Artes visuales
Antecedentes
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Las artes visuales son formas de arte que crean obras que son principalmente visual en la naturaleza, tales como cerámica, dibujo , pintura , escultura , grabado , diseño, artes, y las artes visuales a menudo modernos ( fotografía , video, y cine) y la arquitectura . Estas definiciones no deben tomarse demasiado estrictamente como muchas disciplinas artísticas ( artes del espectáculo, arte conceptual, artes textiles) implican aspectos de las artes visuales, así como artes de otros tipos. También se incluye dentro de las artes visuales son la artes aplicadas, como diseño industrial, diseño gráfico, diseño de moda, diseño de interiores y arte decorativo.
Como se indicó anteriormente, el uso actual del término "artes visuales" incluye obras de arte , así como la aplicada, artes decorativas y artesanías, pero esto no fue siempre el caso. Antes de Movimiento de Artes y Oficios en Gran Bretaña y en otros lugares a la vuelta del siglo 20, el artista término se suele restringirse a una persona que trabaja en las bellas artes (como la pintura , la escultura o el grabado ) y no el artesanía, artesanal, o los medios de comunicación de arte aplicado. La distinción fue enfatizado por artistas de la Movimiento Arts and Crafts que valoraban las formas artísticas vernáculas tanto como altas formas. Las escuelas de arte hacen una distinción entre las bellas artes y la artesanías mantener que un artesano no podía ser considerado un profesional del arte.
La creciente tendencia a la pintura privilegio, y una escultura en menor grado, por encima de otras artes ha sido una característica de Arte occidental, así como Arte de Asia oriental. En ambas regiones pintura ha sido visto como confiar en el mayor grado en la imaginación del artista, y la que más se aparte del trabajo manual - en Pintura china de los estilos más valorados fueron los de "erudito-pintura", al menos en teoría practicado por aficionados caballero. El Occidental jerarquía de los géneros refleja actitudes similares.
Educación y entrenamiento
La formación en las artes visuales en general ha sido a través de las variaciones de la aprendiz y el sistema de taller. En Europa el Renacimiento movimiento para aumentar el prestigio de la artista llevó a la sistema de academia para la formación de artistas, y hoy en día la mayoría de trenes de escuelas de arte a nivel terciario. Las artes visuales se han convertido en una asignatura optativa en la mayoría de los sistemas educativos. (Ver también la educación artística.)
Dibujo
Dibujo es un medio de hacer una imagen, utilizando cualquiera de una amplia variedad de herramientas y técnicas. Por lo general, implica la realización de marcas en una superficie mediante la aplicación de presión de una herramienta, o mover una herramienta a través de una superficie utilizando medios secos, tales como grafito lápices, pluma y tinta, entintadas cepillos , cera lapices de colores, lápices de colores, carboncillos, pasteles, y marcadores. También se utilizan herramientas digitales que simulan los efectos de estos. Las principales técnicas utilizadas en el dibujo son: dibujo lineal, eclosión, cruce de líneas, la eclosión azar, garabatos, punteado, y mezcla. Un artista que se destaca en el dibujo se conoce como dibujante o dibujante ".
Historia temprana
Dibujo se remonta por lo menos 16.000 años Representaciones rupestres paleolíticas de animales, como los que están en Lascaux en Francia y Altamira en España. En el antiguo Egipto, dibujos a tinta sobre papiro, a menudo representando personas, fueron utilizados como modelos para la pintura o la escultura. Dibujos en Jarrones griegos, en un principio geométrico, desarrollada posteriormente a la forma humana con negro-figura de cerámica en el siglo séptimo antes de Cristo.
Renacimiento
Con papel cada vez más común en Europa en el siglo 15, el dibujo fue adoptado por maestros como Sandro Botticelli, Rafael , Miguel Ángel y Leonardo da Vinci , que trata a veces dibujo como un arte por derecho propio en lugar de una etapa preparatoria para la pintura o la escultura.
Pintura
Pintura tomado literalmente es la práctica de aplicar pigmento suspendido en un vehículo (o medio) y un agente de unión (una pegamento) a una superficie (apoyo), tales como papel, lienzo o una pared. Sin embargo, cuando se utiliza en un sentido artístico que significa el uso de esta actividad en combinación con el dibujo , composición y otras consideraciones estéticas con el fin de manifestar la intención expresiva y conceptual del médico. La pintura también se utiliza para expresar adornos e ideas espirituales; sitios de este tipo de pintura se extienden de las ilustraciones que representan figuras mitológicas en la cerámica a La Capilla Sixtina para el cuerpo humano en sí.
Orígenes e historia temprana
Como el dibujo, la pintura tiene sus orígenes en las cuevas y en las caras de la roca. Los ejemplos más finos, que se cree por algunos como 32.000 años de edad, están en la Chauvet y Cuevas de Lascaux en el sur de Francia. En tonos de rojo, marrón, amarillo y negro, las pinturas en las paredes y los techos son de bisontes, vacas, caballos y ciervos.
Las pinturas de figuras humanas se pueden encontrar en las tumbas del antiguo Egipto. En el gran templo de Ramsés II , Nefertari, su reina, se representa ser guiado por Isis . Los griegos contribuyeron al desarrollo de la pintura, pero gran parte de su obra se ha perdido. Una de las mejores representaciones restantes es el mosaico de la Batalla de Issos encontrar en Pompeya que probablemente se basa en una pintura griega. El arte griego y romano contribuyó a Arte bizantino en el siglo I aC cuarto que inició una tradición en la pintura de iconos.
El Renacimiento
Aparte de la iluminado manuscritos producidos por los monjes durante la Edad Media , la próxima contribución significativa al arte europeo era de Pintores renacentistas italianos. Desde Giotto en el siglo 13 para Leonardo da Vinci y Rafael a principios del siglo 16, este fue el período más rico Se utilizó el arte italiano como la técnica del claroscuro para crear la ilusión de espacio 3-D.
Pintores en el norte de Europa también se vieron influidos por la escuela italiana. Jan van Eyck de Bélgica, Pieter Bruegel el Viejo de los Países Bajos y Hans Holbein el Joven de Alemania son algunos de los pintores más exitosos de la época. Utilizaron el acristalamiento técnica con aceites para lograr la profundidad y luminosidad.
Maestros holandeses
El siglo 17 vio el surgimiento de los grandes maestros holandeses como el versátil Rembrandt que está especialmente recordado por sus retratos y escenas de la Biblia, y Vermeer que se especializó en escenas interiores de la vida holandesa.
Impresionismo
Impresionismo comenzó en Francia en el siglo 19 con una asociación libre de artistas como Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne que trajo un nuevo estilo libremente cepillado a la pintura, a menudo elegir para pintar escenas realistas de la vida moderna fuera más que en el estudio. Lograron vibración intensa del color mediante el uso de colores puros y sin mezclar pinceladas cortas.
Post-impresionismo
Hacia el final del siglo 19, varios pintores jóvenes tomaron impresionismo un paso más, el uso de formas geométricas y de color natural para representar emociones mientras se esfuerza para el simbolismo más profundo. De particular interés son Paul Gauguin, que fue fuertemente influenciado por el arte asiático, africano y japonés, Vincent van Gogh , un holandés que se trasladó a Francia, donde se basó en la fuerte luz del sol del sur, y Toulouse-Lautrec, recordado por sus vívidas pinturas de la vida nocturna en el distrito de París Montmartre.
El simbolismo, el expresionismo y el cubismo
Edvard Munch, un artista noruego, desarrolló su enfoque simbolista a finales del siglo 19, inspirado por el impresionista francés Manet . El grito (1893), su obra más famosa, es ampliamente interpretado como la representación de la ansiedad universal del hombre moderno. En parte como resultado de la influencia de Munch, el alemán expresionista movimiento se originó en Alemania a principios del siglo 20 como artistas como Ernst Kirschner y Erich Heckel comenzó a distorsionar la realidad para un efecto emocional. En paralelo, el estilo conocido como el cubismo desarrollado en Francia como artistas se centró en el volumen y el espacio de las estructuras cortantes dentro de una composición. Pablo Picasso y Georges Braque fueron los principales defensores del movimiento. Los objetos se rompen, analizados y re-ensamblados en una forma abstracta. Por la década de 1920, el estilo se había convertido en el surrealismo con Dalí y Magritte.
Grabado
Grabado está creando para los propósitos artísticos una imagen en una matriz que luego se transfiere a una superficie de dos dimensiones (plano) por medio de tinta (u otra forma de pigmentación). Excepto en el caso de una monotype, la misma matriz se puede utilizar para producir muchos ejemplos de la impresión. Históricamente, las principales técnicas (también llamados medios de comunicación) que participan son grabar en madera, la línea grabado, aguafuerte, litografía y serigrafía (serigrafía, serigrafía), pero existen muchos otros, incluyendo las técnicas digitales modernas. Normalmente, la superficie sobre la que se imprime la impresión es papel, pero hay excepciones, de tela y vitela con materiales modernos. Imprime en la tradición occidental producidas antes de 1830 se conocen como viejos maestros impresiones. Hay otras tradiciones grabado principales, especialmente la de Japón ( ukiyo-e).
Orígenes chinos
En china , el arte del grabado desarrolló hace unos 1.100 años, como ilustraciones junto texto cortados en bloques de madera para imprimir en papel. Inicialmente imágenes eran principalmente religiosa, sino en la dinastía Song , los artistas comenzaron a cortar paisajes. Durante el Ming (1368-1644) y Qing (1616-1911) dinastías, la técnica fue perfeccionada para ambos grabados religiosos y artísticos.
La historia de Europa
En Europa, desde alrededor de 1400 dC grabar en madera, se utilizó para maestros impresiones en papel mediante el uso de técnicas para la impresión sobre tela que se había desarrollado en los mundos bizantino e islámico. Michael Wolgemut mejoró grabado alemán de alrededor de 1475, y Erhard Reuwich, un holandés, fue el primero en utilizar esgrafiado. Al final del siglo Albrecht Dürer trajo la xilografía occidental a un nivel que nunca ha sido superado, aumentando el estado de la xilografía de una sola hoja.
Fotografía
Fotografía es la técnica de grabar imágenes mediante la acción de la luz. Luz patrones reflejada o emitida por objetos se registran en un medio de almacenamiento o de chip sensible a través de una cronometrada la exposición. El proceso se realiza a través mecánico, químico o dispositivos digitales conocidos como cámaras.
La palabra proviene de la Palabras griegas φως phos ("luz"), y γραφις Graphis ("stylus", "pincel") o Graphe γραφη, junto significa "dibujar con luz" o "representación por medio de líneas" o "dibujo". Tradicionalmente, el producto de la fotografía ha sido llamado un fotografía. El término de la foto es una abreviatura; muchas personas también los llaman imágenes. En la fotografía digital, la imagen término ha comenzado a reemplazar fotografía. (El término imagen es tradicional en geométricas óptica .)
El cine
El cine es el proceso de hacer un movimiento de imagen, desde una concepción inicial y la investigación, a través de la escritura de guiones, rodaje y grabación, animación u otros efectos especiales, edición, sonido y el trabajo musical y finalmente la distribución a una audiencia; se refiere ampliamente a la creación de todo tipo de películas, documentales, abrazando cepas de teatro y la literatura en el cine, y las prácticas poéticas o experimentales, y se utiliza a menudo para referirse a los procesos basados en video también.
Arte de ordenador
Los artistas visuales ya no se limitan a medios de arte tradicional. Los ordenadores han sido utilizados como una herramienta cada vez más común en la técnica visual desde los años 1960. Usos de los ordenadores en las artes visuales incluyen la captura o creación de imágenes y formas, la edición de las imágenes y las formas (incluyendo la exploración múltiple composiciones) y luego la final prestación y / o impresión (incluyendo La impresión 3D).
Arte de la computadora es cualquier arte en el que las computadoras jugaron un papel en la producción o la exhibición de la obra. Este arte puede ser una imagen, sonido, animación, video, CD-ROM, DVD , videojuegos , sitio web, algoritmo , rendimiento o instalación galería. Muchas disciplinas tradicionales están integrando las tecnologías digitales y, como consecuencia, las líneas entre las obras de arte tradicionales y nuevas obras en los medios creados usando computadoras se han desdibujado. Por ejemplo, un artista puede combinar tradicional pintura con arte algorítmico y otras técnicas digitales. Como resultado, la definición de arte de la computadora por su producto final por lo tanto puede ser difícil. Sin embargo, este tipo de arte está comenzando a aparecer en exposiciones de arte de los museos, a pesar de que aún tiene que demostrar su legitimidad como una forma en sí mismo y esta tecnología es ampliamente visto en el arte contemporáneo más como una herramienta más que una forma como con la pintura.
El uso del ordenador ha desdibujado las distinciones entre ilustradores, fotógrafos, editores de fotografía, Modeladores 3D, y artistas de artesanía. Renderizado sofisticado y software de edición ha llevado a los desarrolladores de imagen de múltiples talentos. Los fotógrafos pueden convertirse artistas digitales. Ilustradores pueden llegar a ser animadores. Artesanía puede ser asistido por ordenador o por el uso imágenes generadas por ordenador como una plantilla. Computadora el uso de imágenes prediseñadas ha hecho también la clara distinción entre las artes visuales y diseño de página menos evidente debido a la facilidad de acceso y edición de imágenes prediseñadas en el proceso de paginar un documento, especialmente para el observador no calificada.
Escultura
La siguiente es una copia del resumen introductorio en la página de Escultura
La escultura es la rama de las artes visuales que operan en tres dimensiones, y una de las artes plásticas. Procesos escultóricos duraderos utilizados originalmente tallar (la eliminación de material) y el modelado (la adición de material, como la arcilla), en piedra , de metal , cerámica, madera y otros materiales, pero, desde modernismo, los cambios en el proceso escultórico llevaron a una libertad casi completa de los materiales y procesos. Una amplia variedad de materiales puede ser trabajado por la eliminación como la talla, montado por soldadura o modelado, o moldeado, o fundido.
Escultura en piedra sobrevive mucho mejor que las obras de arte en materiales perecederos, ya menudo representa a la mayoría de los trabajos de la supervivencia (distintos de cerámica) de las culturas antiguas, aunque a la inversa tradiciones de la escultura en madera pueden haber desaparecido casi por completo. Sin embargo, la mayor escultura antigua estaba brillantemente pintado, y esto se ha perdido.
Escultura ha sido central en la devoción religiosa en muchas culturas, y hasta siglos recientes grandes esculturas, demasiado caros para los particulares para crear, eran por lo general una expresión de la religión o la política. Esas culturas cuyas esculturas han sobrevivido en cantidades incluyen las culturas del Mediterráneo antiguo, la India y China, así como muchos de América del Sur y África.
La Tradición occidental de la escultura comenzó en la antigua Grecia , y Grecia es ampliamente visto como la producción de las grandes obras maestras de la período clásico. Durante la Edad Media, Escultura gótica representaba las agonías y las pasiones de la fe cristiana. El resurgimiento de los modelos clásicos en el Renacimiento produjo esculturas famosos como Miguel Ángel 's David. Escultura modernista se alejó de los procesos tradicionales y el énfasis en la representación del cuerpo humano, con la realización de escultura construida, y la presentación de encontrado objetos como obras de arte terminadas.
Tipos de escultura
Escultura Una distinción básica es entre la escultura en la ronda, libre-de pie, como estatuas, no unidos (excepto posiblemente en la base) a cualquier otra superficie, y los diversos tipos de alivio, que están al menos parcialmente unido a una superficie de fondo. Socorro se clasifica a menudo por el grado de proyección de la pared en baja o bajorrelieve, alto relieve, en ocasiones, una intermedia mediados de alivio. Relieve hundido es una técnica restringida al Antiguo Egipto. El relieve es el medio escultórico habitual para grandes grupos de figuras y temas narrativos, que son difíciles de lograr en la ronda, y es la técnica típica utilizada tanto para escultura arquitectónica, que se une a los edificios, y para la escultura pequeña escala decorar otros objetos, como en gran parte de la cerámica , orfebrería y joyería . Relieves también pueden decorar estelas, losas verticales, generalmente de piedra, que contienen la escultura oa veces sólo inscripciones.
Otra distinción básica es entre las técnicas de sustracción de talla, que eliminan material de un bloque o un bulto existente, por ejemplo, de la piedra, y técnicas de modelización que forma o construir la obra a partir del material. Técnicas tales como fundición, estampado y moldeo utilizar una matriz intermedia que contiene el diseño para producir la obra; muchos de ellos permiten la producción de varias copias.
Escultura a menudo se utiliza principalmente para describir las grandes obras, que a veces se llaman monumental escultura, significado alguno o ambos de la escultura que es grande, o que se adjunta a un edificio. Pero el término cubre adecuadamente muchos tipos de pequeñas obras en tres dimensiones utilizando las mismas técnicas, como monedas y medallas, tallas de piedra dura, un término para las pequeñas tallas en piedra que pueden tomar de trabajo detallado.
El muy grande o "colosal" estatua ha tenido un atractivo perdurable desde la antigüedad; la mayor registrada en 128 m (420 pies) es el chino 2002 Primavera Templo del Buda. Otra gran forma de escultura retrato es el estatua ecuestre de un jinete sobre el caballo, que se ha convertido poco común en las últimas décadas. Las formas más pequeñas de tamaño natural retrato escultórico son la "cabeza", que muestra exactamente eso, o el busto, la representación de una persona desde el pecho hacia arriba. Formas pequeñas de escultura incluyen la estatuilla, normalmente una estatua que no es más que decir 18 pulgadas de alto, y por los relieves plaquette, medalla o moneda.
El arte moderno y contemporáneo se han añadido una serie de formas no tradicionales de la escultura, que incluye: Escultura sonora, Escultura de luz, Arte del Medio Ambiente, Escultura del Medio Ambiente, Escultura cinética, que implica aspectos de movimiento físico , Land art y Site-specific art. La escultura es una forma importante de arte público. Una colección de escultura en un jardín puede ser llamado un jardín de esculturas.
Propósitos y temas
Uno de los propósitos más comunes de la escultura es en alguna forma de asociación con la religión. Imágenes de culto son comunes en muchas culturas, aunque a menudo no son las colosales estatuas de la deidad que caracteriza Arte griego antiguo, como la Estatua de Zeus en Olimpia ; las imágenes de culto reales en los santuarios más íntimos de Templos egipcios, de los cuales ninguno ha sobrevivido, eran evidentemente bastante pequeño, incluso en los templos más grandes, y la misma es a menudo cierto en el hinduismo , donde la forma muy simple y antigua de la lingam es el más común. Budismo trajo la escultura de figuras religiosas al este de Asia, donde no parece haber habido tradición equivalente anterior, aunque las formas más simples, como el bi y cong probablemente tenía un significado religioso.
Escultura de género chico como posesiones personales se remontan al arte prehistórico más antiguo, y el uso de la escultura muy grande como arte público, sobre todo para impresionar al espectador con el poder de un gobernante, se remonta al menos a la Gran Esfinge de hace unos 4.500 años. En la arqueología e historia del arte de la apariencia, ya veces la desaparición, de la escultura monumental grande o en una cultura es considerada como de gran importancia, aunque el seguimiento de la aparición a menudo se complica por la presunta existencia de la escultura en madera y otros materiales perecederos de los cuales hay registro permanece; la tótem es un ejemplo de una tradición de la escultura monumental en madera que dejaría rastros para la arqueología. La capacidad de convocar a los recursos para crear la escultura monumental, transportando generalmente materiales muy pesados y los arreglos para el pago de lo que por lo general se consideran como escultores de tiempo completo, se considera una marca de una cultura relativamente avanzada en términos de organización social. Recientes descubrimientos inesperados de antiguos chinos la edad de bronce en figuras Sanxingdui, algunos muchas ideas más del doble de tamaño humano, hayan perturbado que se tienen sobre la civilización china temprana, ya que sólo mucho más pequeños bronces eran conocidos previamente. Algunas culturas, sin duda, avanzadas, como la civilización del valle del Indo , parecen haber tenido ninguna escultura monumental en absoluto, aunque la producción de figuras y sellos muy sofisticados. La Cultura Mississippi parece haber sido avanzar hacia su uso, con pequeñas figuras de piedra, cuando se derrumbó. Otras culturas, como el Antiguo Egipto y la Cultura de Isla de Pascua, parece haber dedicado enormes recursos a la escultura monumental muy gran escala desde una etapa muy temprana.
La recolección de la escultura, entre ellas la de períodos anteriores, se remonta a unos 2.000 años, en Grecia, China y Mesoamérica, y muchas colecciones estaban disponibles en la pantalla semi-público mucho antes de lo moderno museo fue inventado. Desde el siglo 20 el área relativamente limitada de los sujetos que se encuentran en gran escultura se expandió enormemente, con temas abstractos y el uso o la representación de cualquier tipo de sujeto ahora común. Hoy en día gran escultura está hecha para la visualización intermitente en galerías y museos, y la capacidad para transportar y almacenar las cada vez más grandes obras es un factor en su construcción. Pequeño decorativo estatuillas, más a menudo en la cerámica, son tan populares hoy en día (aunque extrañamente descuidada por moderno y Arte contemporáneo) como lo fueron en el rococó , o en la antigua Grecia, cuando Figurillas de Tanagra eran una industria importante, o en Asia Oriental y el El arte precolombino. Accesorios esculpidos pequeñas para muebles y otros objetos van bien remonta a la antigüedad, como en el Marfiles de Nimrud, Marfiles Begram y descubrimientos de la tumba de Tutankamón.
Escultura Retrato comenzó en Egipto, donde el Paleta de Narmer muestra un gobernante del siglo BCE 32a y Mespotamia , donde tenemos 27 sobreviviente estatuas de Gudea, que gobernaron Lagash c. 2144 - 2124 aC. En la antigua Grecia y Roma la erección de una estatua retrato en un lugar público era casi la marca más alta de honor, y la ambición de la élite, que también podría ser representado en una moneda, en otras culturas como Egipto y el público en Cercano Oriente estatuas eran casi exclusivamente del dominio exclusivo de la regla, con otras personas ricas sólo están retratados en sus tumbas. Los gobernantes suelen ser las únicas personas que recibieron retratos en las culturas precolombinas, empezando por el Cabeza colosal de hace unos 3.000 años. Escultura retrato de Asia Oriental fue enteramente religiosa, con el clero que llevan siendo conmemorados con estatuas, especialmente los fundadores de monasterios, pero no los gobernantes, o de los antepasados. La tradición mediterránea revivió, inicialmente sólo para efigies y monedas de la tumba, en la Edad Media, pero ampliado en gran medida en el Renacimiento, que inventó nuevas formas, como el retrato personal medalla.
Los animales son, con la figura humana, el primer tema de la escultura, y siempre han sido populares, a veces realista, pero a menudo monstruos imaginarios; en China los animales y monstruos son casi los únicos temas tradicionales de la escultura de piedra tumbas y templos fuera. El reino de las plantas es importante sólo en joyas y relieves decorativos, pero éstas forman casi toda la gran escultura de Arte bizantino y Arte islámico, y son muy importantes en la mayoría de las tradiciones de Eurasia, donde los motivos tales como la palmeta y desplazamiento vid han pasado al este y al oeste por más de dos milenios.
Una de las formas de la escultura que se encuentra en muchas culturas prehistóricas de todo el mundo está versiones de herramientas comunes, las armas o los vasos creados en materiales preciosos poco prácticas, ya sea para alguna forma de uso ceremonial o de visualización o como ofrendas especialmente agranda. Jade u otros tipos de piedra verde fueron utilizados en China, olmeca México, y Europa neolítica, ya principios de Mesopotamia grandes formas de la cerámica se produjeron en piedra. Bronce fue utilizado en Europa y China para grandes hachas y palas, como el Oxborough Dirk.
Materiales y técnicas
Los materiales utilizados en la escultura son diversas, cambiantes a lo largo de la historia. Los materiales clásicos, con una durabilidad excepcional, son de metal, especialmente bronce, piedra y cerámica, madera, hueso y cornamenta menos duraderas pero más baratas opciones. Materiales preciosos como oro , plata , jade y marfil son de uso frecuente para las pequeñas obras de lujo, y algunas veces en las de mayor tamaño, como en estatuas criselefantinas. Los materiales más comunes y menos costosos se utilizaron para la escultura para el consumo en general, incluyendo maderas duras (como el roble , / caja de madera de boj, y cal / tilo); terracota y otros cerámica, cera (un material muy común para los modelos para la fundición, y recibir las impresiones de focas y gemas grabadas cilindro), y fundido metales como estaño y zinc (peltre). Sin embargo, un gran número de otros materiales se han utilizado como parte de esculturas, en trabajos etnográficos y antiguos tanto como los modernos.
Esculturas son a menudo pintado, pero comúnmente perder su pintura en cuando, o restauradores. Muchas técnicas de pintura diferentes se han utilizado en la fabricación de escultura, incluyendo tempera, pintura al óleo , dorado, pintura de casas, aerosol, esmalte y arenado.
Muchos escultores buscan nuevas formas y materiales para hacer arte. Una de Pablo Picasso esculturas más famosas 's incluidos en bicicleta partes. Alexander Calder y otros modernistas hicieron uso espectacular de pintado de acero . Desde la década de 1960, acrílicos y otros plásticos se han utilizado también. Andy Goldsworthy hace sus esculturas efímeras inusualmente a partir de materiales naturales casi en su totalidad en escenarios naturales. Algunos escultura, como escultura de hielo, esculturas de arena , y escultura de gas, es deliberadamente de corta duración. Escultores recientes han utilizado vidrios de colores , herramientas, piezas de maquinaria, equipos y envases de consumo a la moda sus obras. Escultores utilizan a veces objetos encontrados, y los chinos rocas eruditos han sido apreciados por muchos siglos.
Piedra
Escultura de piedra es una antigua actividad donde las piezas de origen natural áspera piedra están determinadas por la la retirada controlada de piedra. Debido a la permanencia de la materiales, la evidencia se puede encontrar que incluso las primeras sociedades incurrido en algún tipo de trabajo de la piedra, aunque no todas las zonas del mundo tienen tal abundancia de buena piedra para tallar como Egipto, Grecia, India y la mayor parte de Europa. Petroglifos (también llamados grabados rupestres) son quizás la forma más temprana: imágenes creadas por la eliminación de parte de una superficie de roca que permanece in situ, mediante la incisión, picoteo, la talla, y abrasión. Escultura monumental cubre grandes obras, y la escultura arquitectónica, que se une a los edificios. Hardstone talla es la talla para los propósitos artísticos de piedras semi-preciosas como jade, ágata, onix, cristal de roca , sard o cornalina, y un término general para un objeto hecho de esta manera. Alabaster o mineral de yeso es un mineral blando que es fácil de tallar para obras menores y todavía relativamente duradero. Gemas grabadas son pequeñas gemas talladas, incluyendo camafeos, utilizado originalmente como anillos de sello.
La copia de una estatua original en piedra, que era muy importante para las estatuas griegas antiguas, que son casi todos conocen a partir de copias, se ha realizado tradicionalmente por " señalando ", junto con los métodos más a mano alzada. Señalando involucrados creación una rejilla de cuadrados de cuerda en un marco de madera que rodea la original, y luego medir la posición en la parrilla y la distancia entre la rejilla y la estatua de una serie de puntos individuales, y luego utilizando esta información para tallar en el bloque del que se hace la copia.
Metal
Bronce y afines aleaciones de cobre son los más antiguos y aún los metales más populares para fundido de metal esculturas ; un molde escultura de bronce es a menudo llamado simplemente un "bronce". Aleaciones de bronce comunes tienen la propiedad inusual y deseable de ampliar levemente momentos antes que fijan, llenando así los detalles más finos de un molde. Su fuerza y falta de fragilidad (ductilidad) es una ventaja cuando se van a crear figuras de acción, especialmente en comparación con varios materiales cerámicos o de piedra (véase . escultura de mármol de varios ejemplos) oro es el metal más suave y más preciosa, y muy importante en la joyería; con la plata que es lo suficientemente suave para ser trabajado con martillos y otras herramientas, así como fundición; repujado y persecución son algunas de las técnicas utilizadas en el oro y la platería.
Casting es un grupo de procesos de fabricación por el cual un material líquido (bronce, cobre, vidrio, aluminio, hierro) es (generalmente) se vierte en un molde, que contiene una cavidad hueca de la forma deseada, y luego se deja solidificar. El casting sólido es expulsada o se rompe a cabo para completar el proceso, a pesar de una etapa final de "trabajo en frío" puede seguir en el modelo final. De colada puede ser utilizado para formar metales líquidos calientes o varios materiales que establecen frío después de la mezcla de los componentes (tales como epoxis, hormigón, yeso y arcilla ). Fundición es la más utilizada para la fabricación de formas complejas que de otro modo serían difíciles o poco rentable hacer por otros métodos. El casting más antiguo sobreviviente es un cobre rana mesopotámica desde 3200 antes de Cristo. Las técnicas específicas incluyen fundición a la cera perdida, yeso molde de fundición y fundición en arena.
Vidrio
Glass se puede utilizar para la escultura a través de una amplia gama de técnicas de trabajo, aunque el uso del mismo para grandes obras es un desarrollo reciente. Puede ser tallada, con una considerable dificultad; el Romano Licurgo Copa es casi único. De colada caliente puede ser realizado por ladling vidrio fundido en moldes que han sido creadas presionando formas en arena, tallado grafito o detalladas moldes de yeso / sílice. Horno de fundición de vidrio implica trozos de calefacción de vidrio en un horno hasta que son líquidos y fluyen en un molde de espera por debajo de ella en el horno. El vidrio también puede ser soplado y / o caliente esculpido con herramientas de mano, ya sea como una masa sólida o como parte de un objeto soplado.
Cerámica
La cerámica es uno de los materiales más antiguos para la escultura, así como arcilla ser el medio en el que muchas esculturas fundido en metal se modelan originalmente para la colada. Escultores suelen construir pequeñas obras preliminares llamados maquetas de materiales efímeros como Escayola, cera, barro sin cocer, o plastilina. Muchas culturas han producido cerámica que combina una función como un recipiente con una forma escultural, y pequeños estatuillas a menudo han sido tan populares como lo son en la cultura occidental moderna. Sellos y moldes fueron utilizados por la mayoría de las civilizaciones antiguas, desde Antigua Roma y Mesopotamia a China.
La talla de madera
Talla de madera ha sido muy ampliamente practicado, pero sobrevive mucho menos que los otros materiales principales, siendo vulnerable a las caries, daños por insectos, y el fuego. Por lo tanto, constituye un elemento oculto importante en la historia del arte de muchas culturas. Escultura de madera al aire libre no durará mucho tiempo en casi todo el mundo, por lo que tenemos mucha idea de cómo la tradición tótem desarrollado. Muchas de las esculturas más importantes de China y Japón, en particular, se encuentran en la madera, y la gran mayoría de La escultura africana y la de Oceanía y otras regiones. La madera es ligera, tan adecuado para máscaras y otra escultura de la intención de transportar, y puede tomar muy fino detalle. También es mucho más fácil de trabajar que la piedra.
Historia de la escultura
Períodos prehistóricos
Mucho sobreviviente arte prehistórico es pequeñas esculturas portátiles, con un pequeño grupo de mujeres Venus paleolíticas, como el Venus de Willendorf (24,000-22,000 aC) encontrado en todo el centro de Europa; los 30 cm de altura Hombre león de cerca de 30.000 aC apenas tiene piezas que pueden estar relacionados con la misma. La Natación reno de aproximadamente 11,000 BCE es uno de los mejores de una serie de Tallas magdalenienses en hueso o asta de animales en el arte del Paleolítico superior, a pesar de que son superados en número por piezas grabadas, que a veces se clasifican como escultura. Con el inicio de la Mesolítico en la escultura figurativa Europa reduce enormemente y sigue siendo un elemento menos común en el arte de decoración en relieve de los objetos prácticos hasta la época romana, a pesar de algunas obras como la Gundestrup caldero de la Edad del Hierro europea y la Edad del Bronce Carro del sol Trundholm.
Caballo Magdaleniense, c. 15.000 aC Musée d'Archéologie Nationale
Creeping Hiena, c. Hace 12.000 a 17.000 años, marfil de mamut, que se encuentra en La Madeleine
La Carro del sol Trundholm, quizás 1800-1500 aC; este lado es dorado, el otro es "oscuro".
Antiguo Oriente Próximo
La Período Protohistórico en Mesopotamia , dominado por Uruk, vio la producción de obras sofisticadas, como la Vaso de Warka y sellos cilíndricos. La Leona Guennol es un excelente pequeño figura de piedra caliza Elam de alrededor de 3000-2800 aC, parte hombre y parte del león. Un poco más adelante hay una serie de figuras de sacerdotes de ojos grandes y fieles, la mayoría en alabastro y hasta un pie de alto, que asistieron templo imágenes de culto de la deidad, pero muy pocos de ellos han sobrevivido. Esculturas del sumerio y acadio período generalmente tenían grandes, mirando fijamente los ojos y las barbas largas en los hombres. Muchas obras maestras también se han encontrado en el cementerio real en Ur (c. 2650 aC), incluyendo las dos figuras de un Ram en un matorral, el Cobre Bull y la cabeza de un toro en una de las Arpas de Ur.
De los muchos períodos subsiguientes antes de la ascendencia de la Imperio Neo-asirio en el arte mesopotámico siglo 10 antes de Cristo subsiste en un número de formas: sellos cilíndricos, relativamente pequeñas figuras de bulto, y relieves de diferentes tamaños, incluyendo placas baratas de cerámica moldeada para el hogar, algunos religiosos y algunos aparentemente no . La La Reina de la Noche es una inusual elaborados y relativamente grandes (20 x 15 pulgadas) terracota placa de una diosa alada desnudo con los pies de un ave de rapiña, y búhos concomitantes y leones. Viene desde el 18 o 19 siglos antes de Cristo, y también se puede moldear. Piedra estelas, exvotos, o los, probablemente, en conmemoración de las victorias y mostrando las fiestas, también se encuentran los templos, que a diferencia de los más oficiales carecen de inscripciones que explicarían ellos; lo fragmentario Estela de los Buitres es un temprano ejemplo del tipo de inscripción, y el asirio Obelisco Negro una gran y sólida a altas horas.
La conquista de la totalidad de la Mesopotamia y mucho territorio circundante por los asirios crearon un estado más grande y más rica que la región había conocido antes, y arte muy grandiosa en los palacios y lugares públicos, sin duda destinados en parte para que coincida con el esplendor del arte de la vecino imperio egipcio. Los asirios desarrollado un estilo de extremadamente grandes esquemas narrativos de bajos relieves muy finamente detallados en piedra de palacios, con escenas de guerra o de caza; la Museo Británico tiene una colección excepcional. Produjeron muy pequeña escultura en la ronda, a excepción de las cifras de la guarda colosales, a menudo lo humano con cabeza de lamassu, que están esculpidos en alto relieve en los dos lados de un bloque rectangular, con los jefes de manera efectiva en la ronda (y también cinco patas, por lo que ambos puntos de vista parecen completa). Incluso antes de dominar la región que habían continuado la tradición sello cilíndrico con diseños que a menudo son excepcionalmente enérgico y refinado.
La Leona Guennol, tercero milenio antes de nuestra era, 3.5 pulgadas de alto
Uno de 18 Las estatuas de Gudea, un gobernante alrededor 2090 aC
La La Reina de la Noche, Antigua Babilonia, alrededor de 1800 aC
Relieve asirio deNimrud, desde c 728 aC
Antiguo Egipto
La escultura monumental del antiguo Egipto es de fama mundial, pero existen pequeñas obras refinadas y delicadas en mucho mayor número. Los egipcios utilizaban la técnica distintiva de alivio hundido, que se adapta bien a la luz solar muy brillante. Las principales figuras en relieves se adhieran a la misma convención figura como en la pintura, con piernas abiertas (donde no sentados) y la cabeza se muestra desde el lado, pero el torso de frente, y un conjunto estándar de proporciones que componen la figura, utilizando 18 "puños" para ir desde el suelo hasta la línea del cabello en la frente. Esto aparece ya en la paleta de Narmer de la dinastía I, pero no como en otras partes de la convención no se utiliza para cifras menores mostrados participado en alguna actividad, como los cautivos y cadáveres. Otras convenciones hacen estatuas de hombres más oscuros que los de las hembras. Muy estatuas retrato convencionalizada aparecen ya desde la Dinastía II, antes de 2780 aC, y con la excepción del arte del período de Amarna de Ahkenaten , y algunos otros períodos, como la dinastía XII, las características idealizadas de los gobernantes, como otras convenciones artísticas egipcias , con pocos cambios hasta después de la conquista griega.
Egipcio faraones siempre fueron considerados como dioses, pero otras deidades son mucho menos comunes en las grandes estatuas, excepto cuando representan al faraón como otra deidad; sin embargo, las otras deidades se muestran con frecuencia en las pinturas y relieves. El famoso fila de cuatro estatuas colosales fuera del templo principal de Abu Simbel cada muestra Ramsés II , un esquema típico, aunque en este caso excepcionalmente grande. Pequeñas figuras de deidades, o sus personificaciones de animales, son muy comunes, y se encuentran en los materiales populares, tales como la cerámica. La mayor escultura más grande sobrevive de templos o tumbas egipcias; por la IV dinastía (2680-2565 aC), a más tardar la idea de la estatua Ka estaba firmemente establecida. Estos fueron puesto en tumbas como lugar de descanso para el ka parte del alma, y por eso tenemos un buen número de estatuas menos convencionalizadas de acaudalados administradores y sus esposas, muchos en la madera como Egipto es uno de los pocos lugares en el mundo donde el clima permite que la madera para sobrevivir durante milenios. El llamado cabezas de reserva, cabezas sin pelo de fricción, son especialmente naturalista. Las primeras tumbas también contenían pequeños modelos de los esclavos, animales, edificios y objetos tales como barcos necesarios para el difunto para continuar con su estilo de vida en el más allá, y más tarde Ushabti cifras.
Facsímil de la paleta de Narmer, c. 3100 aC, que ya muestra la canónica vista de perfil egipcio y proporciones de la figura.
Menkaura (Micerino) y de la reina, el viejo reino, Dinastía 4, 2490 a 2472 antes de Cristo. La formalidad de la pose es reducido por el brazo de la reina redonda de su marido.
Modelos de tumbas de madera, Dynastry XI; un administrador de alto cuenta su ganado.
La máscara de oro de Tutankamón , c. finales de la dinastía XVIII, Museo Egipcio
La Joven Memnon c. 1250 aC, Museo Británico
Osiris en unpilar de lapislázuli en el centro, flanqueado porHorus a la izquierda, yIsisa la derecha, 22a dinastía, Lumbrera
La ka estatua proporcionó un lugar físico para el ka para manifestarse.Museo Egipcio de El Cairo
Bloquear estatua de Pa-Ankh-Ra, amo barco, que lleva una estatua de Ptah. Período Tardío, ca. 650-633 aC, Cabinet des Médailles.
Antigua Grecia
El primer estilo distintivo de la escultura griega antigua desarrollada en la Edad del Bronce Antiguo periodo de las Cícladas (tercero milenio aC), donde las figuras de mármol, por lo general mujeres y pequeños, están representados en un estilo geométrico elegante simplificado. Lo más típico es una actitud permanente con los brazos cruzados delante, pero otras figuras se muestran en diferentes poses, incluyendo una figura complicada de un arpista sentado en una silla.
La posterior minoica y micénica culturas desarrollaron la escultura más allá, bajo la influencia de Siria y en otros lugares, pero es a finales del periodo arcaico de todo 650 aC que los kouros desarrollados. Estas son las grandes estatuas de pie de jóvenes desnudos, que se encuentran en los templos y tumbas, con la kore como el equivalente femenino vestido, con el pelo elaboradamente vestido; ambos tienen la " sonrisa arcaica ". Parece que han cumplido una serie de funciones, tal vez a veces representando a deidades ya veces la persona enterrada en una tumba, como con el Kroisos Kouros. Ellos están claramente influenciados por estilos de Egipto y Siria, pero los artistas griegos eran mucho más dispuestos a experimentar dentro del estilo.
Durante el siglo sexto escultura griega se desarrolló rápidamente, convirtiéndose en más naturalista, y con mucha más figura activa y variada plantea en escenas narrativas, aunque todavía dentro de las convenciones idealizadas. Esculpidas frontones se añadieron a los templos, incluyendo el Partenón en Atenas, donde los restos del frontón de alrededor de 520 usando figuras en la ronda fueron utilizados por suerte como relleno para los nuevos edificios después del saqueo persa en el año 480 aC, y se recuperaron de la década de 1880 en en condiciones protegidas de la intemperie fresco. Otros restos significativos de la escultura arquitectónica provienen de Paestum en Italia, Corfú, Delphi y el Templo de Aphaea en Egina (más ahora en Múnich ).
Las Cícladas Mujer Figura, c. 2500-2400 aC, 41,5 cm (16,3 pulgadas) de alto
La cabeza de Bull , Micénica rhyton Terra cotta, 1300-1200 aC. Encontrado en una tumba en Karpathos, Museo Británico
Jarrón de Mykonos, 670 aC, Decoradopithos encontrar enMykonos, Grecia, que representa una de las entregas más antiguos conocidos delcaballo de Troya,Museo Arqueológico de Mikonos
Lifesize kouros, c. 590-580 aC, Museo Metropolitano de Arte
El " NaxianSphinx "deDelphi, 570-560 aC, la cifra 222 cm (87,4 pulgadas) de alto
Peplos Kore , c. 530 aC, Atenas , Museo de la Acrópolis
Late guerrero arcaico del frontón este del Templo de Afea, c. 500
El sarcófago Amathus, desdeAmathus,Chipre, segundo cuarto del siglo 5 aCperiodo arcaico, Museo Metropolitano de Arte
Clásico
Tenemos menos restos originales de la primera fase del período Clásico, a menudo llamado el estilo severo; estatuas exentas se hacen ahora sobre todo en bronce, que siempre tenía valor como chatarra. El estilo severo duró desde alrededor de 500 en los relieves, y poco después 480 en estatuas, a unos 450. Las posturas relativamente rígidos de figuras relajados, y las posiciones de giro asimétricas y vistas oblicuas se hizo común, y deliberadamente buscó. Esto se combinó con una mejor comprensión de la anatomía y la estructura armónica de figuras esculpidas, y la búsqueda de la representación naturalista como un objetivo, que no había estado presente antes. Las excavaciones en el Templo de Zeus, Olimpia desde 1829 han puesto de manifiesto el mayor grupo de restos, desde sobre 460, de los cuales muchos se encuentran en el Louvre.
El "High Clásica" período duró sólo unas pocas décadas de aproximadamente 450 a 400, pero ha tenido una influencia trascendental en el arte, y conserva un prestigio especial, a pesar de un número muy restringido de supervivencias originales. Las obras más conocidas son los Mármoles del Partenón, tradicionalmente (desde Plutarco) ejecutado por un equipo dirigido por el más famoso escultor griego antiguo Fidias, activo de aproximadamente 465 a 425, que estaba en su época más famoso por su colosal criselefantina Estatua de Zeus en Olimpia (c 432), una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo, su Athena Parthenos (438), la imagen de culto del Partenón , y Atenea Promacos , una figura de bronce colosal que estaba junto al Partenón; todos estos son perdido pero se sabe de muchas representaciones. También se le atribuye ser el creador de algunas estatuas de bronce de tamaño natural conocidas sólo de copias posteriores cuya identificación es controvertido, incluido el Ludovisi Hermes .
El estilo clásico de alta continuó desarrollando el realismo y sofisticación en la figura humana, y la mejora de la representación de la pañería (ropa), usándolo para añadir a los efectos de posturas activas. Las expresiones faciales eran por lo general muy comedido, incluso en escenas de combate. La composición de los grupos de figuras en relieves y en frontones combinados complejidad y armonía de una manera que tuvo una influencia permanente en el arte occidental. Alivio podría ser muy alto, como en la ilustración de abajo Partenón, donde la mayor parte de la pierna del guerrero está completamente separado del fondo, así como las partes que faltan; socorro esta alta hechas esculturas más sujetas a daños. El estilo Clásico Tardío desarrolló la estatua desnuda libre de pie femenino, supuestamente una innovación de Praxiteles, y desarrollado cada vez más poses complejas y sutiles que eran interesantes cuando se ve desde un número de ángulos, así como rostros más expresivos; ambas tendencias fueron a tomar mucho en el período helenístico.
Helenística
La Período helenístico se convencionalmente fecha de la muerte de Alejandro Magno en el 323 aC, y que termina, ya sea con la conquista definitiva de los bastiones griegos por Roma en el año 146 aC, o con la derrota final del último estado sucesor restante al imperio de Alejandro después de la batalla de Actium en 31 AC, que también marca el final de la Roma republicana. Por lo tanto, es mucho más largo que los períodos anteriores, e incluye al menos dos fases principales: un estilo "Pérgamo" de la experimentación, la exuberancia y algunos sentimentalismo y la vulgaridad, y en el siglo segundo antes de Cristo un retorno clasicista a una más austera simplicidad y elegancia; más allá de tales generalizaciones citas es típicamente muy incierto, sobre todo cuando sólo se conocen copias posteriores, como suele ser el caso. El estilo inicial de Pérgamo no estaba especialmente asociado a Pérgamo, de la que toma su nombre, pero los reyes muy ricos de ese estado fueron de los primeros en recoger y también copia escultura clásica, y también encargó mucho trabajo nuevo, incluyendo el famoso Altar de Pérgamo cuya escultura se ha convertido en su mayor parte en Berlín y que ejemplifica el nuevo estilo, al igual que el Mausoleo de Halicarnaso (otra de las Siete Maravillas), el famoso Laocoonte y sus Hijos en el Museo Vaticano, un ejemplo tardío, y el original de bronce de los moribundos Galia (ilustrado en la parte superior), que sabemos que era parte de un grupo en realidad encargado de Pérgamo en alrededor de 228 antes de Cristo, de la que el Ludovisi Galia fue también una copia. El grupo llamado el Toro Farnesio, posiblemente un segundo original de mármol del siglo, sigue siendo más grande y más complejo,
Escultura helenística amplió considerablemente la gama de temas representados, en parte como resultado de una mayor prosperidad general y el surgimiento de una clase muy rica que tenía grandes casas decoradas con la escultura, aunque sabemos que algunos ejemplos de temas que parecen más adecuados para el hogar , como los niños con los animales, eran de hecho colocado en templos u otros lugares públicos. Para una mucho más popular mercado de la decoración del hogar había figurillas Tanagra, y los de otros centros en los que se produjeron pequeñas figuras de cerámica a escala industrial, algunas señoras religiosas, sino otros que muestran animales y elegantemente vestidos. Escultores hicieron más cualificados técnicamente en la representación de las expresiones faciales de transporte de una amplia variedad de emociones y el retrato de los individuos, así que representan diferentes edades y razas. Los relieves del Mausoleo son bastante atípico en ese sentido; la mayoría del trabajo era de independiente, y composiciones de grupo con varias figuras para ser visto en la ronda, como el Laocoonte y el grupo de Pérgamo celebrando la victoria sobre los galos se hizo popular, después de haber sido raro antes. La Fauno Barberini, mostrando un sátiro tumbado durmiendo, presumiblemente después de bebida, es un ejemplo de la relajación moral de la época, y la disposición para crear grandes y costosos esculturas de temas que están a la altura de lo heroico.
Después de las conquistas de Alejandro cultura helenística fue dominante en los tribunales de la mayor parte del Cercano Oriente, y algunos de Asia Central, y cada vez más de ser adoptado por las élites europeas, sobre todo en Italia, donde las colonias griegas controlaron inicialmente la mayor parte del Sur. Arte helenístico y artistas, se propagan muy ampliamente, y fue especialmente influyente en la República expansión romana y cuando se encontraron con el budismo en las extensiones orientales de la zona helenística. El masivo llamado Alexander sarcófago encontrado en Sidón en el moderno Líbano , fue probablemente hizo allí en el comienzo del período de artistas griegos expatriados para un gobernador persa helenizado. La riqueza de la época llevó a un gran aumento de la producción de formas de lujo de la pequeña escultura, incluyendo gemas grabadas y camafeos, joyas y oro y objetos de plata.
La Riace bronces, figuras de bronce muy raros recuperado del mar, c. 460-430
Hermes y el Niño Dionysos, posiblemente, un original dePraxiteles, cuarto siglo
Dos señoras elegantes, figuras de cerámica, 350-300
Bronce Estatuilla de un caballo,último 2do - siglo 1 aC Museo Metropolitano de Arte
La Victoria alada de Samotracia , c. 190 antes de Cristo, Lumbrera
Venus de Milo , c. 130-100 aC, griego, la Lumbrera
Laocoonte y sus Hijos, Griego, (finaleshelenístico),alrededor del año 160 aC y 20 aC,de mármol blanco,Museo del Vaticano
Leocares, Apolo de Belvedere , c. 130-140 dC. Copia romana de bronce después de un original griego de 330 a 320 antes de Cristo. Museos Vaticanos
Europa después de los griegos
Escultura romana
Arte romano temprano fue influenciado por el arte de Grecia y la de los vecinos etruscos, a sí mismos muy influenciado por sus socios comerciales griegas. Una especialidad etrusca estaba cerca efigies funerarias tamaño natural de la terracota, generalmente acostado en la parte superior de una tapa del sarcófago apoyado en un codo en la pose de un restaurante en ese período. A medida que la expansión de la República Romana comenzó a conquistar territorio griego, en un primer momento en el sur de Italia y luego todo el mundo helenístico, excepto para el Parto lejano oriente, oficiales y de la escultura se convirtió en gran medida patricio una extensión del estilo helenístico, del cual los elementos específicamente romanos son difíciles de desenredar, sobre todo porque tanto la escultura griega sobrevive sólo en copias de la época romana. Por el siglo BCE segundo, "la mayoría de los escultores que trabajan en Roma" eran griega, a menudo esclavizada en conquistas como la de Corinto (146 aC), y escultores continuaron siendo en su mayoría griegos, a menudo esclavos, cuyos nombres están en muy raras ocasiones grabado. Un gran número de estatuas griegas fueron importados a Roma, ya sea como botín o el resultado de la extorsión o el comercio, y los templos eran a menudo decoradas con reutilizados obras griegas.
Un estilo italiano nativo se puede ver en los monumentos de la tumba, que muy a menudo contó con bustos, de prósperos romanos de clase media, y el retrato es sin duda la principal fortaleza de la escultura romana. No hay vestigios de la tradición de las máscaras de los antepasados que fueron usados en procesiones en los funerales de las grandes familias y de otra manera aparecen en el hogar, pero muchos de los bustos que sobreviven deben representar figuras ancestrales, tal vez de las grandes tumbas de la familia como el Tumba de los Escipiones o el mausoleos más tarde fuera de la ciudad. La famosa cabeza de bronce supuestamente de Lucio Junio Bruto es de fecha muy diversas maneras, pero toma como muy rara supervivencia de estilo itálico bajo la República, en el medio preferido de bronce. Del mismo modo cabezas popa y contundentes se ve en las monedas de la República tardía, y en las monedas de la época imperial, así como bustos enviados en todo el Imperio para ser colocado en las basílicas de ciudades provinciales fueron la principal forma visual de la propaganda imperial; incluso Londinium tenía alrededor estatua -colossal de Nerón, aunque mucho menor que los 30 metros de altura Coloso de Nerón en Roma, ahora perdido.
Los romanos no generalmente intentan competir con las obras griegas de hazañas heroicas de la historia o la mitología libre-de pie, pero desde el principio las obras históricas producidas en relieve, que culminaron en las grandes columnas triunfales romanos con relieves narrativos continuas sinuoso alrededor de ellos, de los cuales los conmemorando Trajano (CE 113) y Marco Aurelio (por 193) sobrevivir en Roma, donde el Ara Pacis ("Altar de la Paz", 13 aC) representa el estilo grecorromano oficial en su forma más clásica y refinada. Entre otros ejemplos importantes son los relieves reutilizados anteriores sobre el Arco de Constantino y la base de la Columna de Antonino Pío (161), relieves Campana eran versiones más baratas de cerámica relieves de mármol y el gusto por el alivio era de la época imperial ampliarse para el sarcófago. Todas las formas de pequeña escultura de lujo siguieron siendo patrocinado, y la calidad puede ser muy alto, como en el de plata Warren Copa, vidrio Licurgo Copa, y grandes cameos como el de Gemma Augustea, Gonzaga Cameo y el " Gran camafeo de Francia ". Para una sección mucho más amplia de la población, decoración en relieve moldeado de vasijas de cerámica y figurillas fueron producidos en gran cantidad y con frecuencia considerable calidad.
Después de trasladarse a través de una fase de finales del siglo segundo "barroco", en el siglo tercero arte romano en gran parte abandonada, o simplemente se hizo incapaz de producir, la escultura en la tradición clásica, un cambio cuyas causas siendo muy discutido. Hasta los monumentos imperiales más importantes ahora mostraron, figuras de grandes ojos rechonchas con un estilo frontal dura, en composiciones simples que enfatizan el poder a costa de la gracia. El contraste se ilustra en el famoso Arco de Constantino de 315 en Roma, que combina tramos en el nuevo estilo con medallones en el estilo completo grecorromana anteriormente tomadas de otras partes, y los Cuatro Tetrarcas (c. 305) de la nueva capital de Constantinopla , ahora en Venecia. Ernst Kitzinger encuentra tanto en los monumentos los mismos "proporciones cortas, movimientos angulares, una ordenación de las piezas a través de la simetría y la repetición y una representación de características y cortinas pliegues a través de incisiones en lugar de modelar ... El sello distintivo del estilo dondequiera que aparece consta de una dureza enfática, pesadez y angulosidad - en resumen, un rechazo casi total de la tradición clásica ".
Esta revolución en el estilo poco precedió al período en el que el cristianismo fue adoptado por el Estado romano y la gran mayoría de la gente, lo que lleva a la final de la escultura religiosa grande, con grandes estatuas ahora solo se utilizan para los emperadores. Sin embargo los cristianos ricos continuaron encargar relieves de sarcófagos, como en el Sarcófago de Junio Basso, y muy pequeña escultura, especialmente en marfil, fue continuada por los cristianos, basándose en el estilo del díptico consular.
Etrusco sarcófago, 3er siglo BCE
El " CapitolinoBrutus ", de fecha a la tercera o primera siglo BCE
Augusto de Prima Porta, estatua del emperadorAugusto, siglo CE primero.Museos Vaticanos
Tumba relieve de la Decios, 98-117 CE
Busto del emperador Claudio , c. 50 CE, (reelaborado de un busto del emperador Calígula), Fue encontrado en la denominada basílica Otricoli en Lanuvio, Italia, Museos Vaticanos
Cómodo vestido como Hércules, c. 191 CE, a finales del estilo imperial "barroco"
El Cuatro Tetrarcas , c. 305, que muestra el nuevo estilo anti-clásico, en pórfido, ahora San Marco, Venecia
La joya cameo conocido como el " Gran camafeo de Francia ", c. 23 CE, con una alegoría de Augusto y su familia
Temprano medieval y bizantina
La Los primeros cristianos se opusieron a la escultura religiosa monumental, aunque continuando las tradiciones romanas en bustos y relieves de sarcófagos, así como los objetos más pequeños, como el díptico consular. Tales objetos, a menudo en materiales valiosos, fueron también los principales tradiciones escultóricas (hasta donde se sabe) de las civilizaciones bárbaras del período de migración, como se ve en los objetos encontrados en la sexta tesoro entierro siglo en Sutton Hoo , y las joyas de arte escita y los híbridos cristiana y producciones del estilo animal de Arte insular. Siguiendo la continua tradición bizantina, arte carolingio revivieron talla de marfil, a menudo en los paneles de las fijaciones del tesoro de los grandes manuscritos iluminados, así como cabezas Crozier y otros pequeños accesorios.
Arte bizantino, aunque la producción de magníficos relieves de marfil y arquitectónica talla decorativa, nunca regresó a la escultura monumental, o incluso mucho pequeña escultura en la ronda. Sin embargo, en Occidente durante los Carolingia y períodos otonianos hubo el comienzo de una producción de estatuas monumentales, en los tribunales y las principales iglesias. Esto se extendió gradualmente; por la tarde 10 y 11 del siglo existen registros de varias parecer esculturas de tamaño natural en las iglesias anglosajonas, probablemente, de metal precioso en torno a un marco de madera, como la Madonna de oro de Essen. Ningún ejemplo anglosajón ha sobrevivido, y supervivencias de la escultura no arquitectónica grande desde antes de 1000 son excepcionalmente raros. Mucho más fino es la Cruz de Gero, de 965 a 70, que es un crucifijo, que era evidentemente el tipo más común de la escultura; Carlomagno había puesto una en la Capilla Palatina de Aquisgrán alrededor 800. Estos continuaron creciendo en popularidad, sobre todo en Alemania e Italia. La runas del mundo nórdico, las piedras pictos de Escocia y, posiblemente, los altos relieves transversales de Cristiano Gran Bretaña, eran tradiciones escultóricas del norte que puenteados el período de cristianización.
Arcángel Marfil, 525-550,Constantinopla
Tarde Panel de marfil carolingio, probablemente significaba para un libro de la cubierta
La Harbaville Tríptico,bizantinade marfil, de mediados del siglo décimo
Detalle de Cristo en laCruz de Gero,Colonia965-970, el primer gran ejemplo de la reactivación de la gran escultura
Románico
Desde alrededor de 1000 hubo un renacimiento general de la producción artística en toda Europa, liderado por el crecimiento económico general de la producción y el comercio, y el nuevo estilo de arte románico fue el primer estilo medieval para ser utilizado en el conjunto de Europa occidental. Las nuevas catedrales e iglesias de peregrinos estaban decoradas cada vez más con relieves de piedra de arquitectura y nuevos enfoques para la escultura desarrollados, como el tímpano sobre puertas de la iglesia en el siglo 12, y la habitada de capital con figuras y escenas menudo narrativas. Iglesias abadía pendientes con la escultura incluyen en Francia Vézelay y Moissac y en España Silos.
Arte románico se caracterizaba por un estilo muy vigorosa tanto en la escultura y la pintura. Los capiteles de las columnas no eran más emocionante que en este período, cuando fueron a menudo tallados con escenas completas con varias figuras. La madera grande crucifijo era un derecho innovación alemana en el inicio de la época, como eran estatuas exentas de la Virgen entronizada, pero el alto relieve fue sobre todo el modo escultórico de la época. Las composiciones generalmente tenían poca profundidad, y necesitan ser flexibles para exprimir a sí mismos en las formas de las capitales y typanums iglesia; la tensión entre un marco fuertemente encierra, de la que la composición a veces se escapa, es un tema recurrente en el arte románico. Las cifras todavía a menudo variaban en tamaño en relación con su retrato importancia apenas existían.
Los objetos en materiales preciosos como el marfil y metal tenían un estatus muy alto en el período, mucho más que la escultura monumental - sabemos los nombres de más fabricantes de éstos que pintores, iluminadores o arquitecto-albañiles. Metalistería, incluyendo la decoración en esmalte, llegó a ser muy sofisticado, y muchos santuarios espectaculares hizo para mantener reliquias han sobrevivido, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Reyes Magos en la catedral de Colonia por Nicolás de Verdún. El bronce Gloucester candelabro y la fuente de bronce de 1108-1117 actualmente en Liège son ejemplos excelentes, muy diferente en estilo, de fundición de metales, el ex altamente complejo y lleno de energía, a partir de la pintura de manuscritos, mientras que el tipo de letra muestra el estilo del Mosa, en su mayor parte clásica y majestuosa. Las puertas de bronce, una columna triunfal y otros accesorios en la Catedral de Hildesheim, las Puertas de Gniezno, y las puertas de la Basílica de San Zeno en Verona son otras supervivencias sustanciales. La aguamanil, un recipiente para el agua para lavarse, parece haber sido introducido en Europa en el siglo 11, y, a menudo tomó fantásticas formas zoomorfas; ejemplos de la supervivencia son en su mayoría en latón. Muchas impresiones de sellos de cera impresionantes sobreviven con cartas y documentos, aunque las monedas románicas generalmente no son de gran interés estético.
La Claustros de la Cruz es una inusualmente grande de marfil crucifijo, con la talla complejo que incluye muchas figuras de profetas y otros, que se ha atribuido a uno de los relativamente pocos artistas cuyo nombre es conocido, Maestro Hugo, que también iluminaban manuscritos. Al igual que muchas de las piezas que fue originalmente parte coloreada. La piezas de ajedrez de Lewis son ejemplos de pequeños objetos de marfil, de las cuales muchas piezas o framents quedan de bien conservados báculos, placas, cruces pectorales y objetos similares.
Fuente bautismal en la iglesia de San Bartolomé, de Lieja, el Bautismo de Cristo, 1107-1118
El tímpano deVézelay Abbey,Borgoña,Francia, 1130
Fachada,Catedral deOurense 1160,España
Pórtico da Groria , Catedral de Santiago de Compostela, Galicia, España, c. 12 al 13 siglos
Gótico
El período gótico se defina principalmente por la arquitectura gótica, y no encaja del todo con el desarrollo del estilo en la escultura, ya sea en su inicio o final. Las fachadas de las iglesias grandes, especialmente alrededor de las puertas, sigue teniendo grandes typanums, sino también a las filas de figuras esculpidas difundir a su alrededor. Las estatuas en el Oeste (Royal) Portal de la catedral de Chartres (c. 1145) muestran una elegante pero exageradas elongación columnar, pero los del sur portal de crucero, 1215-1220, muestran un estilo más naturalista y creciente desapego de la pared detrás de y un cierto conocimiento de la tradición clásica. Estas tendencias se continuaron en el portal hacia el oeste a la catedral de Reims de unos pocos años más tarde, donde las cifras son casi en la ronda, como se hizo costumbre que se extendió por toda Europa gótica.
En Italia Nicola Pisano (1258-1278) y su hijo Giovanni desarrollaron un estilo que a menudo se denomina Proto-Renacimiento, con la influencia inequívoca de sarcófagos romanos y composiciones sofisticadas y llenas de gente, incluyendo un manejo comprensivo de la desnudez, en los paneles de alivio en su púlpito de la catedral de Siena (1265-1268), la Fontana Maggiore, en Perugia, y de Giovanni púlpito de Pistoia de 1301. Otro renacimiento de estilo clásico se ve en la obra gótica Internacional de Claus Sluter y sus seguidores en Borgoña y Flandes alrededor de 1400. La escultura gótica tardía continuó en el Norte, con una moda de los grandes retablos esculpidos de madera con talla cada vez virtuoso y un gran número agitados figuras expresivas; la mayoría de los ejemplos que se conservan están en Alemania, después de mucho iconoclastia en otros lugares. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss y otros continuó el estilo bien entrado el siglo 16, absorbiendo gradualmente influencias italianas renacentistas.
Efigies funerarias de tamaño natural en piedra o alabastro se hizo popular para los ricos y grandes tumbas de varios niveles evolucionaron, con las Tumbas de Scaliger de Verona tan grande que tuvieron que ser trasladados fuera de la iglesia. En el siglo 15 hubo una industria exportadora Nottingham relieves del altar de alabastro en grupos de paneles sobre gran parte de Europa para las parroquias económicos que no podían permitirse retablos de piedra. Tallas pequeñas, para un mercado principalmente laico y, a menudo femenino, se convirtió en una industria considerable en París y algunos otros centros. Tipos de marfiles incluyen pequeñas devocionales polípticos, figuras individuales, especialmente de la Virgen, espejo de los casos, peines y ataúdes elaborados con escenas de Romances, utilizados como regalos de compromiso. El muy rico recogen extravagante elaborada enjoyada y metal esmaltado, tanto secular como religioso, como el del duque de Berry Santa Espina relicario, hasta que se quedó corto de dinero, cuando se fundieron de nuevo por dinero en efectivo.
West portal dela catedral de Chartres(c. 1145)
Portal sur dela Catedral de Chartres(c. 1215-1220)
Portal de West enla catedral de Reims,grupo de la Anunciación
Nicola Pisano,Natividady la Adoración de los Reyes Magosdesde el púlpito delBaptisterio de Pisa
Claus Sluter,David y unprofeta delPozo de Moisés
Base de laSanta Espina relicario, unaresurrección de los muertosen oro, esmalte y piedras preciosas
Sección de un retablo con paneles con la Resurrección de Cristo, Inglés, 1450-1490,de alabastro con restos de colores
Detalle de laúltima cenadede Tilman RiemenschneiderAltar de la Santa Sangre, 1501-1505,Rothenburg ob der Tauber, Baviera
Renacimiento
Escultura renacentista adecuada se toma a menudo para comenzar con la famosa competencia por las puertas del Baptisterio de Florencia en 1403, de la que los modelos de prueba presentados por el ganador, Lorenzo Ghiberti y Filippo Brunelleschi sobrevivir. Puertas de Ghiberti están todavía en su lugar, pero fueron sin duda exclipsed por su segundo par de la otra entrada, la llamada "Puerta del Paraíso", que lo llevó 1425-1452, y son deslumbrantes composiciones clasicistas confianza con variadas profundidades de alivio que permiten un amplio recorrido. Los años transcurridos habían visto asistente principios de Ghiberti Donatello desarrollar con estatuas seminales incluyendo su Davids en mármol (1408-1409) y bronce (1440), y su estatua ecuestre de Gattamelata, así como relieves. Una figura destacada en el último período fue Andrea del Verrocchio, mejor conocido por su estatua ecuestre de Bartolomeo Colleoni en Venecia; su alumno Leonardo Da Vinci diseñó una escultura equina en 1482 El caballo de Milán única -pero logró hacer un modelo de arcilla de 24 pies (7,3 m) que fue destruida por los arqueros franceses en 1499, y sus otros planes ambiciosos escultóricas no se completaron.
El período se caracterizó por un gran aumento en el patrocinio de la escultura por el estado para el arte público y por los ricos para sus hogares; especialmente en Italia, escultura pública sigue siendo un elemento crucial en la aparición de los centros históricos de las ciudades. Escultura Iglesia trasladó su mayoría dentro como fuera de los monumentos públicos se hicieron comunes. Escultura Retrato, generalmente en bustos, se hizo popular en Italia alrededor de 1450, con el Napolitano Francesco Laurana especializada en mujeres jóvenes en posturas de meditación, mientras que Antonio Rossellino y otros más a menudo representados hombres knobbly de cara de los asuntos, sino también los niños pequeños. El retrato medalla inventado por Pisanello también representa a menudo las mujeres.
Miguel Ángel fue un escultor activo desde 1500 a 1520, y sus grandes obras maestras, incluyendo sus David, Pietà , de Moisés , y piezas para la tumba del papa Julio II y Capilla Medici no podía ser ignorado por los escultores posteriores. Su icónica David (1504) tiene un contrapposto pose, tomado de la escultura clásica. Se diferencia de las representaciones anteriores de la materia en que David se muestra antes de su batalla con Goliat y no después de la derrota del gigante. En lugar de ser mostrados victorioso, como habían hecho Donatello y Verocchio, David se ve tenso y listo para la batalla.
Lorenzo Ghiberti, el panel del sacrificio de Isaacde laspuertas del baptisterio de Florencia,vista oblicua aquí
Luca della Robbia, detalle de Cantoria , c. 1438, Museo dell'Opera del Duomo, Florencia
Donatello, David c. 1440, Museo del Bargello, Florencia
Donatello, " Judith y Holofernes , c. 1460, Palazzo Vecchio, Florencia
Francesco Laurana, busto femenino (cast)
Verrocchio, Tomás el incrédulo, 1467-1483,Orsanmichele, Florencia
Miguel Ángel , La Estatua de David , c. 1504, Galería de la Academia, Florencia
Miguel Ángel , Esclavo moribundo , c. 1513-1516
Manierista
Al igual que en la pintura, a principios italiana escultura manierista fue en gran medida un intento de encontrar un estilo original que encabezan la consecución del alto renacimiento, que en la escultura esencialmente significaba Miguel Ángel, y gran parte de la lucha para lograr esto se jugó en comisiones para llenar otros lugares en la Piazza della Signoria en Florencia, junto a la de Miguel Ángel David . Baccio Bandinelli hizo cargo del proyecto de Hércules y Caco del propio maestro, pero era poco más popular que lo que es ahora, y maliciosamente comparado por Benvenuto Cellini a " un saco de melones ", a pesar de que tuvo un efecto duradero en la introducción al parecer paneles en relieve en el pedestal de las estatuas. Al igual que otras obras de él y otros manieristas que elimina más del bloque original de Miguel Ángel habría hecho. Bronce de Cellini Perseo con la cabeza de Medusa es sin duda una obra maestra, diseñado con ocho ángulos de vista, otra característica manierista, pero es de hecho amanerado en comparación con el David de Miguel Ángel s y Donatello. Originalmente un orfebre, su famoso oro y esmalte Salero (1543) fue su primera escultura, y muestra su talento en su máxima expresión. Como muestran estos ejemplos, el período amplió la gama de temas seculares para grandes obras más allá de los retratos, con figuras mitológicas especialmente favorecidos; previamente éstos en su mayoría habían sido encontrados en las obras pequeñas.
Figuras de bronce pequeñas para de colección gabinetes, temas menudo mitológicos con desnudos, eran una forma renacentista popular en la que Juan de Bolonia, originalmente flamenca pero con sede en Florencia, destacó en la última parte del siglo, también la creación de esculturas de tamaño natural, de los cuales dos se unieron a la recogida en la Piazza della Signoria. Él y sus seguidores ideó ejemplos alargadas elegantes de la serpentinata figura , a menudo de dos figuras entrelazadas, que eran interesantes desde todos los ángulos.
Estuco overdoor enFontainebleau, probablemente diseñado porPrimaticcio, que pintó los inserción oval, 1530 o 1540
Benvenuto Cellini, Perseo con la cabeza de Medusa, 1545-1554
Giambologna,Samson que mata un filisteo, alrededor de 1562
Giambologna, Violación de las Sabinas, 1583, Florencia, Italia, 13 '6 "de alto, mármol
Barroco y rococó
En la escultura barroca, grupos de figuras tomado un nuevo aspecto, y no había un movimiento dinámico y la energía del humano formas- que en espiral alrededor de un vórtice central vacía, o llegaron hacia el exterior en el espacio circundante. Escultura barroca a menudo tenía ángulos de visión ideales múltiple, y refleja una continuación general del Renacimiento alejarse del alivio a la escultura creada en la ronda, y diseñado para ser colocado en el medio de un gran espacio - fuentes elaboradas como Bernini Fontana dei Quattro Fiumi (Roma, 1651), o los que están en los jardines de Versalles eran una especialidad barroco. El barroco estilo se adaptaba perfectamente a la escultura, con Gian Lorenzo Bernini la figura dominante de la época en obras como El éxtasis de Santa Teresa (1647-1652). la escultura y la arquitectura Mucho escultura barroca añadió elementos extra-escultóricas, por ejemplo, iluminación oculta, o fuentes de agua, o fusionado para crear un experiencia transformadora para el espectador. Artistas veían a sí mismos como en la tradición clásica, pero admiraban helenístico y la escultura romana más tarde, en lugar de la de los períodos más "clásicos" como se ven hoy en día.
La Reforma Protestante trajo una parada casi total a la escultura religiosa en gran parte del norte de Europa, y aunque la escultura secular, especialmente para los bustos y monumentos de tumbas, continuación, el Siglo de Oro holandés tiene ningún componente escultórico significativa fuera de la orfebrería. En parte como reacción directa, la escultura era tan prominente en el catolicismo como en la Baja Edad Media. Las estatuas de los gobernantes y la nobleza se hicieron cada vez más popular. En el siglo 18 tanto la escultura siguió en líneas barrocas - la Fontana di Trevi se terminó en 1762. rococó estilo era más adecuado para obras menores, y podría decirse que encontró su forma escultórica ideal temprana porcelana europea y esquemas decorativos interiores en madera o yeso, tales como los de los interiores domésticos franceses y iglesias de peregrinación de Austria y de Baviera.
Gian Lorenzo Bernini, Apolo y Dafneen elGalleria Borghese, 1622-1625
Busto deLouis XIV, 1686, porAntoine Coysevox
Pierre Paul Puget,Perseo y Andrómeda, 1715, Musée du Louvre
Franz Anton Bustelli,rococó grupo Nymphenburg Porcelana
Neoclásico
El estilo neoclásico que llegó a finales del siglo 18 dio gran énfasis a la escultura. Jean-Antoine Houdon ejemplifica la escultura retrato penetrante el estilo podría producir, y Antonio Canova de desnudos el aspecto idealista del movimiento. El período neoclásico fue una de las grandes épocas de la escultura pública, a pesar de sus prototipos "clásicos" tenían más probabilidades de ser copias romanas de esculturas helenísticas. En la escultura, los representantes más conocidos son el italiano Antonio Canova, el inglés John Flaxman y el danés Bertel Thorvaldsen. La manera neoclásica Europea también se afianzó en los Estados Unidos, donde se produjo algo más tarde su pináculo y se ejemplifica en las esculturas de Hiram Powers.
Jean-Antoine Houdon,Busto deBenjamin Franklin, 1778, Museo Metropolitano de Arte
Bertel Thorvaldsen: Jasón y el vellocino de oro(1803)
John Flaxman, Memorial en la iglesia deBadger, Shropshire, c. 1780
Hiram Powers, 1851,El esclavo griego, Yale University Art Gallery
Asia
Escultura greco-budista y Asia
Arte greco-budista es la manifestación artística de greco-budismo , una cultura sincretismo entre el griego clásico la cultura y el budismo , que se desarrolló en un período de cerca de 1.000 años en de Asia Central, entre las conquistas de Alejandro Magno en el siglo BCE cuarto, y los islámicos conquistas de la CE del siglo séptimo. Arte greco-budista se caracteriza por el fuerte realismo idealista del arte helenístico y las primeras representaciones de Buda en forma humana, que han ayudado a definir la artística (y en particular, escultórica) canon para el arte budista en todo el continente asiático hasta el presente. Aunque data es incierto, parece que la fuerza estilos helenísticos se quedaron en el Este durante varios siglos después de que habían disminuido alrededor del Mediterráneo, tan tarde como el CE del siglo quinto. Fueron adoptados, mientras que otros no se extendieron más allá del área greco-budista Algunos aspectos del arte griego; en particular, la figura de pie, a menudo con un ambiente relajado y plantear una pierna flexionada y los cupidos o victorias, que se hizo popular en toda Asia como vuelan apsaras. Griega follaje decration también fue influyente, con versiones indias del capitel corintio que aparece.
Los orígenes del arte greco-budista se encuentran en el helenístico Greco-bactriano reino (250 aC - 130 aC), situado en el actualAfganistán, de la que la cultura helenística irradiaba en elsubcontinente indio con el establecimiento de la pequeña Indogriego reino (180 aC-10 aC). Bajo la Indo-griegos y luego el Kushans, la interacción de la cultura griega y budista floreció en la zona de de Gandhara, en el norte de la actualPakistán, antes de extenderse aún más en la India, que influyen en el arte de Mathura, y luego el hindú arte de la Imperio Gupta, que iba a extender al resto de Asia sudoriental. La influencia del arte greco-budista también se extendió hacia el norte hacia Asia Central, afectando fuertemente el arte de la Cuenca y el Tarim Dunhuang Cuevas, y en última instancia, la figura esculpida en China, Corea y Japón.
Gandhara friso con los devotos, la celebración dehojas de plátano, de estilo puramente helenística, dentro decolumnas corintias, 1ro-2do siglo CE.Buner,Swat,Pakistán. Victoria and Albert Museum
Fragmento del dios del viento Boreas, Hadda, Afganistán .
Moneda de Demetrio I de Bactria, que reinó alrededor del año 200 a 180 antes de Cristo e invadió el norte de la India
Cabeza de Buda deHadda, Afganistán, tercio-cuarta siglos
Gandhara Poseidón ( Antiguo Oriente Museo)
El budista diosesPancika (izquierda) yHariti (derecha), del siglo tercero, Gandhara
Taller de Buda de Bamiyan, c. 547 dC., En 1963 y en el 2008 después de que se dinamitaron y destruyeron marzo 2001 por el Talibán
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Estatua de un monasterio budista 700 dC,Afganistán
China
Bronces rituales chinos de la Shang y Zhou occidentales Dinastías vienen de un período de más de mil años de c. 1500, y han ejercido una influencia continua sobre el arte chino. Ellos se echan con complejo de modelado y decoración zoomorfa, pero evitan la figura humana, a diferencia de las grandes cifras sólo descubiertos recientemente en Sanxingdui. El espectacular ejército de terracota fue montado para la tumba de Qin Shi Huang , el primer emperador de una China unificada 221-210 aC , como una gran versión imperial de las cifras de largo colocado en las tumbas para que el difunto para disfrutar del mismo estilo de vida en el más allá como cuando estaba vivo, en sustitución de sacrificios reales de períodos muy tempranos. Cifras más pequeñas en cerámica o madera se colocaron en las tumbas de muchos siglos después, alcanzando un máximo de calidad en la dinastía Tang .
Religiones chinas nativos no suelen utilizar imágenes de culto de las deidades, o incluso los representan, y la escultura religiosa grande es casi todo budista, que datan en su mayoría del cuarto del siglo 14, y en un principio el uso de modelos greco-budistas que llegan a través de la Ruta de la Seda . El budismo es también el contexto de toda la gran escultura retrato; en total contraste con algunas otras áreas en las imágenes medievales de China incluso pintadas del emperador eran considerados como privado. Tumbas imperiales tienen espectaculares avenidas de aproximación llena de animales reales y mitológicos en una escala a juego Egipto, y versiones más pequeñas adornan los templos y palacios. Figuras y grupos budistas pequeños se produjeron a una muy alta calidad en una amplia gama de medios de comunicación, como era decoración en relieve de todo tipo de objetos, especialmente en carpintería metálica y jade. escultores de todo tipo fueron considerados como los artesanos y se registraron muy pocos nombres.
Ding bronce de la dinastía Shang
Jarra de vino, Dinastía Zhou del Oeste (1050 aC-771 aC)
Lifesize calvalryman delejército de terracota,dinastía de Qin
Figura tumba de la muchacha de baile, dinastía Han (202 aC-220 dC)
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Dinastía Wei del Norte Maitreya (386-534)
Dinastía Tang(618-907) y el jinete del caballo de cerámica
Dinastía Tang(618-907) la cerámica tumba tutor
Sentado Buda , Dinastía Tang ca. 650.
La Gran Buda de Leshan, Dinastía Tang , completado en 803.
Retrato del monje, la dinastía Song , del siglo 11
Una madera Bodhisattva de ladinastía Song(960-1279)
Una madera Bodhisattva de ladinastía Song(960-1279)
Copa del jade chino con dragón Manijas, siglo 12
Una vidriera estatua de gres de un juez del infierno,de la dinastía Ming(siglo 16)
Estatua de Guanyin, por Chaozhong Él,de la dinastía Ming(1368-1644)
Estatua bajo vidriado azul de un hombre con su pipa, desde Jingdezhen,la dinastía Ming(1368-1644)
Japón
Hacia el final del largo Neolítico periodo Jōmon, algunas vasijas de cerámica eran "llama de montura" con extensiones extravagantes a la llanta que sólo se puede llamar escultórica y cerámica muy estilizadas figuras Dogu fueron producidos, muchos de ellos con los característicos ojos "saltones" snow- . Durante el período Kofun del 3 al 6 de siglo EC, figuras de terracota haniwa de seres humanos y animales en un estilo simplista fueron erigidas fuera tumbas importantes. La llegada del budismo en el siglo sexto traído consigo sofisticadas tradiciones en la escultura, estilos chinos mediadas a través de Corea. El siglo séptimo Hōryū-ji y su contenido han sobrevivido más intacta que cualquier templo budista de Asia Oriental de la fecha, con obras que incluye un Shaka Trinidad de 623 en bronce, que muestra el Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas y también el Reyes Guardianes de las cuatro direcciones.
La imagen de madera (siglo 9) de Shakyamuni, el "histórico" Buda, consagrado en un edificio secundario en el Muro-ji, es típica de principios Escultura Heian, con su pesado cuerpo, cubierto por los pliegues de las cortinas gruesas talladas en la hompa-shiki (onda rodadura) estilo, y su austera expresión facial, retirada. La escuela Kei de escultores, especialmente Unkei, creó un nuevo estilo, más realista de la escultura.
Casi todo gran escultura significativa posterior en Japón era budista, con algunas sintoístas equivalentes, y después de budismo declinó en Japón en el siglo 15, la escultura monumental se convirtió en gran medida la decoración arquitectónica y menos significativo. Sin embargo el trabajo escultórico en las artes decorativas se desarrolló a un notable nivel de logro técnico y refinamiento en objetos pequeños como inro y netsuke en muchos materiales, y el metal tosogu o montajes de espadas japonesas. En el siglo 19 hubo industrias de exportación de las pequeñas esculturas de bronce de virtuosismo extremo, marfil y porcelana estatuillas, y otros tipos de pequeña escultura, destacando cada vez logro técnico.
Dogu con los ojos "de nieve saltones", 1000-400 aC.
Siglo sexto figura haniwa
Kongo Rishiki (Guardian deidad) en la Puerta Central delHōryū-ji
Sacerdote Ganjin (Jianzhen),periodo Nara, siglo octavo
Jocho,Buda Amida,Período Heian, 1053,Byodo-in, Kyoto
Tsuba ajustada con una "Conejo Visualización de la luna de otoño", bronce, oro y plata, entre 1670 y 1744 la espada
Izumiya Tomotada,netsuke en la forma de un perro, a finales del siglo 18
Yamada Chözaburö,Dios del vientoenhierro repujado, c. 1915
India
La primera conocida escultura en el subcontinente indio es de la civilización del valle del Indo (3300-1700 aC), que se encuentra en los sitios en Mohenjo-Daro y Harappa en la actual Pakistán . Estos incluyen el famoso pequeña bailarina de bronce. Sin embargo este tipo de figuras en bronce y piedra son raras y en gran medida superados en número por las estatuillas de cerámica y sellos de piedra, a menudo de animales o de deidades muy finamente representados. Después del colapso de la civilización del valle del Indo hay poco registro de la escultura hasta la era budista, además de una horda de figuras de cobre (un tanto polémico) c. 1500 aC desde Daimabad. Así, la gran tradición de la escultura monumental en piedra india parece comenzar relativamente tarde, con el reinado de Asoka 270-232 aC, y los pilares de Ashoka erigió alrededor de la India, llevando sus edictos y rematado por famosas esculturas de animales, en su mayoría leones , de los cuales seis sobreviven. Grandes cantidades de la escultura figurativa, en su mayoría en relieve, sobreviven de estupas budistas tempranas de peregrinación, sobre todo Sanchi; éstos probablemente se desarrolló a partir de una tradición usando madera que también abrazó el hinduismo .
La piedra arenisca de color rosa hindúes, jainistas y budistas esculturas de Mathura desde el 1 al 3 ª siglos CE refleja las tradiciones indias nativas y las influencias occidentales recibido a través del arte greco-budista de Gandhara, y estableció efectivamente la base para la posterior escultura religiosa india. El estilo se ha desarrollado y difundido a través de la mayor parte de la India bajo el Imperio Gupta (c. 320-550), que sigue siendo un período "clásico" de la escultura de la India, que abarca los anteriores Cuevas de Ellora, aunque las cuevas de Elefanta son probablemente un poco más tarde. Más tarde la escultura a gran escala sigue siendo casi exclusivamente religiosa, y en general más bien conservador, a menudo volviendo a simple standing frontal posa para las deidades, aunque los espíritus acompañantes como apsaras y Yakshi poses a menudo han curvan sensualmente. Tallado a menudo altamente detallado, con un respaldo de la intrincada detrás de la figura principal en alto relieve. Los bronces célebres de la Chola dinastía (c. 850-1250) de sur de la India, muchos diseñados para ser llevado en las procesiones, incluir la forma icónica de Shiva como Nataraja, con las esculturas de granito masivas de Mahabalipuram que data de los últimos Dinastía Pallava.
La "chica bailando deMohenjo Daro ", tercero milenio aC (réplica)
Ashoka Pillar, Vaishali, Bihar, c. 250 aC
Gateway Stupa en Sanchi, c. 100 CE o tal vez antes, con relieves densamente empaquetadas
Buda deSarnath, siglo 5-6 CE
Los colosalesTrimurtien el Elefanta Grutas
Templos excavados en la roca en Ellora
Hindú,Cholaperiodo, 1000
Típico estatua medieval pie frontal deVishnu, 950-1150
En Khajuraho
Escultura de mármol de la hembra Yakshi en curva típica pose, c. 1450, Rajasthan
Gopuram deltemplo de Nataraja Thillai, Chidambaram,Tamil Nadu, densamente llena de hileras de estatuas pintadas
Escultura de Guardian en la entrada de la Mandapam de Sri Jalagandeeswarar Templo, Vellore, Tamil Nadu
El Sudeste De Asia
La escultura de la región tiende a caracterizarse por un alto grado de adorno, como se ve en los grandes monumentos de hindú y budista escultura Khmer (noveno al 13 siglos) en Ankor Wat y en otros lugares, el enorme complejo budista del siglo noveno en Borobudur en Java y los monumentos hindúes de Bali. Ambos incluyen muchos relieves, así como figuras de la ronda; Borobudur tiene 2.672 paneles de socorro, 504 estatuas de Buda, muchos semi-oculto en calados grandes figuras stupas, y muchos de la guarda. En Tailandia y Laos , la escultura era principalmente de imágenes de Buda, a menudo dorados, grandes para los templos y monasterios y pequeñas figuritas de viviendas particulares. Escultura tradicional en Myanmar surgió antes de que el período de Bagan. Como en el resto de la región, la mayor parte de las esculturas de madera de los períodos de Bagan y Ava se han perdido. En períodos posteriores influencia china predominó en Vietnam , Laos y Camboya , y la escultura de madera sobrevive más de toda la región.
Escultura de la relevación del templo Borobudur, Indonesia , c. 760-830
Dragón palacio cabeza decoración de la dinastía Ly, Vietnam , c. 1009-1225
Bajorrelieve de piedra deapsaras deltemplo Bayon,Camboya, c. 1200
Colosales de Buda "cara-torres" en el templo Bayon, c. 1200
Phra Achana, Wat Si Chum, imagen del gran Buda enSukhothai, c. Siglo 14
Estatuas de Buda dentro de la cueva inferior de lascuevas de Pak Ou,Laos
"Buda llamando a la tierra como testigos," Las manos del Buda están en el mudrā Bhumisparsa posición (someter Māra). Templo Ho Phra Kaeo, Vientiane, Laos
Islam
Islam es famoso anicónica, por lo que la gran mayoría de la escultura es la decoración de arabescos en relieve o calado, sobre la base de motivos vegetales, pero que tiende a formas abstractas geométricas. En los primeros Mshatta Fachada (740s), ahora sobre todo en Berlín , hay animales dentro de los arabescos densos en alto relieve y figuras de animales y hombres en relieve sobre todo bajo se encuentran en conjunción con la decoración en muchas piezas posteriores en diversos materiales, incluyendo trabajos en metal, marfil y cerámica.
Figuras de animales en la ronda a menudo eran aceptables para las obras utilizadas en contextos privados si el objeto era claramente práctico, por lo que el arte islámico medieval contiene muchos animales metálicos que son aguamaniles, quemadores de incienso o simpatizantes de fuentes, como los leones de piedra que soportan el famoso en el Alhambra, que culminó en la mayor figura animal islámico medieval conocido, el Pisa Griffin. De la misma manera, lujo tallas de piedra dura, tales como empuñaduras de dagas y copas se pueden formar como animales, especialmente en el arte Mughal. El grado de aceptación de este tipo de relajaciones de estrictas reglas islámicas varía entre periodos y regiones, con la España islámica, Persia y la India a menudo conduce relajación, y es típicamente más alto en contextos cortesanos.
La Mshatta Fachada, desde un palacio cerca deDamasco, 740s
La Pisa Griffin, 107 cm de alto, probablemente del siglo 11
Parte de un panel de cerámica del siglo 15 deSamarcanda con la caligrafía blanca en un azulde fondo arabesco.
Mughaldaga con empuñadura en jade, oro, rubíes y esmeraldas.la hoja deincrustaciones de acero damasquinado de oro.
África
Históricamente, con la excepción de alguna escultura egipcia monumental, más la escultura africana fue creado en madera y otros materiales orgánicos que no han sobrevivido desde antes que hace unos siglos; figuras de cerámica de más edad se encuentran entre una serie de áreas. Las máscaras son elementos importantes en el arte de muchos pueblos, junto con figuras humanas, a menudo altamente estilizado. Hay una gran variedad de estilos, a menudo diferentes dentro del mismo contexto de origen en función de la utilización del objeto, pero las tendencias regionales de ancho son evidentes; escultura es más común entre los "grupos de cultivadores asentadas en las áreas drenadas por los Níger y ríos Congo "en África Occidental . Imágenes directas de deidades son relativamente poco frecuentes, pero las máscaras en particular, son o fueron hechos a menudo para ceremonias religiosas; hoy en día muchos se hacen para los turistas como "arte de aeropuerto". Máscaras africanas eran una influencia en Europa el arte modernista, que fue inspirado por su falta de preocupación por la representación naturalista.
La Nubian Reino de Kush, en el moderno Sudán estaba en contacto estrecho y menudo hostil con Egipto, y produjo la escultura monumental en su mayoría derivados de los estilos del norte. En África occidental, las esculturas más tempranas conocidas son de la cultura Nok, que floreció entre los años 500 aC y 500 dC en la actual Nigeria , con figuras de arcilla típicamente con cuerpos alargados y formas angulares. Más tarde las culturas de África Occidental desarrollaron bronce casting para relieves para decorar palacios como los famosos bronces de Benin, y muy finas cabezas reales naturalistas de todo el pueblo yoruba de Ife en terracota y metal de los siglos 12 al 14o. goldweights Akan son una forma de pequeña de metal esculturas producidas durante el período 1400-1900, algunos aparentemente representan proverbios y así con un elemento narrativo poco frecuente en la escultura africana y regalía real incluyen elementos esculpidos impresionante de oro.
Muchas figuras de África occidental se utilizan en rituales religiosos y, a menudo se recubren con materiales que les impone para las ofrendas ceremoniales. La los pueblos de habla Mande de la misma región hacen piezas de madera con superficies planas, anchas y los brazos y las piernas tienen forma de cilindros. En África central, sin embargo, las principales características distintivas son rostros en forma de corazón que se curvan hacia adentro y patrones de visualización de los círculos y puntos.
Los africanos orientales no son conocidos por su escultura, sino un estilo de la región es esculturas polos, talladas en formas humanas y decorados con formas geométricas, mientras que las copas están talladas con figuras de animales, personas y objetos diversos. Estos polos son, entonces, colocados junto a las tumbas y se asocian con la muerte y el mundo ancestral. La cultura conocida de Gran Zimbabwe abandonó los edificios más impresionantes de la escultura pero las ocho de esteatita Zimbabue pájaros parecen haber tenido un significado especial y se montaron en monolitos. Modernos zimbabuenses escultores en piedra de jabón han logrado considerable éxito internacional. Más antiguo conocido de la arcilla figuras fecha de África del Sur 400-600 dC y tiene cabezas cilíndricas con una mezcla de rasgos humanos y animales.
Nok terracota, siglo sexto CE del siglo sexto antes de Cristo-
Cabeza Ife, terracota, probablemente 12-14 siglos CE
Yoruba cabeza escultura de bronce,Ife, Nigeria c. Siglo 12
Escultura de un 'Reina Madre' de Benín, del siglo 16.
Máscara de marfil del siglo 16 de Benin
Uno de los Benin Bronces, siglo 16 18, la Nigeria.
Máscara deBurkina Faso, del siglo 19
Figura Mambila, Nigeria
Las Americas
Escultura en lo que hoy es América Latina desarrolló en dos áreas separadas y distintas, Mesoamérica en el norte y Perú en el sur. En ambas áreas, la escultura fue inicialmente de piedra, y más tarde de terracota y metal como las civilizaciones en estas áreas se hicieron más con conocimientos tecnológicos. La Región mesoamericana produjo la escultura más monumental, de las obras de bloque masivas de laolmecay Culturas tolteca, a la magnífica bajo relieves que caracterizan a los mayas y aztecas culturas. En la región andina, esculturas eran por lo general pequeñas, pero a menudo muestran excelente habilidad.
Precolombino
Olmeca bebé Figura 1200-900 aC
Olmeca jadeíta Máscara 1000-600 aC
Cabeza Colosal Olmeca Nº 3 1200-900 aC
La Mojarra Stela 1 2do siglo CE
Chalchiuhtlicue de Teotihuacán 200-500 CE
Teotihuacan máscara 200-600 CE
Detalle Teotihuacan- del Templo de laSerpiente Emplumada 200-250 CE
La urna funeraria en la forma de un "bate de dios" o un jaguar,Oaxaca, 300-650 CE
Buque retrato Moche concaño estribo,Perú, 100 aC-700 CE
K'inich Janaab Pakal I dePalenque, Maya, 603-683
Ahkal Mo 'Naab III De Palenque, siglo octavo
Upakal K'inich siglo 8 dC, Palenque
Figura tipo Jaina Island (Maya) 650-800
Clásico cara cultura Veracruz 600-900
Atlante de Tollan-Xicocotitlan también conocido como Tula 1000
Avanzar hacia el arte moderno
Norteamérica
En América del Norte, la madera fue esculpida por Tótems, máscaras, utensilios, Canoas de guerra y una variedad de otros usos, con una variación distinta entre las diferentes culturas y regiones. Los estilos más desarrollados son los de la Pacific Northwest Coast, donde un grupo de elaborados y muy estilizadas estilos formales desarrolló formando la base de una tradición que continúa hasta hoy. Además de los famosos tótems, pintado y tallado fachadas de las casas se complementaron con tallados mensajes dentro y por fuera, así como figuras funerarias y otros artículos. Entre las inuit del norte lejano, todavía continuaron estilos tradicionales de talla en marfil y esteatita.
La llegada de la cultura católica europea adaptar fácilmente las capacidades locales para la prevaleciente barroco estilo, produciendo enormemente complicado retablos y otros en su mayoría esculturas de la iglesia en una variedad de estilos híbridos. El más famoso de esos ejemplos en Canadá es el área del altar de la Basílica de Notre Dame, en Montreal, Quebec, que fue tallada por los campesinos trabajadores habitant.Más tarde, los artistas formados en la tradición académica occidental siguieron estilos europeos hasta que en el siglo 19 comenzaron a dibujar de nuevo en las influencias indígenas, sobre todo en el estilo grotesco barroco mexicano conocido como Churrigueresco. Pueblos aborígenes también adaptados escultura iglesia en variaciones en Carpintero gótico; Un ejemplo famoso es la Iglesia de la Santa Cruz en Skookumchuck Hot Springs, Columbia Británica.
La historia de la escultura en los Estados Unidos después de la llegada de los europeos refleja la fundación del campo del siglo 18 enromanosvalores cívicos republicanos y El cristianismo protestante. En comparación con las zonas colonizadas por los españoles, la escultura tiene un comienzo muy lento en las colonias británicas, con casi ningún lugar en las iglesias, y sólo recibió un impulso por la necesidad de afirmar la nacionalidad después de la independencia. Escultura americana de mediados y finales del siglo 19 era a menudo clásica, a menudo romántica, pero mostró una inclinación para una dramática, narrativa, realismo casi periodística. Los edificios públicos durante el último cuarto del siglo 19 y la primera mitad del siglo 20 a menudo proporcionan un entorno arquitectónico para la escultura, sobre todo en relieve.por la década de 1930 elestilo internacional de la arquitectura y el diseño yel arte deco que se caracteriza por el trabajo dePaul Manship yLee Lawrie y otros se hizo popular. Por la década de 1950, la educación escultura tradicional sería casi completamente reemplazada por una Bauhaus-influenciado preocupación por abstracta diseño. Escultura minimalista sustituye la figura en lugares públicos y arquitectos casi completamente dejado de usar la escultura en o sobre sus diseños. Escultores modernos (siglo 21) utilizan ambos diseños clásicos y abstractos inspirados. A partir de la década de 1980, hubo un giro de nuevo hacia la escultura pública figurativa; para el año 2000, muchas de las nuevas piezas públicas en los Estados Unidos eran figurativas en el diseño.
Gutzon Borglum y su hijo, Lincoln Borglum, el Monte Rushmore , 1927-1941. LR, George Washington , Thomas Jefferson , Theodore Roosevelt y Abraham Lincoln que representan los primeros 150 años de historia de Estados Unidos .
Robert Gould Shaw Memorial porAugustus Saint-Gaudens, 1884 - 1897, la versión de yeso
Lee Lawrie,El Sembrador, 1928Art Deco relieve enBeaumont Torre,Universidad del Estado de Michigan
Daniel Chester French, Abraham Lincoln(1920) en elLincoln Memorial,Washington, DC
El K'alyaan Tótem Tlingit Kiks.ádi Clan, erigido en Sitka National Historical Park para conmemorar las vidas perdidas en el 1804 Batalla de Sitka
Frederic Remington, El Bronco Buster, de edición limitada con el nº 17 de 20 de 1909.
Paul Manship,Bailarín y gacelas, 1916,Smithsonian American Art Museum, Washington, DC
Gertrude Vanderbilt Whitney,El Scoutde 1924, en conmemoración deBuffalo Bill en Cody, Wyoming
Siglo 19, y el realismo de continuar
François Rude, unromántico Juana de Arco, 1852, Lumbrera
Jean-Baptiste Carpeaux,Ugolino y sus hijos, 1857-1860, Museo Metropolitano de Arte
Edgar Degas, La pequeña bailarina de catorce años , fundida en 1922 a partir de una ca. escultura de medios mixtos modelado 1879-1880, de bronce, en parte, teñido, con algodón
Auguste Rodin Los burgueses de Calais1889,Calais,Francia
Alfred Gilbert, el llamadoEros, 1893, la primera del mundode aluminioestatua,Piccadilly Circus, Londres
Detalle de la tumba deCipriano Kamil Norwid en Catedral de Wawel, Cracovia por Czeslaw Dźwigaj
Antoine Bourdelle,día y noche, mármol, 1903,Museo Bourdelle, París
Ene Štursa,Antes del baño,1906,Galería Nacional en Praga
Constantin Brancusi,Sleeping Muse,1910, bronce, Museo Metropolitano de Arte
Amedeo Modigliani,Mujer Head, 1911/1912,Tate
Aristide Maillol,La Noche,1920,Stuttgart
Clasicismo moderno contrasta en muchos aspectos con la escultura clásica del siglo 19 que se caracterizó por compromisos con el naturalismo (Antoine-Louis Barye) -los melodramáticos ( François Rude) sentimentalismo ( Jean Baptiste Carpeaux) - o una especie de grandiosidad majestuosa ( Lord Leighton).se tomaron varias direcciones diferentes en la tradición clásica en el siglo volvió, pero el estudio de la modelo vivo y de la tradición post-renacentista seguía siendo fundamental para ellos.Auguste Rodinfue el más renombrado escultor europeo del siglo 20. A menudo se considera una esculturalimpresionista, como son sus estudiantes, incluyendoCamille Claudel, y Hugo Rheinhold, tratando de modelar de un momento fugaz de la vida ordinaria.el clasicismo moderno mostraron una menor interés por el naturalismo y un mayor interés en la estilización formal. Se prestó mayor atención a los ritmos de volúmenes y espacios-así como una mayor atención a las cualidades contrastantes de superficie (abierto, cerrado, plano, roto, etc.), mientras que se prestó menos atención a la narración de historias y detalles convincentes de anatomía o de disfraces. se le dio mayor atención a efecto psicológico que al realismo físico, y se utilizaron influencias de estilos anteriores en todo el mundo.
Los primeros maestros del clasicismo moderno incluyen: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brancusi. A medida que avanzaba el siglo, se adoptó el clasicismo moderno como el estilo nacional de los dos grandes imperios totalitarios europeos: Alemania nazi y la Rusia soviética , quien co-optado el trabajo de artistas anteriores como Kolbe y Wilhelm Lehmbruck en Alemania y Matveyev en Rusia. largo de los 70 años de la URSS, las nuevas generaciones de escultores fueron entrenados y elegidos dentro de su sistema, y un estilo distinto, realismo socialista, desarrollado, que regresó a la insistencia del siglo 19 en el melodrama y el naturalismo.
Formación clásica se desarraigó de la educación artística en Europa Occidental (y América) para 1970 y las variantes clásicas del siglo 20 fueron marginados en la historia de la modernidad. Pero clasicismo continuó como el fundamento de la educación artística en las academias soviéticas hasta 1990, proporcionando una base para la figuración expresiva en toda Europa oriental y partes de Oriente Medio.Para el año 2000, la tradición clásica europea conserva un gran atractivo para el público, pero espera una tradición educativa de revivir su desarrollo contemporáneo.
Parte de la moderna clásica convirtió sea más decorativo / art deco ( Paul Manship, José de Creeft, Carl Milles) o de manera más abstracta estilizada o más expresivo (y gótico) ( Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) -o volvió más al Renacimiento ( Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) o se mantuvo igual ( Charles Despiau, Marcel Gimond).
Modernismo
Movimientos escultura modernista incluyencubismo, La abstracción geométrica, De Stijl,el suprematismo,el constructivismo,el dadaísmo,el surrealismo,el futurismo,el formalismoexpresionismo abstracto,Pop-Art, Minimalismo, Land art yel arte de instalación, entre otros.
En los primeros días del siglo 20, Pablo Picasso revolucionó el arte de la escultura cuando él comenzó a crear sus construcciones formado mediante la combinación de objetos y materiales dispares en una sola pieza construida de la escultura; el equivalente escultórico del collage en el arte de dos dimensiones. El advenimiento de Surrealismo llevó a las cosas de vez en cuando ser descritos como "escultura" que no habría sido tan previamente, como "escultura involuntaria" en varios sentidos, entre ellos coulage. En los últimos años Picasso se convirtió en un prolífico alfarero , lo que lleva, con interés en la cerámica histórica de todo el mundo, a un renacimiento del arte de la cerámica, con figuras como George E. Or y posteriormente Pedro Voulkos, Kenneth Price, y Robert Arneson. Marcel Duchamp originado el uso del " objeto encontrado "(en francés: objet trouvé) o readymade con piezas como la fuente (1917).
Del mismo modo, la obra de Constantin Brancusi a principios del siglo allanó el camino para la escultura abstracta después. En revuelta contra el naturalismo de Rodin y sus contemporáneos del siglo 19o tarde, Brâncuşi destila sujetos abajo a sus esencias, como se ilustra por las formas elegantes refinados de su Pájaro en el espacio de la serie (1924).
Impacto de Brancusi, con su vocabulario de reducción y abstracción, es visto a través de los años 1930 y 1940, y se ejemplifica por artistas comoGaston Lachaise,Sir Jacob Epstein,Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González,Pablo Serrano,Jacques Lipchitz y por la década de 1940 la escultura abstracta era impactado y ampliada porAlexander Calder,Len Lye,Jean Tinguely, yFrederick Kiesler que fueron pioneros delarte cinético.
Escultores modernistas perdieron en gran parte en el auge enorme en el arte público resultante de la demanda de los monumentos de guerra de las dos guerras mundiales, pero a partir de la década de 1950 los organismos públicos y la puesta en marcha se hizo más cómodo con modernistas de escultura y grandes encargos públicos tanto abstracto y lo figurativo se hicieron comunes . Picasso fue el encargado de hacer una maqueta de un enorme 50 pies (15 m) -alta escultura pública, el llamado Chicago Picasso (1967). Su diseño era ambigua y algo polémico, y lo que la cifra representa no está claro; podría ser un pájaro, un caballo, una mujer o una forma totalmente abstracto.
A finales de los años 1950 y la década de 1960 escultores abstractos comenzaron a experimentar con una amplia gama de nuevos materiales y diferentes enfoques para la creación de su trabajo. Imaginería surrealista, abstracción antropomórfica, nuevos materiales y combinaciones de nuevas fuentes de energía y las superficies y objetos variados convirtieron en característica de gran parte nueva escultura modernista. Proyectos de colaboración con diseñadores, arquitectos, paisajistas y arquitectos paisajistas ampliaron el sitio al aire libre y la integración contextual. Artistas como Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois, y Louise Nevelson llegaron a caracterizar el aspecto de la moderna escultura.
Por la década de 1960 El expresionismo abstracto, La abstracción geométrica y Minimalism, lo que reduce la escultura de sus características más esenciales y fundamentales, predominado. Algunas obras de la época son: la Cubi obras de David Smith, y las obras de acero soldadas de Sir Anthony Caro, el trabajo a gran escala de John Chamberlain, y la escala de instalación del medio ambiente obras de Marcos di Suvero. Otros minimalistas incluyen a Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl Andre, y John Safer quien añadió movimiento y monumentalidad con el tema de la pureza de la línea.
Durante los años 1960 y 1970 la escultura figurativa de artistas modernistas en formas estilizadas fue hecha por artistas comoLeonard Baskin,Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar,Paul Thek,Robert Graham en un estilo articulado clásico, yFernando Botero que traen "figuras de gran tamaño 'de su pintura en esculturas monumentales.
Movimientos contemporáneos
Sitio específico y obras de arte del medio ambiente están representados por los artistas: Andy Goldsworthy, Walter De Maria, Richard Long, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey, y Christo y Jeanne-Claude llevó escultura abstracta contemporánea en nuevas direcciones. Los artistas crean escultura ambiental en los sitios expansivas en el ' land art en el oeste americano 'grupo de proyectos. Estos land art o "arte terrestre obras de escultura escala ambiental ejemplificados por artistas como Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell ( Roden cráter). Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, y Bruce Nauman, entre otros fueron pioneros de la escultura postminimalista.
También durante los años 1960 y 1970 artistas tan diversos como Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz,Nam June Paik,Wolf Vostell,Duane Hanson yJohn DeAndrea exploraron la abstracción, la imaginería y la figuración a través devideo-arte, el medio ambiente, escultura de luz, yel arte de instalación de nuevas maneras.
El arte conceptual es arte en el que el concepto (s) o idea (s) que participan en el trabajo tienen prioridad sobre las preocupaciones estéticas y materiales tradicionales.Los trabajos incluyenUno y Tres Sillas, 1965, es porJoseph Kosuth, yun árbol de roble porMichael Craig-Martin, y los deJoseph Beuys yJames Turrell.
Minimalismo
De Tony Smith,Free Ride,1962, 6'8 x 6'8 x 6'8 (la altura de una puerta estándar de los EEUU),Museo de Arte Moderno, Nueva York
Larry Bell,Sin título1964, bismuto, cromo, oro y rodio sobre latón chapado en oro;Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas
Richard Serra,Fulcrum1987, 55 pies de alto escultura de pie libre deCor-ten de acero cerca dela estación de Liverpool Street,Londres
Donald Judd,Sin título,1991,Museo de Arte de Israel Jardín,Jerusalem
Postminimalismo
Bruce Nauman,humano / necesidad / deseo, 1983, escultura de neón
Richard Long,South Bank Circle,1991 Tate Liverpool, Inglaterra
Rachel Whiteread,Casa, ganó el 1993Premio Turner y el 1994Premio Fundación K
Anish Kapoor,girar el mundo al revés,Museo de Israel, 2010
Géneros contemporáneos
Algunas formas de la escultura moderna ahora se practican al aire libre, como el arte del medio ambiente y la escultura del medio ambiente, a menudo a la vista de los espectadores. Escultura de luz y arte de sitio específico también suelen hacer uso del medio ambiente. Escultura de hielo es una forma de escultura efímera que utiliza hielo la materia prima. Es popular en China, Japón, Canadá, Suecia y Rusia. Esculturas de hielo cuentan decorativamente en algunas cocinas, especialmente en Asia. esculturas cinéticas son esculturas que están diseñados para moverse, que incluyen los móviles. esculturas de nieve suelen ser talladas en un solo bloque de nieve alrededor de 6 a 15 pies (4,6 m) a cada lado y un peso de alrededor de 20 a 30 toneladas. La nieve está densamente empaquetada en una forma después de haber sido producida por medios artificiales o recogidos desde el suelo después de una nevada. esculturas de sonido toman la forma de instalaciones de sonido en interiores, instalaciones al aire libre como arpas eólicas, autómatas, o ser más o menos cerca convencional instrumentos musicales. Escultura de sonido es a menudo de sitio específico. juguetes de arte se han convertido en otro formato para artistas contemporáneos desde finales de 1990, como los producidos por Takashi Murakami y Kid Robot, diseñado por Michael Lau, o hecho a mano Michael Leavitt (artista).
El estatus social de los escultores
A nivel mundial, los escultores han sido por lo general los comerciantes cuyo trabajo es sin firmar; en algunas tradiciones, por ejemplo China, donde la escultura no compartía el prestigio de la pintura literatos, esto ha afectado el estado de la escultura en sí. Incluso en la antigua Grecia , donde los escultores como Fidias se hicieron famosos, parecen haber conservado gran parte de la misma condición social como otros artesanos, y tal vez no mucho mayores recompensas financieras, aunque algunos firmaron sus obras. En las Edades Media artistas como el siglo 12 Gislebertus veces firmó su trabajo, y se buscaron después por diferentes ciudades, sobre todo desde el Trecento en adelante en Italia, con figuras como Arnolfo di Cambio y Nicola Pisano y su hijo Giovanni. Orfebres y joyeros, tratar con materiales preciosos y muchas veces doblando como banqueros, pertenecía a poderosos gremios y tenía estatus considerable, a menudo ejercer cargos cívico. Muchos escultores también practicaron en otras artes; Andrea del Verrocchio pintó también, y Giovanni Pisano, Miguel Ángel y Jacopo Sansovino eran arquitectos . Algunos escultores mantienen grandes talleres. Incluso en el renacimiento de la naturaleza física de la obra fue percibida por Leonardo da Vinci y otros como tirar abajo el estado de la escultura en el arte, a pesar de la reputación de Miguel Ángel quizá puso esta idea desde hace mucho tiempo a descansar.
Desde el Artistas del Alto Renacimiento como Miguel Ángel, Leone Leoni y Giambologna podrían llegar a ser rico, y ennoblecido, y entrar en el círculo de los príncipes, después de un período de fuerte argumento sobre la situación relativa de la escultura y la pintura. Escultura decorativa Gran parte de los edificios se mantuvo un comercio, pero los escultores que producen piezas individuales fueron reconocidos al nivel de los pintores. Desde el siglo 18 o principios de la escultura también atrajo a estudiantes de clase media, a pesar de que era más lento para hacerlo que la pintura. Escultores mujeres tomaron más en aparecer de mujeres pintoras, y eran menos prominente hasta el siglo 20.
Conservación
Esculturas son sensibles a las condiciones ambientales como la temperatura , la humedad y la exposición a la luz y la luz ultravioleta . La lluvia ácida también puede causar daño a ciertos materiales de construcción y monumentos históricos. Esto se produce cuando el ácido sulfúrico en la lluvia reacciona químicamente con los compuestos de calcio en las piedras (piedra caliza, arenisca, mármol y granito) para crear el yeso , que luego se descascara.
En cualquier momento muchas esculturas contemporáneas han sido por lo general en la exhibición en lugares públicos; el robo no fue un problema, ya que las piezas eran inmediatamente reconocibles. A principios del siglo XXI el valor de metales aumentó a tal punto que el robo de la escultura masiva de bronce para el valor del metal se convirtió en un problema; escultura por valor de millones de ser robados y fundidos por el valor relativamente bajo del metal, una pequeña fracción del valor de la obra.
Movimientos anti-escultura
Aniconismo quedó restringido al judaísmo , que no aceptó la escultura figurativa hasta el siglo 19, las religiones de Zoroastro y algunos otros, antes de expandirse a budismo temprano y el cristianismo temprano, ninguno de los cuales aceptó inicialmente grandes esculturas. En tanto el cristianismo y el budismo estas primeras visitas fueron posteriormente revertidos, y la escultura se hizo muy significativo, especialmente en el budismo. Cristiana oriental ortodoxia nunca ha aceptado la escultura monumental, y el Islam ha rechazado sistemáticamente casi todos escultura figurativa. Muchas formas de protestantismo también no aprueban de la escultura religiosa. Ha habido mucha iconoclastia de la escultura por motivos religiosos, de los primeros cristianos, la Beeldenstorm de la Reforma protestante a la destrucción de los 2001 Budas de Bamiyán por el Talibanes.
Las artes plásticas
Artes plásticas es un término, ahora en gran parte redundante dentro de el uso Inglés, que abarca específicamente las formas de arte que implican la manipulación física de un medio plástico por moldeo o modelado como la escultura o la cerámica. El término también se ha aplicado de manera ambigua a todas las (no-literario, no musicales) artes visuales .
Materiales que pueden ser talladas o dieron forma, como la piedra o de madera, hormigón o acero, también se han incluido en la definición más estrecha, ya que, con las herramientas adecuadas, tales materiales también son capaces de modulación. Este uso del término "plástico" en las artes no se debe confundir con el uso de Piet Mondrian, ni con el movimiento que él llamó, en francés y en Inglés, " neoplasticismo. "
Así, incluso la definición más restringida podría incluirArquitectura,cerámica, Collage, arte conceptual,Dibujo,Arte de cristal,Land art,trabajo del metal,mosaico,pintura,arte de papel, el uso deplásticosen lasartes o como una forma de arte en sí,Grabado,Escultura,arte textil ,soldadura,carpintería,Cine,Fotografía Cine,arte de los nuevos medios.
Definición de autor del arte visual
En los Estados Unidos, la ley que protege los derechos de autor sobre una obra de arte visual da una definición más restrictiva de "artes visuales". La siguiente cita es de la Ley de Derechos de Autor de los Estados Unidos de América-Capítulo 1:
Una "obra de arte visual" es -
(1) una pintura, dibujo, impresión o la escultura, existente en un solo ejemplar y en una edición limitada de 200 copias o menos que están firmados y numerados consecutivamente por el autor, o, en el caso de una escultura, en múltiples fundido, tallado, o esculturas de 200 o menos que se numeran de forma consecutiva por el autor y llevan la firma o de otra marca de identificación del autor fabricó; o
(2) una imagen fija fotográfica producida sólo con fines de exhibición, existente en un solo ejemplar, que es firmado por el autor, o en una edición limitada de 200 copias o menos que están firmados y numerados consecutivamente por el autor.
Una obra de arte visual no incluye -
(A) (i) cualquier cartel, mapa, globo, gráfico, dibujo técnico, diagrama, modelo, artes aplicadas, película u otra obra audiovisual, libro, revista, periódico, revista, base de datos, servicio de información electrónica, publicación electrónica o publicación similar;
(ii) cualquier merchandising artículo o publicidad,,, cubierta, o material de embalaje descriptiva promocional o contenedor;
(iii) cualquier porción o parte de cualquier elemento descrito en la cláusula (i) o (ii);
(B) cualquier trabajo por contrato; o
(C) cualquier trabajar no sujetos a protección de derechos de autor en virtud del presente título.
