos fuertes de la línea. Hacia el final de la década de 1630, reaccionó en contra de esta forma y se trasladó a un estilo más sencillo, con menor número de mordeduras. Trabajó en la llamada Cien florines por etapas a lo largo de la década de 1640, y fue el "trabajo crítico en el medio de su carrera", de la que su estilo definitivo grabado comenzó a emerger. Aunque la impresión sólo sobrevive en dos estados, el primero muy raro, la evidencia de mucho reelaboración se pueden ver debajo de la impresión final y muchos dibujos sobreviven por elementos de la misma.
En las obras de madurez de la década de 1650, Rembrandt era más listo que improvisar en el plato y impresiones de gran tamaño suelen sobrevivir en varios estados, hasta once, a menudo cambiado radicalmente. Él usa ahora la eclosión de crear sus zonas oscuras, que a menudo ocupan gran parte de la placa. También experimentó con los efectos de la impresión en diferentes tipos de papel, incluyendo papel japonés, que usó con frecuencia, y en vitela. Comenzó a usar "tono superficie", dejando una fina capa de tinta sobre partes de la placa en lugar de limpiarlo completamente limpio para imprimir cada impresión. Hizo un mayor uso de punta seca, explotando, sobre todo en los paisajes, los ricos rebabas difusa que esta técnica le da a las primeras impresiones.
Sus huellas tienen temas similares a sus pinturas, aunque los veintisiete autorretratos son relativamente más comunes, y retratos de otras personas no tanto. Hay cuarenta y seis paisajes, en su mayoría pequeños, que establecen en gran medida el curso para el tratamiento gráfico de paisaje hasta el final del siglo 19. Una tercera parte de sus grabados son de temas religiosos, muchos tratados con una simplicidad hogareño, mientras que otros son sus grabados más monumentales. Unos erótico, o simplemente obscenos, composiciones no tienen equivalente en sus pinturas. Era dueño, hasta que fue obligado a vender, una magnífica colección de grabados de otros artistas, y muchos préstamos e influencias en su obra se puede remontar a artistas tan diversos como Mantegna, Rafael , Hercules Segers, y Giovanni Benedetto Castiglione.
Guardianes de la noche
Rembrandt pintó La Sociedad Milicia de capitán Frans Banning Cocq entre 1640 y 1642. Este cuadro fue llamado el Nachtwacht por los holandeses y los Guardianes de la Noche por Sir Joshua Reynolds, ya en el siglo 18, el cuadro fue tan atenuado y desfigurado por el tiempo que era casi indistinguible y parecía bastante como una escena nocturna. Después de que se limpió, se descubrió para representar el día un amplio grupo de mosqueteros paso a paso de un patio sombrío en el sol cegador.
La pieza fue encargada por la nueva sala de la Kloveniersdoelen, la rama mosquetero de la milicia cívica. Rembrandt se apartó de la convención, que ordenó que tales piezas de género deben ser majestuosa y formal, más bien un line-up de una escena de acción. En su lugar, mostró la milicia preparándose a sí mismos para embarcarse en una misión (qué tipo de misión, una patrulla ordinaria o algún evento especial, es una cuestión de debate).
Contrariamente a lo que se dice a menudo el trabajo fue aclamado como un éxito desde el principio. Las partes de la tela fueron cortados (se eliminó aproximadamente el 20% desde el lado de la izquierda) para que la pintura se ajusta a su nueva posición en que se trasladó a Amsterdam ayuntamiento en 1715; el Rijksmuseum tiene una copia más pequeña de lo que se piensa que es la composición original completo; las cuatro cifras en la parte delantera están en el centro del lienzo. La pintura está ahora en el Rijksmuseum, Amsterdam .
Evaluaciones de expertos
En 1968 el Proyecto de Investigación Rembrandt se inició bajo el patrocinio de la Organización Holandesa para la Promoción de la Investigación Científica; se esperaba inicialmente para durar muy optimistas diez años. Los historiadores del arte se unieron con expertos de otros campos para reevaluar la autenticidad de las obras atribuidas a Rembrandt, usando todos los métodos disponibles, incluyendo los diagnósticos técnicos del estado de la técnica, y para compilar una completa nueva catálogo razonado de sus pinturas. Como resultado de sus hallazgos, muchas pinturas que fueron atribuidos previamente a Rembrandt se han eliminado de su lista, aunque otros han sido añadidos. Muchos de los expulsados están ahora cree que el trabajo de sus estudiantes.
Un ejemplo de actividad es El jinete polaco, en Nueva York Colección Frick. Su autenticidad ha sido cuestionada por varios años antes de que los estudiosos, dirigido por Julius Held. Muchos, entre ellos el Dr. Josua Bruyn del Proyecto de Investigación Rembrandt Fundación, atribuyó la pintura a uno de los discípulos más cercanos y con más talento de Rembrandt, Willem Drost, del que se sabe poco. La Frick sí nunca cambió su propia atribución, la etiqueta sin dejar de leer "Rembrandt" y no "atribuye a" o "escuela de". Opinión más reciente se ha desplazado a favor de la Frick, con Simon Schama en su libro de 1999 Los ojos de Rembrandt, y un erudito Rembrandt Proyecto, Ernst van de Wetering (Melbourne Simposio, 1997), tanto el argumento para la atribución al maestro. Muchos eruditos creen que la ejecución es desigual, y favorecen diferentes atribuciones para diferentes partes de la obra.
Otra pintura, Pilatos se lava las manos, también es de atribución dudosa. La opinión crítica de esta imagen ha variado desde 1905, cuando Wilhelm von Bode la describió como "una obra un tanto anormal" de Rembrandt. Desde Los eruditos han fechado la pintura para los años 1660 y asignado a un alumno anónimo, posiblemente Arent de Gelder. La composición tiene semejanza superficial a madurar obras de Rembrandt, pero carece de la orden del maestro de la iluminación y el modelado.
El trabajo atribución y re-atribución está en curso. En 2005 cuatro óleos previamente atribuidos a los estudiantes de Rembrandt fueron reclasificados como la obra de Rembrandt mismo: Estudio de un viejo hombre en Perfil y Estudio de un viejo hombre con una barba de una colección privada de Estados Unidos, Estudio de una mujer que llora, propiedad de la Detroit Institute of Arts, y Retrato de una mujer mayor en un capo blanco, pintado en 1640.
Propia práctica de estudio de Rembrandt es un factor importante en la dificultad de la atribución, ya que, al igual que muchos maestros que le precedieron, animó a sus estudiantes a copiar sus pinturas, a veces terminando o retocarlas para ser vendidos como originales, y en ocasiones la venta de ellos copias autorizadas. Además, su estilo resultó bastante fácil para sus estudiantes más talentosos para emular. Para complicar aún más las cosas es la desigual calidad de algunos de la propia obra de Rembrandt, y sus evoluciones y experimentos estilísticos frecuentes. Además, hubo más tarde imitaciones de su obra, y las restauraciones que tan seriamente dañado el original funciona que ya no son reconocibles. Es muy probable que nunca habrá un acuerdo universal en cuanto a lo que funciona y lo que no constituye un auténtico Rembrandt.
Nombre y firma
"Rembrandt" es una modificación de la ortografía del nombre del artista que él introdujo en 1633. En términos generales, sus primeras firmas (ca. 1625) consistieron en una inicial "R", o el monograma "RH" (por Rembrandt Harmenszoon; es decir, "Rembrant, hijo de Harmen"), ya partir de 1629, "la BSR" (la "L" se puso de pie, presumiblemente, por Leiden). En 1632, utilizó este monograma a principios de año, y luego añadió su patronímico a ella, "RHL-van Rijn", pero sustituye esta forma en ese mismo año y comenzó a usar su nombre de pila a solas con su ortografía original, "Rembrant". En 1633, añadió una "d", y mantuvo esta forma consistentemente desde entonces, lo que demuestra que este cambio menor tenía un significado para él (lo que podría haber sido). Este cambio es puramente visual; no cambia la forma en que su nombre se pronuncia. Curiosamente, a pesar de la gran cantidad de pinturas y grabados firmados con este nombre modificado, la mayor parte de sus documentos que lo mencionan durante su vida conservó la ortografía original "Rembrant". (Nota: la cronología aproximada de formas de firma anterior se aplica a las pinturas, y en menor grado en los grabados, desde 1632, presumiblemente, sólo hay un grabado de la firma del gran formato "Cría de" RHL-v Rijn, ". Lázaro, "B 73). Su práctica de firmar su trabajo con su primer nombre, más tarde seguido por Vincent van Gogh , fue probablemente inspirado por Rafael , Leonardo da Vinci y Miguel Ángel que, entonces como ahora, se refiere solo por sus nombres de pila.
Teoría óptica
Una carta publicada en 2004 por Margaret S. Livingstone, profesora de neurobiología en Escuela de Medicina de Harvard, sugiere que Rembrandt, cuyos ojos no alinear correctamente, sufría de ceguera estéreo. Esta conclusión se hizo después de estudiar 36 autorretratos de Rembrandt. Porque no podía formar una normalidad la visión binocular, su cerebro cambia automáticamente a un ojo para muchas tareas visuales. Esta discapacidad puede haberle ayudado a aplanar las imágenes que veía, y luego lo puso en el bidimensional lona. Livingstone teoría de que esto era una ventaja para el pintor: "Los profesores de arte a menudo instruyen a los estudiantes para cerrar un ojo con el fin de aplastar lo que ven lo tanto, el estrabismo podría no ser una. desventaja y podría incluso ser un activo para algunos artistas ".
Taller
Se sabe que Rembrandt corría un gran taller y tenía muchos alumnos. Su fama era tal que importantes dignatarios visitando Amsterdam deseaba comprar piezas, y él estaba más que dispuesto a cumplir si pudiera. La lista de alumnos de Rembrandt de su período en Leiden, así como su tiempo en Amsterdam es bastante largo, sobre todo debido a su influencia en los pintores a su alrededor era tan grande que es difícil decir si alguien trabajó para él en su estudio o simplemente copió su estilo para los clientes deseosos de adquirir un Rembrandt. Una lista parcial: Ferdinand Bol, Adriaen Brouwer, Gerrit Dou, Willem Drost, Heiman Dullaart, Gerbrand van den Eeckhout, Carel Fabritius, Govert Flinck, Hendrick Fromantiou, Arent de Gelder, Samuel van Hoogstraten, Abraham Janssens, Godfrey Kneller, Philip de Koninck, Jacob Levecq, Nicolaes Maes, Jürgen Hornos, Christopher Paudiss, Willem de Poorter, Jan Victors, y Willem van der Vliet.
Colecciones de los museos
Las colecciones más notables de la obra de Rembrandt se encuentran en Amsterdam de Rijksmuseum, incluyendo De Nachtwacht ( La ronda de noche) y Het Joodse bruidje (La novia judía), La Haya 's Mauritshuis, Museo del Hermitage, San Petersburgo , la National Gallery de Londres , Gemäldegalerie, Berlín, Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde, la ciudad de Nueva York , Washington, DC , El Louvre , Museo Nacional de Estocolmo y Kassel .. Su casa, conservada como la Museo Casa de Rembrandt en Amsterdam, muestra muchos ejemplos de su aguafuertes; todos los principales salas de impresión tienen la mayoría de ellos, aunque un número existe en sólo un puñado de impresiones (copias).
Los trabajos seleccionados
- La lapidación de San Esteban (1625) - Museo de Bellas Artes de Lyon, Lyon
- Jacob de Gheyn III (1632) - Dulwich Picture Gallery, Londres , Inglaterra
- Andrómeda encadenada a las rocas (1631) - Mauritshuis, La Haya
- Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1631) - Mauritshuis, La Haya
- Artemisia (1634) - Óleo sobre lienzo, 142 x 152 cm, Museo del Prado, Madrid
- Descendimiento de la Cruz (1634) - Óleo sobre lienzo, 158 x 117 cm, saqueado de la Landgrave de Hesse-Kassel (o Hesse-Cassel), Alemania en 1806, en la actualidad Museo del Hermitage, San Petersburgo
- El festín de Baltasar (1635) - National Gallery , Londres
- El hijo pródigo en la Taberna (c 1635.) - Óleo sobre lienzo, 161 x 131 cm Gemäldegalerie, Dresde
- Dánae (1636) - Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo
- La Guardianes de la noche, de manera formal la Compañía milicia del capitán Frans Banning Cocq (1642) - Rijksmuseum, Amsterdam
- Cristo que cura a los enfermos ( Aguafuerte c. 1643, también conocido como El Cien Florines Imprimir), apodado por la enorme suma pagada por él
- The Mill (1645-1648) - La Galería Nacional de Arte, Washington, DC
- Viejo hombre con una cadena de oro ("viejo hombre con un sombrero Negro y Gorget") (c. 1631) Instituto de Arte de Chicago
- Susana y los viejos (1647) - Óleo sobre tabla, 76 x 91 cm, Gemäldegalerie de Berlín
- Aristóteles contemplando el busto de Homero (1653) - Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
- Betsabé con la carta de David (1654) - Louvre, París
- Autorretrato (1658) - Frick Collection, Nueva York
- Las Tres Cruces (1660) Grabado, cuarto estatales.
- Asuero y Amán al banquete de Ester - Museo Pushkin, Moscú
- Conspiración de Claudius Civilis (1661) - Nationalmuseum, Estocolmo ) ( Claudius Civilis encabezó una revuelta holandesa contra los romanos ) (la mayor parte de la pintura cortar está perdido, todavía existe sólo la parte central)
- Los síndicos de los pañeros (holandés De Staalmeesters, 1662) - Rijksmuseum, Amsterdam
- La novia judía (1664) - Rijksmuseum, Amsterdam
