Arte
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El arte es una amplia gama de las actividades humanas y los productos de esas actividades; este artículo se centra principalmente en las artes visuales , que incluye la creación de imágenes u objetos en campos como la pintura , la escultura , el grabado , la fotografía y otros medios visuales. Arquitectura se incluye a menudo como una de las artes visuales; Sin embargo, como el artes decorativas, que consiste en la creación de objetos en los que las consideraciones prácticas de uso son esenciales en una forma que por lo general no son para una pintura, por ejemplo. Música , teatro , cine , danza , y otra las artes escénicas, así como la literatura y otros medios de comunicación como medios interactivos están incluidos en una definición más amplia de arte o las artes. Hasta el siglo 17, el arte hace referencia a cualquier habilidad o dominio y no se diferenció de artes o las ciencias , sino en el uso moderno de las artes plásticas , en las consideraciones estéticas son de suma importancia, se distinguen de las competencias adquiridas en general, y la decorativa o artes aplicadas.
El arte ha sido caracterizada en términos de mimesis, la expresión, la comunicación de la emoción, o de otros valores. Durante el período romántico , el arte llegó a ser visto como "una facultad especial de la mente humana para ser clasificado con la religión y la ciencia". Aunque la definición de lo que constituye el arte está en disputa y ha cambiado con el tiempo, las descripciones generales mencionan una idea de la acción humana y la creación a través de la habilidad imaginativa o técnico.
La naturaleza del arte, y conceptos relacionados, como la creatividad y la interpretación, se exploran en una rama de la filosofía conocida como estética .
Arte Creativo y bellas artes
Por una definición amplia de arte, obras artísticas han existido durante casi tanto tiempo como la humanidad : desde la primera arte prehistórico de arte contemporáneo; sin embargo, algunas teorías restringen el concepto a las sociedades occidentales modernas. El primero y más amplio sentido del arte es el que ha permanecido más cerca del significado latino más antiguo, que se podría traducir como "habilidad" o "artesanal". Unos pocos ejemplos en este sentido resulta muy amplio incluyen artefacto, artificial, artificio, médicos artes, y artes militares. Sin embargo, hay muchos otros usos coloquiales de la palabra, todos con alguna relación con su etimología.
En la filosofía medieval, ". El nombre del arte se debe aplicar sólo a aquellos que contribuyen a producir y cosas necesarias y pilares de la vida" Juan Crisóstomo sostuvo que Tomás de Aquino , cuando se trata el adorno de las mujeres, da una ética justificación de por qué: "En el caso de un arte dirigido a la producción de bienes que los hombres no pueden usar sin pecado, se deduce que el pecado trabajadores en la toma de este tipo de cosas, la forma más directa que ofrezcan otros una ocasión de pecado; por ejemplo, si un hombre fuera a hacer ídolos o cualquier cosa referente a idólatra adoración. Pero en el caso de un arte cuyos productos pueden ser empleados por el hombre, ya sea por un bien o un mal uso, tales como espadas, flechas, y similares, la práctica de un arte tal no es pecaminoso. Estos solos debería llamarse artes ". Aquino sostuvo que el arte es otra cosa que "la recta razón de determinadas obras a realizar," y que es digno de elogio, no de la voluntad con la que un artesano que hace un trabajo ", sino por la calidad de la obra. Arte, por lo tanto, , hablando con propiedad, es un hábito operativo. " Aristóteles y Tomás de Aquino lo distinguen de la costumbre relacionada de prudencia.
La segunda y más reciente sentido de la palabra arte es como una abreviatura para el arte creativo o las bellas artes y surgió a principios del siglo 17. Fine arte significa que una habilidad se utiliza para expresar el artista de la creatividad, o la participación sensibilidad estética de la audiencia, o para dibujar la audiencia hacia la consideración de las cosas buenas.
El arte de la palabra puede referirse a varias cosas: un estudio de la habilidad creativa, un proceso de utilización de la capacidad creativa, un producto de la habilidad creativa, o la experiencia de la audiencia con la habilidad creativa. Las artes creativas (arte como disciplina) son un conjunto de disciplinas que producen obras de arte (el arte como objetos) que están obligados por una unidad de personal (el arte como actividad) y transmiten un mensaje, el estado de ánimo, o simbolismo para que el espectador interprete (el arte como experiencia). El arte es algo que estimula los pensamientos, emociones, creencias o ideas de un individuo a través de los sentidos. Sus obras se pueden hacer de forma explícita a este efecto o interpretarse sobre la base de imágenes u objetos. Aunque la aplicación del conocimiento científico para derivar una nueva teoría científica implica habilidad y resultados en la "creación" de algo nuevo, esto representa la ciencia y no está categorizado como arte.
A menudo, si la habilidad está siendo utilizado de manera común o práctica, la gente considerará que una nave en lugar de arte. Del mismo modo, si la habilidad está siendo utilizado en una forma comercial o industrial, se puede considerar arte comercial en lugar de las bellas artes. Por otro lado, la artesanía y diseño a veces se consideran artes aplicadas. Algunos seguidores de arte han argumentado que la diferencia entre las bellas artes y el arte aplicado tiene más que ver con juicios de valor sobre el arte que cualquier diferencia clara definición. Sin embargo, incluso obras de arte a menudo tiene objetivos más allá de la pura creatividad y la autoexpresión. El propósito de las obras de arte puede ser la de comunicar ideas, como en el arte por motivos políticos, espiritual o filosófico; para crear un sentido de belleza (véase la estética ); para explorar la naturaleza de la percepción; por placer; o para generar fuertes emociones . El propósito también puede ser aparentemente inexistente.
La naturaleza del arte ha sido descrita por el filósofo Richard Wollheim como "uno de los más esquivo de los problemas tradicionales de la cultura humana". El arte ha sido definido como un vehículo para la expresión o comunicación de emociones e ideas, un medio para explorar y apreciar elementos formales por su propio bien, y como mimesis o la representación. El arte como mímesis tiene profundas raíces en la filosofía de Aristóteles . Goethe definen el arte como otra resp. una segunda naturaleza , de acuerdo con su ideal de una estilo basado en los fundamentos básicos de la visión y en el carácter íntimo de las cosas. Leo Tolstoy identificó el arte como un uso de medios indirectos para comunicarse de una persona a otra. Benedetto Croce y RG Collingwood avanzó la concepción idealista de que el arte expresa emociones, y que la obra de arte, por lo tanto existe esencialmente en la mente del creador. La teoría del arte como forma tiene sus raíces en la filosofía de Immanuel Kant , y se desarrolló a principios del siglo XX por Roger Fry y Clive Bell. Más recientemente, los pensadores influenciados por Martin Heidegger han interpretado el arte como el medio por el cual una comunidad se desarrolla por sí mismo un medio para la auto-expresión y la interpretación. George Dickie ha ofrecido una teoría institucional del arte que define una obra de arte como cualquier artefacto sobre el que una persona o personas que actúen en nombre de la institución social calificado refieren comúnmente como "el mundo del arte "ha conferido" el estatus de candidato a la apreciación ".
Historia
Esculturas, pinturas rupestres, pinturas rupestres y petroglifos de la Paleolítico Superior que data de hace unos 40.000 años se han encontrado, pero el significado exacto de esa técnica es a menudo controvertido porque se sabe muy poco acerca de las culturas que las produjeron. Los objetos de arte más antiguas del mundo, una serie de diminutas conchas de caracoles perforados unos 75.000 años-fueron descubiertos en una cueva de Sudáfrica. Los contenedores que se hayan podido utilizar para mantener las pinturas se han encontrado citas ya en 100.000 años.
Muchos grandes tradiciones en el arte tienen una base en la técnica de una de las grandes civilizaciones antiguas: Antiguo Egipto , Mesopotamia , Persia , India, China, Grecia Antigua, Roma, así como Inca , Maya y Olmeca . Cada uno de estos centros de la civilización temprana desarrolló un estilo único y característico en su art. Debido al tamaño y la duración de estas civilizaciones, más de sus obras de arte han sobrevivido y más de su influencia se ha transmitido a otras culturas y épocas posteriores. Algunos también han proporcionado los primeros registros de cómo trabajaron los artistas. Por ejemplo, este período del arte griego vio una veneración de la forma física humana y el desarrollo de habilidades equivalentes a mostrar la musculatura, el equilibrio, la belleza y proporciones anatómicamente correctas.
En Bizantino y El arte medieval de la Edad Media occidental, gran parte del arte se centró en la expresión de las verdades bíblicas y religiosas, y se utiliza estilos que mostraron la mayor gloria de un mundo celestial, tales como el uso del oro en el fondo de las pinturas, o vidrio en mosaicos o ventanas, que también presentó cifras en formas idealizadas, modelado (plano). Sin embargo una tradición realista clásica persistió en pequeñas obras bizantinas, y el realismo constantemente creció en el arte de la Europa católica.
El arte del Renacimiento tuvo un gran aumento de énfasis en la representación realista del mundo material, y el lugar de los seres humanos en el mismo, se refleja en la corporalidad del cuerpo humano, y el desarrollo de un método sistemático de perspectiva gráfica para representar la recesión en un espacio de la imagen en tres dimensiones.
En el este, El rechazo de arte islámico de iconografía llevó a énfasis en patrones geométricos, caligrafía, y arquitectura. Más al este, religión dominada estilos y formas artísticas también. India y el Tíbet vieron énfasis en esculturas y danza pintadas, mientras que la pintura religiosa prestado muchas convenciones de la escultura y la tendió a colores brillantes y contrastantes con énfasis en los contornos. China registró el florecimiento de muchas formas de arte: jade tallado, bronzework, cerámica (incluyendo la impresionante ejército de terracota del emperador Qin), la poesía, la caligrafía, música, pintura, teatro, ficción, etc. estilos chinos varían mucho de una época a otra y cada una de ellas lleva el nombre tradicionalmente después de la dinastía gobernante. Así, por ejemplo, de la dinastía Tang pinturas son monocromáticos y escasa, destacando los paisajes idealizados, pero la dinastía Ming pinturas están ocupados y colorido, y se centran en contar historias a través de configuración y composición. Nombres Japón sus estilos después de las dinastías imperiales también, y también vio mucho interacción entre los estilos de caligrafía y la pintura. Impresión en madera llegó a ser importante en Japón después del siglo 17.
El oeste de la Ilustración en el siglo 18 vio representaciones artísticas de certezas físicas y racionales del universo de relojería, así como visiones políticamente revolucionarias de un mundo post-monárquica, como Retrato de Blake de Newton como un geómetra divina, o Pinturas propagandísticas de David. Esto llevó a románticos rechazos de este a favor de fotos de la parte emocional y la individualidad de los seres humanos, ejemplificados en las novelas de Goethe . El siglo 19 vio entonces una serie de movimientos artísticos, como arte académico, El simbolismo, impresionismo y fauvismo entre otros.
La historia del arte del siglo XX es una narración de un sinfín de posibilidades y la búsqueda de nuevas normas, cada ser derribado en la serie por el siguiente. Por lo tanto los parámetros del Impresionismo , Expresionismo , Fauvismo, cubismo , dadaísmo , Surrealismo, etc., no se puede mantener mucho más allá del momento de su invención. El aumento global de interacción durante este tiempo vio una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental, como Pablo Picasso siendo influenciado por La escultura africana. Xilografías japonesas (que habían sido a su vez influenciados por Western delineante Renacimiento) tuvieron una inmensa influencia en el impresionismo y el desarrollo posterior. Más tarde, esculturas africanas fueron tomadas por Picasso y, en cierta medida, por Matisse . Impactos enormes Del mismo modo, el oeste ha tenido en el arte oriental en los siglos 19 y 20, con ideas originalmente occidentales como el comunismo y Postmodernismo ejerciendo una poderosa influencia en los estilos artísticos.
Modernismo, la búsqueda idealista de la verdad, dio paso en la segunda mitad del siglo 20 para la realización de su inaccesibilidad. Theodor W. Adorno, dijo en 1970: "En la actualidad se da por sentado que nada de lo que se refiere a arte se puede dar por sentado nada más: ni el arte en sí mismo, ni el arte en relación con el todo, ni siquiera el derecho de arte de existir." Relativismo fue aceptado como una verdad inevitable, lo que llevó al período de arte contemporáneo y crítica posmoderna, donde las culturas del mundo y de la historia son vistos como formas cambiantes, que pueden ser apreciadas y extraer de sólo con ironía. Además, la separación de las culturas es cada vez más difusa y algunos argumentan que ahora es más apropiado pensar en términos de una cultura global, en lugar de las culturas regionales.
Propósito del arte
El arte ha tenido un gran número de diferentes funciones a lo largo de su historia, por lo que su objetivo difícil abstracto o cuantificar a cualquier concepto único. Esto no implica que el propósito del arte es "vaga", pero que ha tenido muchas y diferentes razones únicas para ser creado. Algunas de estas funciones de Arte están dentro de la siguiente esquema. Los diferentes efectos de arte pueden ser agrupados de acuerdo a los que no son motivados, y los que están motivados (Lévi-Strauss).
Las funciones no motivados de arte
Los fines no motivados de arte son los que son parte integral de ser humano, trascienden al individuo, o no cumplir un propósito externo específico. En este sentido, el arte, la creatividad, es algo que los seres humanos deben hacer por su propia naturaleza (es decir, ninguna otra especie crea arte), y es por lo tanto más allá de la utilidad.
- Instinto humano básico para la armonía, el equilibrio, el ritmo . Arte en este nivel no es una acción o un objeto, sino una apreciación interna de equilibrio y armonía (belleza), y por lo tanto un aspecto del ser humano más allá de la utilidad.
"La imitación es, pues, un instinto de nuestra naturaleza. A continuación, existe el instinto de" armonía "y el ritmo, metros manifiestamente secciones de ritmo. Las personas, por lo tanto, a partir de este don natural desarrollaron gradualmente sus aptitudes especiales, hasta su improvisaciones groseros dieron nacimiento a la poesía ". -Aristóteles
- La experiencia de lo misterioso. Art ofrece una manera de experimentar uno mismo en relación con el universo. Esta experiencia a menudo puede venir sin motivación, como se aprecia el arte, la música o la poesía.
"Lo más hermoso que podemos experimentar es el misterio. Es la fuente de todo arte y ciencia verdaderos." -Albert Einstein
- La expresión de la imaginación. Art proporcionar un medio para expresar la imaginación en formas no gramaticales que no están vinculados a la formalidad del lenguaje hablado o escrito. A diferencia de las palabras, que vienen en secuencias y cada uno de los cuales tienen un significado definido, el arte ofrece una amplia gama de formas, símbolos e ideas con significados que son maleables.
"Águila de Júpiter [como ejemplo de arte] no, es como lógico (estética) atributos de un objeto, el concepto de lo sublime y la majestad de la creación, sino más bien algo más - algo que da a la imaginación un incentivo para difundir su vuelo sobre toda una serie de representaciones afines que provocan más pensamiento que deja lugar a la expresión de un concepto determinado por las palabras. Proporcionan una idea estética, que sirve a la idea racional anterior como un sustituto de la presentación lógica, pero con la función propia, sin embargo, de la animación la mente mediante la apertura hacia fuera para él una perspectiva en un campo de representaciones afines estiramiento más allá de su alcance ". -Immanuel Kant
- Funciones rituales y simbólicos. En muchas culturas, el arte se utiliza en los rituales, actuaciones y bailes como decoración o símbolo. Si bien estos no suelen tener (motivado) propósito específico utilitaria, los antropólogos saben que a menudo tienen un propósito a nivel de significado dentro de una cultura particular. Este significado no es proporcionada por un solo individuo, pero a menudo es el resultado de muchas generaciones de cambio, y de una relación cosmológica dentro de la cultura.
"La mayoría de los estudiosos que se ocupan de las pinturas rupestres o los objetos recuperados de contextos prehistóricos que no se pueden explicar en términos utilitarios y por lo tanto se clasifican como decorativo, ritual o simbólico, son conscientes de la trampa que supone el término" arte "." -Silva Tomášková
Motivado funciones del arte
Función de intereses de arte se refieren a acciones intencionales, conscientes por parte de los artistas o creador. Estos pueden ser para lograr un cambio político, para comentar sobre un aspecto de la sociedad, para transmitir una emoción o estado de ánimo específico, para hacer frente a la psicología personal, para ilustrar otra disciplina, a (con artes comerciales) para vender un producto, o simplemente como un forma de comunicación.
- Comunicación. Art, en su forma más simple, es una forma de comunicación. Como la mayoría de las formas de comunicación tienen una intención o meta dirigida hacia otra persona, esto es un propósito motivado. Artes ilustrativos, como ilustración científica, son una forma de arte como comunicación. Los mapas son otro ejemplo. Sin embargo, el contenido no tiene por qué ser científica. Las emociones, estados de ánimo y sentimientos también se comunican a través del arte.
"[El arte es un conjunto de objetos] o imágenes con significados simbólicos como un medio de comunicación." -Steve Mithen
- El arte como entretenimiento. El arte puede tratar de provocar una emoción o estado de ánimo especial, con el fin de relajarse o entretener al espectador. Esto es a menudo la función de las industrias artísticas de Motion Pictures y videojuegos.
- El Avante-Garde. Arte para el cambio político. Una de las funciones que definen el arte de principios del siglo XX ha sido el uso de imágenes visuales para lograr un cambio político. Los movimientos artísticos que tuvieron esta meta-dadaísmo, el surrealismo, el constructivismo ruso y el expresionismo abstracto, entre otros- se conocen colectivamente como las artes-avante garde.
"Por el contrario, la actitud realista, inspirada en el positivismo, de Santo Tomás de Aquino de Anatole France, parece claro para mí que ser hostil a cualquier avance intelectual o moral. Yo detesto, porque está formado por la mediocridad, el odio, y sin brillo . engreimiento Es esta actitud la que hoy da a luz a estos libros ridículos, estas obras insultantes Constantemente se alimenta de y deriva su fuerza de los periódicos y embrutece tanto a la ciencia y el arte halagando asiduamente el más bajo de los gustos;. claridad que raya la estupidez, de un perro vida ". -André Breton (surrealismo)
- Arte para la psicológica y fines de curación. El arte también es utilizado por los terapeutas de arte, psicoterapeutas y psicólogos clínicos como arte terapia. La Series Dibujo de diagnóstico, por ejemplo, se utiliza para determinar la personalidad y el funcionamiento emocional de un paciente. El producto final no es el objetivo principal en este caso, sino más bien un proceso de sanación, a través de actos creativos, que se busca. La pieza resultante de obra también puede ofrecer una idea de las dificultades experimentadas por el sujeto y puede sugerir enfoques adecuados para ser utilizados en formas más convencionales de terapia psiquiátrica.
- Arte para la investigación social, la subversión y / o la anarquía. Mientras que es similar al arte para el cambio político, el arte subversivo o deconstructivista puede tratar de cuestionar aspectos de la sociedad sin ningún objetivo político específico. En este caso, la función del arte puede ser simplemente criticar algún aspecto de la sociedad. El arte del graffiti y otros tipos de arte de la calle son gráficos e imágenes que son pintada con spray o estarcido sobre visibles públicamente paredes, edificios, autobuses, trenes y puentes, por lo general sin permiso. Ciertas formas de arte, como el graffiti, también pueden ser ilegales cuando se rompen las leyes (en este caso el vandalismo).
Pintura en Aerosol graffiti en una pared en Roma - Arte en causas sociales. El arte puede ser utilizado para aumentar la conciencia para una gran variedad de causas. Una serie de actividades de arte se dirige a crear conciencia sobre el autismo , cáncer , la trata de personas, y una variedad de otros temas, como la conservación de los océanos, los derechos humanos en Darfur, asesinadas y desaparecidas las mujeres aborígenes, maltrato a personas mayores, y la contaminación . Trashion, practicado por artistas como Marina DeBris es un ejemplo de utilizar el arte para crear conciencia sobre la contaminación.
- Arte para la propaganda, o comercialismo. El arte se utiliza a menudo como una forma de propaganda , y por lo tanto se puede utilizar para influir sutilmente concepciones populares o estado de ánimo. De una manera similar, el arte que trata de vender un producto también influye en el estado de ánimo y la emoción. En ambos casos, el propósito del arte aquí es manipular sutilmente al espectador en una respuesta emocional o psicológica particular, hacia una idea o un objeto en particular.
- El arte como un indicador de la aptitud. Se ha argumentado que la capacidad del cerebro humano supera con creces lo que se necesitaba para sobrevivir en el ambiente ancestral. Uno explicación psicología evolutiva de esto es que los rasgos cerebrales y asociados humanos (como la capacidad artística y la creatividad) son el equivalente humano del pavo real de la cola 's. El propósito de la cola extravagante del pavo real macho ha argumentado que sea para atraer a las hembras (ver también Runaway fisheriano y principio de handicap). Según esta teoría una ejecución superior de arte era evolutiva importante porque atrajo compañeros.
Las funciones del arte descritos anteriormente no son mutuamente excluyentes, ya que muchos de ellos pueden solaparse. Por ejemplo, el arte con el propósito de entretenimiento también puede tratar de vender un producto, es decir, el juego de la película o vídeo.
El acceso público
Desde la antigüedad, gran parte del mejor arte ha representado una visualización deliberada de la riqueza o el poder, a menudo logrado mediante el uso de la escala masiva y materiales costosos. Gran parte del arte ha sido encargado por gobernantes o establecimientos religiosos, con las versiones más modestas solo está disponible para los más ricos de la sociedad. Sin embargo, ha habido muchos periodos donde se disponía de arte de gran calidad, en términos de propiedad, a través de gran parte de la sociedad, sobre todo en los medios económicos como la cerámica, que persiste en el suelo, y los medios de comunicación perecederos como el textil y la madera . En muchas culturas diferentes, la la cerámica de los pueblos indígenas de las Américas se encuentran en una gama tan amplia de tumbas que claramente no estaban restringidos a un élite social, aunque otras formas de arte pueden haber sido. Métodos reproductivos como moldes hecha de producción en masa más fácil, y se utilizaron para traer de alta calidad Cerámica romana y griega Tanagra figurines a un mercado muy amplio. Sellos cilíndricos eran tanto artística y práctica, y son ampliamente utilizados por lo que puede ser vagamente llamado a la clase media en el Antiguo Cercano Oriente. Una vez que las monedas fueron ampliamente utilizados estos también se convirtieron en una forma de arte que alcanzó la más amplia gama de la sociedad. Otra innovación importante se dio en el siglo 15 en Europa, cuando el grabado comenzó con una pequeña grabados en madera, en su mayoría religiosos, que a menudo eran muy pequeñas y coloreadas a mano, y asequible incluso por campesinos que les pegan a las paredes de sus casas. Libros impresos fueron inicialmente muy caro, pero cayeron de manera constante en los precios hasta el siglo 19, incluso los más pobres podían permitirse algunos con ilustraciones impresas. Los más populares de muchos tipos diferentes han decorado las casas y otros lugares durante siglos.
Los edificios públicos y monumentos, seculares y religiosos, por su naturaleza, suelen ir dirigidas a toda la sociedad, y los visitantes como a los espectadores, y la exhibición al público en general ha sido un factor importante en su diseño. Templos egipcios son típicos en que el más grande y más lujosa decoración se colocó en las partes que podrían ser vistos por el público en general, en lugar de las áreas visto sólo por los sacerdotes. Muchas áreas de palacios reales, los castillos y las casas de la élite social eran a menudo de acceso general, y gran parte de las colecciones de arte de estas personas a menudo se podía ver, ni por nadie, o por aquellos capaces de pagar un pequeño precio, o los usar la ropa correcta, independientemente de quiénes eran, como en el Palacio de Versalles, donde los accesorios adicionales apropiadas (hebillas de zapatos de plata y una espada) podrían ser contratados de tiendas fuera.
Se hicieron arreglos especiales para permitir que el público vea muchas colecciones reales o privados enmarcados en galerías, como con el Orleans Collection encuentra en su mayoría en un ala de la Palais Royal de París, que se pudo visitar durante la mayor parte del siglo 18. En Italia, el turismo arte de la Grand Tour se convirtió en una industria importante a partir del Renacimiento, y los gobiernos y ciudades hizo esfuerzos para que sus obras clave accesible. El Británico Colección Real se mantiene distinta, pero las grandes donaciones como la Antigua Biblioteca Real se hicieron de ella a la Museo Británico, establecido en 1753. El Uffizi en Florencia abrió del todo como una galería en 1765, aunque esta función había estado tomando poco a poco el edificio el relevo de las oficinas de los funcionarios originales durante mucho tiempo antes. El edificio que hoy ocupa el Prado en Madrid fue construida antes de la Revolución Francesa para la exhibición pública de las piezas de la colección de arte real y galerías reales similares abiertos al público existido en Viena , Munich y otras capitales. La apertura de la Musée du Louvre durante la Revolución Francesa (en 1793) como un museo público de gran parte de la antigua colección real francesa, sin duda marcó una etapa importante en el desarrollo del acceso público al arte, la transferencia de la propiedad a un estado republicano, pero fue una continuación de las tendencias ya bien establecida.
La mayoría de los museos públicos modernos y programas de educación artística para los niños en las escuelas se puede remontar de nuevo a este impulso de tener el arte al alcance de todos. Museos en los Estados Unidos tienden a ser regalos de los muy ricos a las masas ( El Museo Metropolitano de Arte de la Ciudad de Nueva York, por ejemplo, fue creado por John Taylor Johnston, un ejecutivo del ferrocarril cuyo personal colección de arte sembrado el museo.) Pero a pesar de todo esto, al menos una de las funciones importantes del arte en el siglo 21 se mantiene como un marcador de la riqueza y el estatus social.
Ha habido intentos de los artistas para crear arte que no puede ser comprado por los ricos como un objeto de estado. Una de las principales motivaciones originales de gran parte del arte de finales de los años 1960 y 1970 fue la creación de arte que no podía ser comprado y vendido. Es "necesario presentar algo más que meros objetos", dijo el principal posguerra artista alemán Joseph Beuys. Este período vio el surgimiento de cosas tales como arte de la performance, videoarte, y arte conceptual. La idea era que si la obra fue una actuación que no dejan nada atrás, o era simplemente una idea, no podía ser comprado y vendido. "Preceptos democráticos que giran alrededor de la idea de que una obra de arte es una mercancía impulsaron la innovación estética que germinó a mediados de la década de 1960 y fue cosechado a lo largo de la década de 1970. Artistas ampliamente identificados bajo el título de El arte conceptual ... sustituyendo desempeño y las actividades editoriales para el acoplamiento con el material y las preocupaciones materialistas de forma pintada o escultórico ... [tener] procurado socavar el objeto de arte objeto qua ".
En las décadas posteriores, estas ideas se han perdido un poco como el mercado del arte ha aprendido a vender DVD de edición limitada de obras de video, invitaciones a exclusivos piezas de arte de performance, y los objetos sobrantes de piezas conceptuales. Muchas de estas actuaciones crean obras que sólo son comprendidas por la élite que han sido educados por qué una idea o un vídeo o un pedazo de basura aparente pueden considerarse arte. El marcador del estado se convierte en la comprensión del trabajo en lugar de ser dueño de ella necesariamente, y la obra sigue siendo una actividad de clase alta. "Con el uso generalizado de la tecnología de grabación de DVD en la década de 2000, los artistas, y el sistema de galerías que obtiene sus beneficios de la venta de obras de arte, obtuvo un importante medio de control de la venta de obras de arte de vídeo y un ordenador en ediciones limitadas para coleccionistas."
Controversias
El arte ha sido siempre controvertido, es decir, del agrado de algunos espectadores, para una amplia variedad de razones, aunque la mayoría de las controversias premodernas se registraron tenuemente, o pierden por completo a una visión moderna. Iconoclasia es la destrucción del arte que se disgustaba por una variedad de razones, incluyendo las religiosas. Aniconismo es una aversión general de cualquiera de todas las imágenes figurativas, o los a menudo sólo religiosas, y ha sido un hilo en muchas religiones principales. Ha sido un factor crucial en la historia de Arte islámico, donde representaciones de Mahoma siguen siendo especialmente controvertido. Gran parte del arte se ha desagradado puramente porque representa o representaba gobernantes impopulares, fiestas u otros grupos lo contrario. Convenciones artísticas a menudo han sido conservadores y tomado muy en serio por críticos de arte, aunque a menudo mucho menos por un público más amplio. La contenido iconográfico del arte podría causar controversia, como con representaciones medievales tardías del nuevo motivo de la Swoon de la Virgen en escenas de la Crucifixión de Jesús. El Juicio por Miguel Ángel fue polémico por varias razones, incluidas las violaciones de decoro través de la desnudez y el Apolo pose de Cristo -como.
El contenido de gran parte del arte formal a través de la historia fue dictada por el patrón o comisionado en lugar de sólo el artista, pero con la llegada del Romanticismo , y cambios econonomic en la producción de arte, la visión de los artistas se convirtió en el factor determinante de costumbre del contenido de su arte, el aumento de la incidencia de controversias, aunque a menudo la reducción de su significado. Incentivos fuertes para la originalidad percibida y la publicidad también anima a los artistas a los tribunales controversia. de Théodore Géricault Balsa de la Medusa (c. 1820), fue en parte un comentario político en un evento reciente. de Édouard Manet Le Déjeuner sur l'Herbe (1863), fue considerada escandalosa no a causa de la mujer desnuda, sino porque ella está sentada al lado de los hombres totalmente vestidos con la ropa de las veces, en lugar de en los trajes del mundo antiguo. de John Singer Sargent Madame Pierre Gautreau (Madame X) (1884), causado una controversia sobre el color rosa rojizo utilizado para colorear lóbulo de la oreja de la mujer, considerada demasiado sugerente y supuestamente arruinar la reputación del modelo de la alta sociedad.
El progresivo abandono del naturalismo y la representación de las representaciones realistas de la apariencia visual de los sujetos en los siglos 19 y 20 condujo a una controversia de rodadura que dura más de un siglo. En el siglo XX, Pablo Picasso 's Guernica (1937) utiliza el arresto cubistas técnicas y austeras aceites monocromáticas, para representar las consecuencias terribles de un atentado contemporánea de una pequeña ciudad antigua, País Vasco. de Leon Golub Interrogatorio III (1981), representa a una mujer desnuda detenido, con capucha atado a una silla, con las piernas abiertas para revelar sus órganos sexuales, rodeado por dos verdugos vestido con ropa de diario. de Andrés Serrano Piss Christ (1989) es una fotografía de un crucifijo, sagrado para la religión cristiana y que representa a Cristo ' s sacrificio y sufrimiento final, sumergido en un vaso de propia orina del artista. El escándalo resultante dio lugar a comentarios en el Senado de Estados Unidos sobre la financiación pública de las artes.
Teoría
En el siglo XIX, los artistas estaban preocupados principalmente con ideas de verdad y belleza. El teórico de estética John Ruskin, quien defendió lo que vio como el naturalismo de JMW Turner , vio el papel del arte como la comunicación por el artificio de una verdad esencial que sólo se podían encontrar en la naturaleza.
La definición y evaluación de arte se ha convertido en especialmente problemático desde el siglo 20. Richard Wollheim distingue tres enfoques para evaluar el valor estético del arte: la Realista, con lo que la calidad estética es un valor independiente absoluta de cualquier punto de vista humano; la Objetivista, por lo que también es un valor absoluto, sino que depende de la experiencia humana general; y la Relativista posición, por lo que no es un valor absoluto, sino que depende de, y varía con, la experiencia humana de diferentes seres humanos.
La llegada de El modernismo en la tarde de plomo del siglo XIX a una ruptura radical en la concepción de la función del arte, y luego otra vez a finales del siglo XX, con la llegada de posmodernismo. 1960 artículo "La pintura modernista" de Clement Greenberg define el arte moderno como "el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar la propia disciplina". Greenberg aplicó originalmente esta idea al movimiento expresionista abstracto y lo utilizó como una forma de entender y justificar plana (no ilusionista) la pintura abstracta:
, Arte naturalista realista había disimulado el medio, usando el arte de ocultar el arte; modernismo utiliza el arte para llamar la atención sobre el arte. Las limitaciones que constituyen el medio de la pintura-la superficie plana, la forma del soporte, las propiedades del pigmento fueron tratados por los viejos maestros como factores negativos que podrían ser reconocidos solamente implícita o indirectamente. Bajo Modernismo estas mismas limitaciones llegaron a ser considerados como factores positivos, y se reconocieron abiertamente.
Después de Greenberg, varios teóricos del arte importantes surgieron, como Michael Fried, TJ Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin y Griselda Pollock, entre otros. Aunque sólo destinado originalmente como una forma de entender un conjunto específico de los artistas, la definición de Greenberg del arte moderno es importante para muchas de las ideas de arte dentro de los distintos movimientos artísticos del siglo 20 y principios del siglo 21.
Artistas pop como Andy Warhol convirtió tanto notable e influyente a través del trabajo y, posiblemente incluyendo la crítica de la cultura popular, así como el mundo del arte. Artistas de la década de 1980, 1990, y 2000 ampliaron esta técnica de autocrítica más allá de las bellas artes a todos la imagen de decisiones culturales, incluyendo imágenes de moda, cómics, carteles y la pornografía.
Duchamp propuso una vez que el arte es cualquier actividad de cualquier todo tipo-. Sin embargo, la forma en que sólo ciertas actividades se clasifican hoy como el arte es una construcción social. Hay evidencia de que puede haber un elemento de verdad en esto. La invención de Arte: Una historia cultural es un libro de historia del arte que examina la construcción del sistema moderno de las artes es decir, bellas artes . Shiner encuentra evidencia de que el sistema más antiguo de las artes antes de nuestro moderno sistema (bellas artes) celebró técnica como cualquier actividad humana calificada es decir, la sociedad griega antigua no poseía el arte de plazo, pero techne. Techne puede entenderse ni como arte u oficio, la razón es que las distinciones del arte y la artesanía son productos históricos que vinieron más tarde en la historia humana. Techne incluyó la pintura , la escultura y la música , sino también, la cocina, la medicina , la equitación , la geometría , la carpintería, la profecía y la agricultura , etc.
Disputas Clasificación
Las controversias sobre si o no para clasificar algo como una obra de arte se hace referencia a los conflictos como clasificatorios sobre el arte.
Disputas clasificatorias en el siglo 20 han incluido cubista y impresionista pinturas, Duchamp Fontana, laspelículas, las imitaciones superlativos debilletes de banco,el arte conceptual ylos videojuegos.
Filósofo David Novitz ha argumentado que el desacuerdo sobre la definición del arte rara vez son el corazón del problema. Más bien, "las preocupaciones e intereses apasionados que los humanos chaleco en su vida social" son "una parte tan importante de todas las controversias clasificatorios sobre el arte" (Novitz, 1996). Según Novitz, disputas clasificatorias son más a menudo disputas acerca de los valores sociales y donde la sociedad está tratando de ir de lo que son acerca de la teoría apropiada. Por ejemplo, cuando el Daily Mail criticó Hirst 's y el trabajo Emin del argumentando "Para 1000 años de arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy en día, la oveja en vinagre y camas sucias amenazar con hacer bárbaros de todos nosotros" que no están avanzando un definición o teoría sobre el arte, pero cuestionando el valor de la obra de Hirst y Emin. En 1998, Arthur Danto, sugirió un experimento mental que demuestra que "el estado de un artefacto como el trabajo de los resultados de la técnica de las ideas de una cultura se refiere a ella, en lugar de sus cualidades físicas o perceptibles inherentes. interpretación Cultural (una teoría del arte de algún tipo ) es, por tanto, constitutiva de arthood de un objeto ".
Anti-arte es una etiqueta para el arte que desafía intencionalmente los parámetros y valores del arte establecidos; se término asociado con el dadaísmo y atribuido a Marcel Duchamp justo antes de la Primera Guerra Mundial, cuando él estaba haciendo arte a partir de objetos encontrados. Una de ellas, la fuente (1917), un mingitorio ordinario, se ha logrado un considerable protagonismo e influencia en el arte. Anti-arte es una característica de la obra de Internacional Situacionista, el lo-fi movimiento de arte correo, y los Young British Artists , a pesar de que es una forma todavía rechazado por los Stuckists, que se describen como anti-anti-arte.
